424, Los Jardines Humanos, Los Blenders / El Imperial / $50

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Pensé en hacer una intro para la entrevista que sonara como si un periodista imparcial la hubiera hecho. Jódanse. Lemmy es mi héroe, y no trataré de esconderlo: dejaría de ser divertido. Cuando hace poco en Nueva York estaba conociendo, fotografiando y entrevistando a Lemmy en los camerinos de un show, sentí como si fuera un niño deslizándome a la mesa de la cocina con mi abuelo después de que, tras una reunión familiar, la casa se ha vaciado de parientes y decide que es momento de contar sus historias. Al principio, estaba nervioso porque éste era el gran show, pero, a las primeras palabras de Lemmy, quedé completamente desarmado. Se puso las pilas y contó sus historias. Siendo el fan de Motörhead que soy, no puedo pensar en nada mejor. 

Por mucho, Lemmy es una de las personas con los pies más puestos en la tierra que he tenido la fortuna de toparme. Es todo un pinche caballero y un para nada mediocre intelectual. Al igual que su música, es todo un salvaje. Algunos lo encuentran demasiado brutal como para tratarlo. Pero ofender a los débiles de cuerpo es sólo una parte más de su completa honestidad. Lemmy nunca ha cambiado para ganar fanfarrias ni para modificar el sentido de sus críticas. Su existencia completa habla sin pelos en la lengua de lo que significa vivir bajo tus propias reglas. No existen picos astronómicos ni caídas abismales dentro de la historia de Motörhead; existe simplemente la trayectoria de una banda que se ha abierto camino insolentemente a través de una tormenta de tocadas, mujeres, tendencias, opositores, pateaculos y basura de la industria. Lemmy es EL perro maldito por excelencia sin importar qué edad tengas. 

Vice: ¿Qué fue lo que te hizo decir: “Voy a estar en una banda”?
Lemmy: Las mujeres.

Las mujeres.
Veredicto: las mujeres. Verlas en TV bailando alrededor de algún cantante de rock. Yo vengo de los cincuenta, ¿sabes? Eso era lo básico en esos tiempos. Compré mi primer disco en 1958. Era muy joven y me tocó ver a este cantante inglés, Cliff Richard, que todavía sigue pero es muy diferente a como era antes. Apareció en la televisión rodeado de chicas que trataban de arrancarle la ropa. Enseguida me dije: “Eso es para mí. Y ni siquiera parece trabajo”. Años más tarde, me enteré de que sí lo era, pero que tiene sus ventajas frente a trabajar en una fábrica de lavadoras. 

Yo diría.
Así que eso fue lo que me animó. Mi madre tocaba la guitarra hawaiana, y no era como si esa guitarra tuviera mucha acción. ¿Sí sabes a lo que me refiero? Pero, aun así, le puse cuerdas y me la llevé a la escuela durante la semana de exámenes, cuando generalmente no hay nada que hacer. 

Cuando andas huevoneando.
Correcto. Me rodeé de nenas de inmediato. Funcionó de maravilla, y ni siquiera sabía tocar esa chingadera. 

¿Qué tanto tiempo pasó para que dijeras: “Debería aprender”?
Oh, como dos horas. Se me facilitó tocar los acordes y, ya sabes, era lo único que hacía. Nunca quise ser el guitarrista principal. Ni siquiera supe del término bajista hasta mucho después. 

Entiendo.
Fui un buen guitarrista rítmico por un tiempo, pero era una basura para liderear. Bastante mediocre. 

¿Trataste de tocar la guitarra principal?
Sí. Toqué por dos años con una banda llamada Rockin’ Vicars. Hacía trampa, ¿sabes? Le metía un buen de ruido y movía los dedos arriba y abajo superrápido, haciéndolos creer que era un solo. Nunca les pude decir que no lo era. 

La mayoría de las grandes bandas truenan después de tres álbumes más o menos, pero tú has mantenido a Motörhead funcionando por un buen.
Ya casi llegando a los treinta y cinco años. 

¿Qué es lo que las otras bandas están haciendo mal?
No piensan que la música sea lo suficientemente importante como para salvar cualquier diferencia personal. Siempre he sentido que no existe diferencia personal alguna capaz de deshacer una banda. Me refiero a que ha habido quienes han dejado la banda, pero yo siempre he seguido adelante. Nunca he considerado hacer nada más. Esto es lo que se supone que debo hacer. Esto es lo que se supone que debo ser. Se supone que debo estar contestando entrevistas en el pinche camerino. Es mi vida. 

A huevo.
Esto ya no es un trabajo. 

Te he querido preguntar por Hawkind, con los que tocaste el bajo antes de empezar Motörhead. ¿Cómo te uniste a ellos?
Los fui a ver en vivo antes de unirme. Todo el mundo estaba dentro de este trance epiléptico colectivo. Todo el público, las seiscientas personas. De inmediato pensé: “Chingada madre, tengo que tocar con ellos”. 

