Estas dos exposiciones estarán abiertas al público en general a partir del 18 de mayo hasta el 10 de junio. La galería abre sus puertas de viernes a domingo, de 12:00 a 18:00 horas. 

Entrada libre. 

AJ Fosik e Isabel Ruiz / Vice Gallery / 18 de mayo al 10 de junio de 2012 / Entrada libre

Al día siguiente, a pesar de la desvelada, Seher One estaba una vez más en las instalaciones, al tanto de las personas que asistían al primer viernes que la galería abría sus puertas para el público en general. Si algo me quedó claro, es que Seher es alguien comprometido con su obra y su gente. Con la misma sonrisa, me recibió a mí y entre el público y algunos curiosos que se acercaban para escuchar, platicamos un poco sobre la exposición.

VICE: ¿Qué buscas transmitir a través de Ensoñación?
Seher One: Quiero reinterpretar, a partir de la percepción, mi forma de ver la naturaleza. Todo lo que nos rodea es orgánico para mí, me gusta pensar que hay vida incluso en la materia inherte. En Ensoñación, se ven mucho los cráneos, pero es ese nexo que nos recuerda de dónde venimos, hacia a dónde vamos y el hecho de estar vivos; que vibramos y que estamos constituidos por partículas muy pequeñas. Esta obra es una manera de jugar con la naturaleza y de permitirme reinventarla.

En la obra, hay muchos animales, ya que está basada mucho en la naturaleza, pero de una forma un poco bizarra; jugando con los elementos, proponerlos y pensar que todo está lleno de color. La luz misma nos permite ver los colores y a partir de ahí, tratar de transmitir un sentimiento a la gente. A pesar de que toda la obra es muy figurativa, quiero dejar algo la interpretación y que las personas entren en un estado de ánimo a partir de lo que está viendo.

Dentro de la obra hay una fuerte relación entre lo humano, lo animal y lo natural.
Independientemente del género, todo es naturaleza y es compatible una cosa con otra. Ya sea animal, humano o planta, todo pertenece a lo mismo y es parte de un todo. Jugué un poco con estos elementos como un rompecabezas. Es tratar de encontrar una nueva forma de verlo.

¿Por qué ensoñar? 
Es soñar con los ojos abiertos; imaginar y tratar de aterrizar esas ideas en las pinturas para transmitir a la gente ese sentimiento de fantasía, de romper el esquema gris que existe y tratar de soñar a partir de las obras.

Una pieza que llama mucho la atención es la del cráneo que hace alusión al Dark Side of the Moon.
Pink Floyd es una inspiración muy grande para mí y el Dark Side of the Moon es uno de mis discos favoritos de toda la vida. Lo que quise hacer aquí fue tratar de hacer una interpretación de cómo es la percepción humana. La luz que se refleja sobre los objetos genera los colores. Entonces, una vez que pasa esta luz a través de nuestros ojos, el cerebro la convierte en colores y estos colores tienen cada uno una esencia. Por eso están reflejados estos seis colores, en otras seis obras diferentes. Cada color tiene un sentimiento en particular, como miedos, fantasías o la forma de crear.

Entonces, ¿interpretaste a tu manera la portada del disco?
Quise tomar un elemento conocido por todas las personas, sin modificarlo tanto, pero dándole un nuevo giro, siempre con mi propia visión y proponer algo nuevo a partir de esto. Ésta es una de mis piezas favoritas por todo lo que significa. Puede que no sea tan impactante como lo son otras, pero para mí es algo muy personal, que tenía muchas ganas de hacer y afortunadamente lo pude aterrizar. Tiene que ver justamente con ese sentido de percepción y cómo es que funciona nuestro cerebro y cómo reinterpreta esta realidad en la que vivimos.

Sé que no firmas el trabajo que haces en la calle, ¿piensas lo mismo sobre éste?
Los lienzos están firmados por detrás, aún así, siento que no hay espacio para poner una firma. La gráfica misma dice a quién le pertenece. Con respecto a la cuestión de las calles siento que no lo debo de firmar, aunque no está muy ligado a lo que estoy presentando esta vez, son cosas diferentes. Aquí traté de trabajar obra para interiores, que no tuviera mucho que ver con lo que hago afuera, porque son dos caminos distintos.