¿Cúales eran los pros y contras de estar en Hawkind?
Lo que me gustó fue que fue la primera vez que toqué el bajo y descubrí que podía ser un buen bajista. Y, pues, comencé a tocar el bajo y era bastante bueno. Eso fue algo grandioso para mí. Como que me abrió los ojos. Además, había mucha libertad para tocar el bajo dentro de la banda. Hice un buen de rellenos y mierda bien inteligente detrás de Dave, que era la guitarra principal. Ya sabes, me gustaba lucirme, como siempre. 

¿Para las chicas?
¿Para qué es si no para lucirse? Es roncanrol. Ya que estás ahí, puedes aprovechar. 

¿Cuáles eran las cosas que más te cagaban las bolas?
Su actitud. Nunca me dijeron que estaba en la banda. 

No mames. Eso fue como durante cinco años.
Cinco años. Me corrieron, y les dije: “Pendejos, ustedes no me pueden correr porque ¡nunca me dijeron que estaba en la banda!”. 

¿Quién dirigía la banda?
Dave Brock, la guitarra líder. Era su banda de pe a pa. 

Por las entrevistas que he visto, siempre pensé que era un güey bastante centrado.
Lo era, pero en ese tiempo teníamos bastante éxito en Gran Bretaña —números uno y todo—, y eso cambia a las personas de diferentes maneras. Nunca me perdonaron que fuera el cantante en su único hit. [Risas] 

“Silver machine”. Esa rola me gusta.
Todos trataron de cantarla antes que yo, y ninguno de ellos pudo hacerlo. Sólo me tomó como dos o tres tomas. Eso en verdad los hizo encabronar. Luego, NME imprimió su portada con una foto mía. “Hawkwind sube al número uno”, y mi foto, al lado.

Oh, de seguro eso consigue amigos en la banda.
Sí. En verdad les molestó. Aun así, éramos un montón de personas chistosas. Generalmente, andábamos cataclísticamente arriba todo el tiempo. Ni siquiera teníamos un camión para las giras. En ese entonces, era la parte trasera de una van, dos colchones y unas sábanas. Así viajábamos durante la temporada de festivales. 

Dios mío.
Armábamos nuestro propio festival dentro de la pinche van cuando viajábamos de regreso a casa. De hecho, Dell no lavó su cobija para los conciertos en dos años. Esa madre se podía quedar parada sola si la recargabas contra la pared. 

La banda con la que tocaste antes de Hawkind —y que todavía escucho bastante— es Sam Gopal.
Oh, sí, ¿tú escuchas eso?

Lo traigo en mi iPod. Creo que alguien me lo mandó por correo. Porque no lo puedes conseguir.
Al parecer, ya se puede. Alguien lo lanzó al mercado de nuevo. 

¿Qué pedo con eso? Creo que es de la música más enferma que he escuchado.
Pues, escribí todas las canciones en una noche. 

Puta. También las cantabas, ¿no es cierto?
Sí. Eso fue en 1968. Todo era muy recio, obviamente. Pero el speed era bastante bueno en esos días. Me senté durante toda la noche a escribir esas pinches canciones. Once, en total. Creo.

¿Cuándo fue la última vez que la escuchaste?
Años atrás.

Está genial. Hasta tenían coristas.
Claro. Sue y Sunny eran un grupo femenil de segundas voces que era famoso en Londres en ese momento. Estaban en las grabaciones de todos. Hicieron todos los discos de Dusty Springfield, por ejemplo. Eran bastante conocidas. Ah, por cierto,“Season of the witch” no la escribí yo. 

Pero el resto, en una sola noche. Nada mal.
Nada mal. 

¿Cómo es el proceso que sigues para escribir rolas?
Escribo el título, y trabajo alrededor de él. Es como un ejercicio de palabras. Te dan el tema, y exploras todas las avenidas posibles. Primero escribo un título como “Overkill”, y después pienso qué hacer. 

Ni siquiera sé cuántas rolas has escrito.
Bastantes.

¿Quién te influenció cuando comenzaste?
Todo lo que escucho me influencia. No te puedo decir todas mis influencias como músico porque todos los cantantes de inicios del rock son importantes: Little Richard, Elvis, Buddy Holly, Chuck Berry. Todos ellos. Y todas las bandas de Liverpool, también. He sido un hombre muy afortunado. Tengo la posibilidad de escuchar un chingo de cosas buenas. Me tocó ver a los Beatles en el Cavern Club. 

Recuerdo haber leído eso en tu libro.
Y Hendrix. Trabajé como roadie para él tan sólo por estar durmiendo en el mismo piso que el bajista Noel Redding y porque necesitaban un hombre extra. Me tocó ver tocar al cabrón dos veces cada noche durante seis meses. 

Entonces, el acto más grandioso que viste fue...
Hendrix y los Beatles, sin duda. Esos dos. Nunca jamás volverás a ver algo similar a ellos. Estaban en lo más alto de su juego y quitaron a todos del camino. Inclusive a los Stones. Los Stones siempre fueron los segundos después de los Beatles. Fue hasta que los Beatles se fueron que comenzaron a llamarse a sí mismos la mejor banda de rocanrol del mundo. Si no tuvieran toda esa producción que tienen ahora, estarían bastante locos. Keith está bastante loco, ¿no? 

Claro.
Es un excelente guitarrista rítmico, pero no es un líder. 

No es la persona más animada que haya visto.
Antes sí lo era, pero Brian Jones fue el líder de la banda por años. Era su banda. Él contrató a Jagger y a Keith también, pero lo dejaron atrás.

Quería preguntarte qué opinas respecto al éxito y al fracaso. Sigues en las mismas.
¿Por qué cambiar cuando eres un ganador? [Risas] 

Sí, pero cuando Motörhead lanzó el primer disco, los medios se quedaron como “¿Qué pedo?”.
No pudimos lanzar disco en Estados Unidos sino hasta tres años después de que fuéramos un gran hit en Gran Bretaña. Estábamos con pinche Legacy y Eclipse, para después irnos a Sony, que estaba peor. La suerte llegó con la siguiente. La tuvimos con... ¿cómo se llamaba ese sello? Fueron devorados por Sanctuary a final de cuentas. 

¿Era esa disquera alemana?
No, estamos con SPV en este momento, el sello disquero alemán. Pero se acaban de declarar en bancarrota. 

Una tendencia común.
Lo sé. Las compañías disqueras están cayendo, y ni siquiera entienden lo que les está pasando. Están bien pendejas. 

¿Podrías calificar a la industria del 5 al 10 respecto a cómo Motörhead ha sido manejado?
Oh, un 5. Es lo mismo con cualquier otra banda que sea un poco diferente. La industria siempre ha estado sorprendida por el siguiente gran descubrimiento. Es como cuando las bandas de Liverpool se hicieron famosas. Mersey Sound era la locura, y estaba esa pequeña escena en Manchester, y luego, la de Londres con los Stones; después vinieron a San Francisco, y lo volvieron a hacer en Seattle con Nirvana. Si tienen un hit con una banda, siempre corren a la ciudad de donde es y firman a todos los que traigan una guitarra colgada al cuello. La mitad de ellos ni siquiera llegan a contrato. 

Sólo eran chicos con guitarras que no sabían lo que hacían.
Sólo dio la casualidad de que eran de Seattle o de Liverpool. Un buen número de personas de la industria —inclusive el manager de los Beatles, Brian Epstein— no sabía qué chingados estaba haciendo. Firmó cuatro bandas que nunca tuvieron éxito, para después dejarlas de lado por completo. 

Y si todas las disqueras los acogieran y supieran qué hacer, ¿Motörhead seguiría siendo Motörhead?
Probablemente, no. 

Porque ustedes son como perros callejeros y leyendas a la vez.
Claro. Hemos hecho una especie de carrera profesional de ello. No tuvimos mucha opción porque nunca podríamos ser algo comercial. Somos algo brutales para ser universalmente populares. Nunca pensé que lo seríamos. Estar en la cima del segundo nivel está bien para mí. La que debe de haber sido para los Beatles y para los Stones, viejo. No lo puedo ni imaginar. Debe de haber sido una pinche tortura. George Harrison dijo que fue el mejor y peor momento de su vida. 

Estoy seguro de que es un 50-50.
Sí, claro. Todo lo que hicieron fue bajo la lupa. Había un periódico inglés que tenía una página para lo que sea que los Beatles hicieran el día anterior. Un periódico de circulación masiva, el Daily Mirror, que era el periódico de mayor circulación en Gran Bretaña en ese entonces. 

¿Crees que alguien en verdad pueda aguantar durante mucho tiempo?
¿Aguantar siendo así de grande? No. Tendrían que retirarse o cambiar. Los Beatles hicieron justo eso.

Siempre me gustó cómo los pintaban de buenos muchachos mientras que a los Stones los presentaban como satánicos y rudos.
Los Beatles eran de Liverpool. Es una ciudad dura. Los Stones no eran hombres rudos; sólo se vestían como tales. Los hombres rudos eran los Beatles. Pinche Liverpool, güe. Los Stones son de los suburbios de Londres. Ringo era de pinches Dingles, el área mas culera, aparte de Glasgow, que he visto en toda mi vida. Lo que hicieron en esos dos lugares fue que, como no los podían reformar, optaron por echar todo abajo. Corrieron a todos, derribaron todo y volvieron a construir nuevos proyectos de vivienda. No había manera de civilizarlo, ¿me entiendes? Era un pueblo sin ley. La policía no podía entrar. 

Tu canción “Stone deaf in USA” es un tributo a tirar fiesta en Estados Unidos.
Cierto.

Y te mudaste a Los Ángeles.
Sí, pero no cuando escribí esa canción. 

Entonces de eso trata la canción. ¿Salió directo de las giras?
Sí. Hicimos la gira con Ozzy Osbourne —el primer tour Blizzard of Ozz—. El público estaba como… [Hace una cara de disgusto] 

Como un gran “¿Qué pedo?”.
Durante todo el set. La mayoría no entendía nada al respecto, sólo nuestra base de fans. Muchos de ellos estaban ahí para el evento y terminaban casi desmayándose. Pero olvídate de nosotros; también lo hacían con Ozzy. Eso que hicieron cuando Kiss se unió a la gira al terminar nosotros. No sé. 

¿Kiss los remplazó en ser teloneros para Ozzy? Pinche gira esquizofrénica, no mames.
Sí, Kiss y Ozzy. 