¿Así que esto no lo catalogarías como arte urbano?
No, ya que no tiene mucho que ver con el entorno urbano. A veces hago arte urbano, pero creo que lo que está aquí es obra de interior o de galería. Más que acercarse a la plástica, es una propuesta gráfica más cercana a la ilustración y al lado dibujístico. La forma en la que está constituida son las bases del comic, sombras de plastas, volúmenes generados a partir de plastas, calidades de linea, cortes de un sólo tono, y casi no hay difuminados de color en todas las obras. Es muy como la onda de los 90, muy caricaturezco.

Quiero separar mi trabajo de la calle y el de interior. No porque uno tenga más valor que otro, simplemente siento que puedo adaptarme a los diferentes espacios. Sí me gustaría seguir muy activo en las calles, como empecé haciéndolo, pero también quiero generar obra de mucha calidad, que proponga, que tenga otro diálogo, del mismo artista, pero que sea distinta una cosa de la otra.

¿Cómo es el cambio al pasar de pintar paredes a hacerlo sobre lienzo o papel?
Cambia el formato y la forma en que se percibe. No porque sea un pedazo de papel va a dejar de ser impactante o no porque sea un muro va a ser el doble de impactante. Me refiero al hecho de que todo depende de lo que imprimas en él y con qué fin sea pensado, ya sea para la calle o si es para un interior.

Podría parecer que estuviste muy tranquilo el último año, ¿qué estuviste haciendo?
Lo que no hice fue publicar mi trabajo, pero siempre he estado activo y generando mucha ilustración. Soy freelance, así que constantemente hay muchas cosas qué hacer, debido a eso, traté de no mostrar ese trabajo porque siento que quitaba la magia del ensueño y que restaba el impacto visual de inicio.

Lo que yo quería era que la gente pensara que íbamos a ver el trabajo de la calle pero ahora en interior. La gente ya sabía qué es lo que podía ver, pero no esperaba encontrarse con esto. Preferí darle una vuelta a la tuerca y proponer algo más de lo que la gente esperaba. Creo que el resultado fue muy bueno, porque la especulación fue superada y la gente encontró una nueva propuesta gráfica. Es la misma temática pero de una forma más digerida y un poco más evolucionada. Estamos dando un paso más para adelante.

¿Qué cambio te llevo a crear Ensoñación?
Creo que me volví un poco más analítico en el aspecto de pensar lo que quiero hacer, para qué lo quiero hacer y cómo es que lo quiero hacer, más allá de que me gusta, o que lo haga por bonito o estético. Quería proponer algo más, que le dijera algo a las personas. Me siento muy contento por cómo han salido las cosas. La exposición, en sí, está muy completa, desde pintura, dibujo y la pequeña escultura. Puedo decir que todo embona perfectamente, ninguna pieza está de más o ninguna pieza brinca. Es una historia contada en tres secciones, desde la percepción, los estados de la naturaleza y los estados del ser humano.

¿Qué sigue para ti después de esto?
Quiero seguir trabajando obra de caballete. Tengo otra exposición el 9 de agosto en el museo Casa Diego Rivera en Guanajuato. Ya tengo planeado lo que presentaré ahí, será obra completamente nueva. Me siento muy renovado. Estoy desempolvado, hice mucha obra y tengo la cosquilla para seguir generando en vez de descansar. Es un buen momento para seguir proponiendo.

Independientemente de que se haya abierto la exposición, no quiere decir que eso ya sea todo. Considero que puedo seguir trabajando, no ha terminado el ensueño, sino todo lo contrario. Hay más ganas de seguir trabajando, de seguir proponiendo y de seguir encontrándome, para dentro de uno o dos años, poder hacer algo mucho más fuerte y así sucesivamente, hasta encontrar el diálogo perfecto entre el espectador y la obra.

Tal vez, para la próxima, sea mucho más directo a la hora de decir las cosas. Por el momento quiero seguir trabajando y tengo muchas ganas de salir a pintar a las calles. Espero que se pueda lograr.

Conoce un poco más de Seher:

Art Talk: Seher One

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La exposición estará abierta al público desde el viernes 20 de abril hasta el 6 de mayo. Los horarios de la galería son de viernes a domingo, de 12:00 a 18:00 horas.