Ustedes son la banda con menos gastos, y ellos necesitaban de un maquillista.
Ya sé. ¿Recuerdas cuando se quitaron el maquillaje? 

Sí. Estuvo algo raro para todos.
Bastante raro. Todos nos dimos cuenta de lo feos que son. 

No son hombres guapos.
Excepto por Paul Stanley. Él aún era guapo. ¿Pero los otros tres? 

Es como despertar junto a una chica después de que te pusiste hasta la madre de borracho y te quedas así de ¡puta madre!
[Risas] No mames, escondiéndote en el baño hasta que se vaya. 

Yo me hago el dormido.
Es como el síndrome de la trampa del zorro: prefieres morderte el brazo que despertarla. 

Todos hemos vivido ese tipo de situaciones.
Recuerdo a uno de nuestro staff, Paulie, y dos chicas que llevamos durante todos nuestros shows en Alemania. Les decíamos las “monstruas” del rock, ¿okey? Una de ellas tenía un solo diente. Un desmadre total, pero grandes fans, ¿sabes? Así que Paulie termina con una de ellas una noche, compartiendo cuarto con nuestro hombre del sonido, Dave Chamberlain. Se despertó y se dio cuenta de que amaneció junto a alguien, pero no sabía quién. Voltea a ver a Dave, y él esta como… [Más caras de disgusto] Y luego… [Otra cara de disgusto] Y Dave hace… [Niega con la cabeza] Paulie tuvo que esconderse en el baño hasta que ella se fuera. 

Esa es una buena historia que contar.
La mayoría de los fans ha pasado por algo así. 

Ni me digas. He tenido que lidiar con esto por todo Lower East Side. Siempre suena como una buena idea al principio.
Sí. Especialmente, durante una madrugada borracha. 

Es cuando las chicas doradas comienzan a saltar.
Es cuando todas se vuelven bonitas o, al menos, pasables. Pero en veces es como la última sopa de pollo en el restaurante, y no puedes evitarlo. Es como tener una experiencia fuera de tu cuerpo. Es como estar hablando con un dragón: sabes que lo estás haciendo, pero continúas haciéndolo. 

Es como un demonio y un ángel sobre tu hombro.
Y el ángel siempre pierde. 

El ángel no tiene tolerancia al alcohol.
Y el demonio siempre tiene forma de pito. 

Apuntando hacia ella.
“Hazlo, hazlo”, como pinche perro. 

Okey, la siguiente es una especie de pregunta cliché.
Te daré una respuesta cliché. 

Está bien. Dame una buena para esta: ¿dónde se encuentran las mejores mujeres que hayas encontrado de gira por el mundo?
Las mejores mujeres son las que te quieren coger; las peores, las que no. 

Eso trasciende cualquier frontera geográfica.
Lo hace porque sólo existen dos tipos de mujeres en el mundo: mujeres a las que te quieres tirar y lo logras, y las que no quieren. Así de sencillo. No importa de dónde sean. No importa el acento. Y, si no hablan el mismo idioma, siempre existe el lenguaje a señas. 

Existe. En especial, en un bar.
Claro. Aunque se pone un poco confuso si andas cataclísticamente pedo. A menudo captan la idea equivocada. Bastantes han amanecido con tatuajes en el pecho. 

Tengo un par de amigos así. Pero, escucha, debemos decir que has apoyado bastante a muchas artistas femeninas.
Me gustan las mujeres en el rocanrol. Fui criado por dos mujeres: mi madre y mi abuela. Mi padre se fue cuando tenía tres meses. Ella no se casó hasta que tuve como 10 años o algo así; por eso entiendo mejor a las mujeres que muchos hombres que lo captan al salir a cazar con papá. Por lo general, me agradan más las mujeres que los chicos. Si hablas con hombres, en especial en los Estados Unidos, siempre es un chingo de mierda machista, como cuánto odian a los políticos y que entrarán a la milicia a dispararle a cosas. Hay mucho de eso, y es una pena porque este país es el paraíso. La gente aquí se está dando de balazos en los pies, y ni siquiera se dan cuenta.

Las chicas gastan mucho dinero y mucho tiempo quitándose pelo del cuerpo. ¿Por qué pasa esto? Si alguien hubiera dicho en los setenta que en el futuro estaría de moda verse como un pollo desplumado 365 días al año, todos se habrían reído. El estilista Charlie Mindu ama tanto el pelo que dice: “¿Por qué sólo trabajar con el peinado de alguien cuando puedo poner hermosas trenzas con formas extremas y exageradas en todo su cuerpo?” (Estamos parafraseando). Las figuras que este hombre de Bergerac puede crear son realmente alucinantes: conos, sombreros en forma de labios, platillos voladores; peinado con ángulos tan cerrados que el mejor de los carpinteros veneraría las líneas de precisión de Charlie. Este hombre de 26 años pasó de cortar el pelo en todo Europa, a peinar a Peaches, Grimes, Lana Del Rey y Florence Welch (es el responsable de ese rojo flameante con el que influyó el estilo de Mulberry). Una creador de pelucas surreales y experimentales y un diseñador de moda. Los diseños elaborados y extrañamente eróticos han sido usados por modelos semidesnudas en innumerables semanas de la moda, y por Lady Gaga en la ciudad.

Noisey: ¿A qué edad empezaste a trabajar como estilista?
Charlie Mindu: Tenía 13 años. Mis padres son gitanos y dejé de ir a la escuela y empecé a trabajar en una estética tradicional. Después, cuando tenía como 15 años, trabajé en una peluquería punk en Bordeaux, donde aprendí sobre peinados más cool. Tenía 17 años cuando me mudé solo a Berlín. No tenía dinero y no sabía alemán ni inglés, así que empecé a cortar el pelo en clubes nocturnos para ganar dinero.

Esa es una trayectoria inusual. ¿Cuál fue tu trabajo más extraño?
Creo que fue cuando rapaba a los osos en las habitaciones oscuras del bar Berghain/Panorama en Berlín. Ese fue el trabajo más extraño que tuve como estilista..

Pero ahora le arreglas las greñas a Lady Gaga. ¿Cuál es el mejor look que has creado para ella?
El del video "Bad Romance": llevaba mi peluca de labios al revés en la cabeza. Queríamos recrear el look de la pasarela McQueen [en París, 2009], pero con una versión diferente, así que se veía igual desde enfrente, pero eran mis labios al revés.

¿Cuál fue el primer peinado del que te enamoraste?
El que más me impresionó fue la peluca roja de Cher en el video “Believe” . Era muy joven y me pareció muy divertido porque parecía una drag queen.

Peaches en su bata para dormir.

¿Ahí fue donde empezó tu fascinación con la pelucas y las extensiones?
En realidad empezó desde que trabajo como estilista. Me enamoré de ellas porque podía crear cualquier cosa con ellas. Las pelucas cambian el rostro de alguien de forma tan fácil y rápida. Pero empecé a hacerlas en 2006, para Peaches. Quería el pelo muy largo, hasta los pies. Después de eso, empecé a hacer cosas distintas. Hice su disfraz de monstruo peludo y pelucas enormes para sus bailarines, para The Tranimals [en su último tour]. Peaches quería cubrirles el rostro para que parecieran asexuales.

¿Qué te gusta de trabajar con Peaches?
Puedo hacer lo que quiera. Es tan sencilla y creativa, y eso me inspira. Le importa su imagen, pero no le importa verse bonita. Creo que todos deberían ser así. Si una mujer quiere verse peluda, es normal, es algo natural y nadie debería juzgarla. No tienen que depilarse el bikini todos los días. Me encanta el punk y el heavy metal, y mujeres heavy metal como [ex guitarrista de los Runaways] Lita Ford, porque son fuertes en ese sentido.

¿Cuál es la mejor peluca que has hecho?
La que hice hace poco para el nuevo video de Basement Jaxx, “Back 2 The Wild.” Es como un cono con trenzas. Es muy africana y tribal.

Has trabajo mucho con músicos, ¿eres muy exigente con las personas para las que trabajas?
Hay tantas celebridades que me piden todas las semanas si les puedo hacer un peinado al estilo Essex. Pero es tan aburrido, no puedo simplemente decir que sí. Prefiero trabajar con personas más underground y más abiertas con su imagen, porque sus peinados se vuelven un esfuerzo colaborativo. Y lo más importante, son la mejor manera de anunciarme al público.

¿Pero no tienes miedo de impresionar a la gente? Has enviado modelos desnudas a la pasarela …
Mi especialidad es hacer pelucas, y por eso quería que las mujeres exhibieran ese pelo y nada más. Pero me pareció muy molesto que todo mundo estuviera tan sorprendido. Cuando vas a un museo ves gente desnuda todo el tiempo en las obras de arte, pero la gente en el mundo  de la moda es muy apretada y les asusta. Me gustan las mujeres fuertes y orgullosas de si mismas, y quería mostrar eso en la pasarela.

¿Y para tus otras pasarelas?
Mi primera fue en 2009 y también fue un escándalo porque hice una burka de ratas y ratones. Quería usar piel, pero no tenía dinero así que compré los más barato, y eso era piel de ratas y ratones. Un amigo hace taxidermia así que compramos las ratas y ratones en la tienda de mascotas (obviamente ya estaban muertas, las serpientes se las habían comida) y mi amigo hizo su taxidermia con ellas. Pero fue un gran escándalo. Si hubiera usado la piel de un zorro, nadie habría dicho nada, pero como usé roedores…

¿Entonces no había un mensaje político detrás de eso?
No. Sólo necesitaba que fuera barato.

Grimes – “Genesis.”

¿Alguno de tus trabajos te ha estresado?
Sí, la primera vez fue cuando salí de gira con los B-52s. Estaba muy emocionado por la oportunidad para hacer sus enormes panales y me encanta su música. Pero cuando llegué el primer día, se negaban a hacerse el mismo peinado, sólo querían algo normal, así que fue muy decepcionante. Querían algo normal y ondulado; no fue nada tan increíble como los panales.

Peinados por Charlie Mindu, fotos por Ellen Von Unworth.