Entrada libre.

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Gracias a Absolut Vodka y Burn Energy Drink por su compromiso con el arte y la creatividad.

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Seher One // Vice Gallery / abril de 20 - mayo de 6, 2012 / Entrada libre

Conoce más de Seher One y sus ideas respecto al arte en Art Talk: Seher One

La exhibición estará montara hasta el 15 de abril, los horarios de la galería son de viernes a domingo de 12:00 a 18:00 Hrs.

Entrada libre.

Más de Vice Gallery:

Brusco: el cultivo biológico de lo cotidiano

La casa de María es luminosa y pequeña, como ella. De no ser porque esta gatita se lame su cola, uno diría que es un dibujo pequeño y viral como los que caracterizan el trabajo del artista mexicano Fernando Pizarro, quien por cierto, es su roomie.

Con Brusco, Fernando Pizarro hace un zoom hacia la basura cotidiana y nos muestra paisajes celulares que reconfortan. Con un trazo delicado que encuentra su fuerza en la marabunta de objetos familiares, el artista nos lleva de la mano a un mundo en el que nos encontramos todos los días: el de la incurable enfermedad crónica de tener que levantarse cada día.  

Brusco pondrá a prueba tu sistema inmunológico en el Project Room, de Vice Gallery, Mérida 190, colonia Roma, a partir de este viernes 23 de marzo. Puedes visitarla de viernes a domingo de 12:00 a 18:00 hrs.

Mientras tanto, Fernando Pizarro nos habla un poco del cultivo que crece en su estudio.

Vice: ¿Qué vamos a ver en Brusco?

Fernando Pizarro: Para esta exposición sigo usando los elementos biológicos que usé mucho en mi exposición pasada, que se llamaba Los inmortales. Ahí presentaba enfermedades cardiovasculares para hacer un retrato de la sociedad a través de las causas y los efectos de estas enfermedades. [También hice] las cajas de petre que eran como la otra parte de estas enfermedades, el nuevo ser humano.

En esta segunda exposición sigo en el mismo tema de lo biológico –que me interesa mucho como estética­–, y a nivel conceptual es mucho más personal, pero habla de la enfermedad como el contrario de la salud, que está en todas nuestras vidas y sobre todo en la cotidianeidad y la rutina, y cómo todo eso nos va enfermando poquito a poco.  

Quise hacer algo muy directo en el que todos pudiéramos identificarnos con este sentimiento de enfermedad, muchos le llaman vacío, muchos le llaman cansancio, fatiga… es cómo te cuesta trabajo seguir adelante. Pero tiene una parte muy positiva que parte de la idea de: “bueno, si tienes tanta enfermedad en ti, cómo es que le echas tantas ganas a tu arte”. Entonces también habla de eso que la enfermedad no es del todo mala y que la vida cotidiana no está del todo mal.

El virus y la infección se relacionan con contagio y contacto humano. ¿Cuál es el papel del arte en esta relación?

Usé la infección porque se me hizo un perfecto referente sobre cómo funciona este rollo sobre la cosas es lo que nos enferman, pero nosotros también infectamos a las cosas. Y se hace un ciclo de que todo es contagio y todo está infectado.

En cuanto al arte el espectador es el paciente y el virus es el arte, así que todos los que vayan a Brusco se van a infectar de todo esto y van a salir con una enfermedad [risas].

¿Cómo eliges los materiales y por qué te gusta trabajar miniaturas?  

Es chistoso cómo empecé con esta técnica. Mi mamá y mi hermana tienen un despacho de diseño gráfico donde siempre les sobran retazos de los trabajos que hacen. Pedacitos de papel, impresiones que salieron mal, sobres de invitaciones para bodas… son papeles súper bonitos y me los regalaban. También porque me latía hacer arte con materiales reutilizados.

Por eso uso papel, por eso hago objetos chiquitos. Todo lo que tengo que hacer más grande es a partir de piezas chiquitas, que si lo piensas es como funciona la biología. Y lo del relieve, no quise hacer el típico collage plano, quise darle un poco más y jugar con 3D y que se vea como más vivo. Luego lo encierro, no tanto por enmarcarlo, sino por el rollo de encapsularlos y crear un ambiente artificial para que el ser vivo o cultivo bacteriológico fluya.