¿Cuál de tus clientes es el que más te ha sorprendido?
Lana del Rey siempre quiere algo más grande. Nunca le he puesto tantas extensiones a alguien. ¡Estoy seguro que Katie Price no tiene tantas extensiones!

Lady Gaga en un programa de televisión inglés.

Un nuevo significado al corte de “casco”.

El trabajo de Charlie para Chanel. Genial. Ahora sólo queremos un sorbete.

Kate hizo toda la entrevista con una de las máscaras trenzadas de Charlie. Una guerrera. Síguela en Twitter -@KateHutchinson.

Style Stage es una colaboración entre Noisey & Garnier Fructis para celebrar la música, los peinados y el estilo.

Beso Negro, Los Pellejos / Pasagüero / $100

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En VICE somos unos ciudadanos responsables y sabemos que tus oídos necesitan algo más chingón que el último éxito de un coreano del que nunca habías escuchado hablar hasta que hizo una rolita pegajosa y ahora no te la puedes sacar de la cabeza. Es por eso que decidimos hacer algo al respecto y todos en nuestras oficinas están más emocionados que cuando llega nuestro dealer a las cuatro de la mañana a salvar la fiesta. ¿Qué puede ser más emocionante que esto? ¡Que por fin lanzamos Noisey, nuestra plataforma de música para latinoamérica!

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Una probadita de Noisey:

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Cada uno de los proyectos musicales en los que se ha visto, se está viendo y se verá involucrado Guadamur siempre serán emergentes. En estricto sentido, podría decirse que Guadamur es ya un señor bastante vividito, pero está cada vez más cerca de cumplir su sueño: convertirse en una caricatura atemporal, de esas a las que ha rendido culto constante, lo mismo en su universo visual estático o en movimiento --pero siempre en calidad 8 bits-- que en cómics y fanzines que pronto alcanzarán el valor del DMT. Pero cuando todo mundo pueda ver ángeles, muertos o extraterrestres, todos querrán descansar la mirada y la mente con la vista fija en alguno de sus personajes pop --manipulados hasta la malformación con impulso de un adolescente masturbando el joystick…

Lee la nota completa en nuestra plataforma de música Noisey.

Para nuestro séptimo episodio platicamos con DJ Falcon (también conocido como Stéphane Quême, o Bob, como lo conocen los de Daft Punk), un viejo amigo del dúo, quien en su momento formó una banda llamada Together con Thomas Bangalter, produciendo canciones como "So Much Love to Give" y "Together". Además de estos himnos de antro, también hizo un increíble remix de la canción "La Mouche" de Cassius y una miniobra maestra del french house llamada Hello My Name Is DJ Falcon.

Anteriormente:

Chilly Gonzales

Panda Bear

Pharrell Williams

Giorgio Moroder

Todd Edwards

Nile Rodgers

El hip-hop está resurgiendo en la ciudad de Nueva York, donde un nuevo MC sale casi todos los días de los cinco distritos con un estilo cada vez más único y una nueva manera de abordar la música. Grupos heterogéneos como A$AP Mob, Beast Coast y World's Fair nos han dado una razón para volver a amar estas rimas. Hemos escrito mucho sobre todo esto, pero a veces las palabras no son suficiente. Así que le pedimos a Verena Stefanie Grotto que documentara el nuevo movimiento en Nueva York en tiempo real, con tomas íntimas de los raperos, la gente de la escena, los artistas y los demonios de la moda. 

La fotógrafa Verena Stefanie nació y creció en Bassano del Grappa, Italia. El pequeño pueblo no es conocido por el hip-hop, pero tienen un aguardiente de orujo llamado grappa. Stefanie salió de Bassano del Grappa a los 17 años para vivir la vida loca como skater en Barcelona, donde trabajó como coordinadora de moda para VICE España. Cansada de guiar a los fotógrafos para que tomaran las mejores fotos, decidió tomar la cámara en sus manos y ahora se dedica a documentar artistas, raperos y más. Hace poco dirigió un documental sobre la escena grime en el Reino Unido y sus fotos han sido publicadas en GQ, Cosmopolitan, VICEy muchos más. Visita su página y síguela en Twitter e Instagram @VerenaStefanie.

El otro día, el conocedor cultural y mujeriego Will.i.am fue anunciado como invitado especial para la final del Legends of The Summer Wireless Festival de Jay-Z y Justin Timberlake. No me pareció nada especial que Will.i.am tocara en una festival patrocinado por Yahoo!, pero no todos los días tengo la oportunidad de presenciar, en vivo y a todo color, cómo un compositor actúa la letras de canciones que le robó a otras personas, así que vayamos al grano.

He escuchado Elephunk mil veces seguidas, he reevaluado mi vida viendo múltiples episodios de The Voice. Pero ya no puedo más. ¿Cuándo se dará el mundo cuenta que Will.I.Am es una persona horrible?

Supongo que siempre hay gente a la que le gustan cosas terribles, más allá del racismo y la religión (por ejemplo, es muy probable que los padres de Vernon Kay lo adoren), pero Will.i.am es estúpidamente popular. El video para “I Gotta Feeling” tiene más de 137 millones de vistas. Cantó en el superbowl. Hizo una canción con el mismísimo Mick Jagger. ¿Qué mierda es eso? Este güey apesta.

¿Por qué le gusta a tanta gente? Supongo que hace música que puedes soportar si estás borracho y haciendo fila para comprar otra cerveza o echando una caca en un estadio. Pero definitivamente no es el tipo de música que te pondría a bailar en tu boda. Cantará con Justin Timberlake y Jay-Z en Wireless, pero no creo que amerite ser nombrado “invitado especial” por ese combo de poperos perfeccionistas.

No es mas que un cabrón con un corte de mierda a quien hemos dejado salirse con la suya con todo tipo de pendejadas por demasiado tiempo. Por ejemplo:

USA LA PEOR ROPA DEL MUNDO

Siempre está vestido como si hubiera tenido un accidente en el boudoir de Karl Lagerfield. Obviamente no tiene nada de malo preocuparse por estar a la moda. Pero imagina que uno de tus amigos llega a tu casa vestido así.

O así.

Le dirías que se fuera a su casa y se diera un baño caliente en la tina con esencias de lavanda hasta regresar a la normalidad. Este atuendo tendría sentido si Will.i.am estuviera promoviendo una especie de caracterización de Ziggy Stardust, pero no era el caso. Hace música para que los adolescentes se emborrachen sin sentido. Un público al que, si algo aprendimos de Ed Sheeran, no le importa un carajo las cuestiones de personalidad o buena música.

SE ROBA LAS CANCIONES DE OTRAS PERSONAS

Ésta es una canción de Arty & Mat Zo titulada “Rebound”

Y ésta es la nueva canción de Will.i.am con Chris Brown originalmente titulada “Let’s Go”

Ambas suenan como canciones que no quiero volver a escuchar en mi vida. Pero también suenan tan similares que son prácticamente la misma canción. No es la primera vez que Will.i.am se roba la canción de alguien más, pues a lo largo de su carrera ha sido acusado de robarse nueve canciones distintas. Incluso ha sido demandado unas cuantas veces. Uno pensaría que, confrontado con el plagio de la canción de Arty & Mat Zo, Will.i.am comenzaría a hablar de lo que sea que Will.i.am habla, cosas como estanques con carpas koi o moonboots o algo. Pero no.

ADMITE HABERSE ROBADO LAS CANCIONES DE OTRAS PERSONAS

De una entrevista en KIIS-FM:

“Arty es un productor increíble, así que escribí esta canción sobre ‘Rebound’ el año pasado”.

¿"Sobre"? Qué curioso, yo escribí mi tesis sobre el modernismo en Jstor.

CUANDO ESCRIBES SU NOMBRE EN LA BARRA DE GOOGLE CHROME TE REDIRIGE A SU PÁGINA

Está bien. Tienes cinco segundos para probarlo.

¿Lo ves? Esta es la clase de truco por la que los estudiantes de mercadotecnia empeñan miles de pesos, tres años de su vida y una crisis nerviosa en aprender. Es el sueño mojado de todo agente de relaciones públicas detrás de Thr!!!er, el más reciente álbum de (¡lo adivinaste!) !!!. Pero para todos los demás es simple y sencillamente molesto, si lo que quieres es burlarte de alguien en internet, como esos malditos anuncios que se activan automáticamente o una invitación de LinkedIn.

SU PEINADO

Antes de que Will.i.am entrara a la estratósfera del pop, estaba casi segura que las matemáticas y los peinados no se mezclaban más allá de la propina que le das a tu estilistas después de un corte y una conversación incómoda sobre tu vida, sabiendo que no podría importarle menos. Pero, a Will.i.am le gustaría pensar que gracias a él todo ha cambiado. En cierto modo, así es. Lleva unos cinco años con este corte, y en el proceso, ha cambiado nuestra percepción de su persona, de un hombre con poca credibilidad, a uno con cero credibilidad.

SU AUTO ES HORRIBLE

Éste es el auto de Will.i.am. Sé lo que estás pensando; es genial, ¿cierto? Si yo tuviera tanto dinero, también me compraría uno. ¿Por qué gastar tu dinero en un Peugeot 206 como todo el mundo cuando puedes gastar 900 mil dólares en un vehículo personalizado y sin sustancia?

Sin embargo, el vehículo es de gran ayuda pues es un indicador de que hay un idiota cerca. Es un lindo detalle de parte de Will y me hace sentir como si se preocupara por todos nosotros. Pero sigo pensando que es horrible y que parece algo que Sully y Mike manejarían en Monsters Inc. Por cierto, si estás interesado en una de estas abominaciones, acaba de anunciar que empezará su propia compañía llamada IAMAUTO.

TUVO EL PAPEL DE DIOS

¿Hay algo más masturbatorio que aceptar el papel de Dios? Probablemente. Pero esta actuación es tan abismalmente innecesaria que me dan ganas de dejar de ser ateo, sólo para poder creer en algo más allá de músicos que intentan convertirse en estrellas de Hollywood.

ES DIRECTOR DE INNOVACIÓN CREATIVA

En enero de 2011, Intel Corp. nombró a Will.i.am Director de Innovación Creativa. No estoy muy seguro de lo que esto implica, pero al parecer tiene algo que ver con aportar algo al desarrollo de smartphones, tablets y laptops, lo cual, sin el afán de menospreciar a nadie, quiere decir que le pagaron un chingo de dinero por ver una serie de fotos de laptops y decir si le parecen bonitas. Suena un poco bizarro y con la situación laboral actual, creo que Will debería dejar uno de sus trabajo pagados e innecesarios a favor de la austeridad. Will ha dicho: “El mundo no necesita otro músico. Necesita otro Bill Gates”, y aunque no se refirió directamente a Will.Him.Self, nos da una idea del camino que planea seguir. Hace poco anunció sus intenciones de seguir los pasos de Microsoft y producir una cámara superior a la del iPhone. La i.am+ mejora la calidad de la cámara del iPhone de 8 a 14 megapixeles, lo que implica que ganará mucho dinero por hacer que tu desayuno sobrevaluado se vea un poco más fotogénico. Hagamos todo lo posible para que no venda una sola unidad.

SU MÚSICA ME HACE SENTIR UN VACÍO

Una disculpa para cualquiera que disfrute de Will.i.am pero cuando escucho su música sólo puedo pensar en Nick Grimshaw, quien, justo después de comer, se siente vacío y muerto después de un día de promover música que probablemente perpetúa la tasa de suicidios de invierno en trenes suburbanos.

Si el objetivo de la música es provocar emociones, ¿cómo sobrevive Will.i.am? Quizá cambie esa vida de shots de tequila por una cena de microondas y una noche tranquila demasiado pronto, pero su música ni siquiera me parece divertida. A pesar de estar repleta de sonidos, está vacía, como un Warhol colgado en la pared de un departamento vacío de un hombre adinerado a quien no le importan los retratos y sólo lo tiene para reflejar su valor.

Aún así, vivo con el consuelo de que al menos una persona todavía no sabe quién es.

Sigue a Ryan en Twitter: @ryanbassil

Anteriormente:

Panda Bear

Pharrell Williams

Giorgio Moroder

Todd Edwards

Nile Rodgers

En el verano de 1981, un joven y desconocido punk de 20 años, originario de Washington, DC, llamado Henry Garfield se subió al escenario para cantar una canción con Black Flag durante un concierto en Nueva York. Resultó que la banda estaba buscando un nuevo vocalista. Un par de días después, rastrearon a Henry y le pidieron que regresara a Nueva York para hacerle una audición formal. Se encontraron en el restaurante Odessa en la Avenida A, en el East Village y lo llevaron a un cuarto de ensayos cercano, donde tocaron algunas canciones. Más tarde, la banda salió para tomar una decisión. Henry, en su diario, Get in the Van, recuerda cómo el guitarrista Greg Ginn y el bajista Chuck Dukowski regresaron minutos más tarde y Dukowski le preguntó: “¿Bien? ¿Vienes o no?”

Henry, por supuesto, dijo que sí. Dejó su trabajo como gerente de un Häagen-Dazs, dejó atrás una terrible situación familiar, y se fue de viaje con su banda favorita. Poco tiempo después cambió su apellido a Rollins y se mudó a Los Ángeles. A los seis meses, la banda grabó Damaged, un disco considerado por muchos como el inicio del hardcore norteamericano.

Hace años, cuando era una adolescente obsesionado con Black Flag que ansiaba escapar de mi pequeño pueblo perdido en el sur de Florida, la historia de Henry me cautivó. En 1989, luego de que Black Flag se separara, leí una entrevista con Greg Ginn en la que se quejaba de lo difícil que era encontrar músicos comprometidos y trabajadores. Yo era un adolescente idealista de 16 años, así que llamé a SST Records y le dejé un mensaje en su contestadora, en el que prometía dejar lo que estaba haciendo y pedir aventón hasta Los Ángeles para tocar el bajo en su banda. Ginn, por desgracia, nunca respondió mi llamada. Aun así, la ética comprometida y autodidacta de Black Flag siguió siendo una inspiración para mí, y eventualmente me fui de casa, trabajé duro, y me forjé una vida llena de satisfacción como escritor y músico.

Todavía pienso en lo emocionante que debe haber sido dejar atrás una vida que no te gusta, como hizo Henry, y empezar de nuevo. En invierno, durante una noche oscura, terminé sentado en una mesa en el restaurante Odessa, jugando con una taza de café tibio. Estaba enfermo, tenía que juntar dinero para pagar mi renta, estaba atorado con mi nuevo libro, y una tormenta de nieve caía en la ciudad. Recordé a Henry, sentado en ese mismo lugar hace tanto tiempo.

Esa semana, para sorpresa de todos, Black Flag anunció su reencuentro. De hecho, serían dos: una con el fundador y compositor principal, Greg Ginn —quien reclamaba el título oficial de Black Flag— y la otra con el ex bajista Chuck Dukowski y Keith Morris, el primer vocalista de la banda, quienes se hacían llamar Flag a secas.

Mientras los fans debatían fervientemente cuál de estas alineaciones era el verdadero Black Flag, yo quedé cautivado por un pequeño detalle: Ginn dijo que tocaría tanto la guitarra como el bajo para su nuevo álbum.

Entonces vi la luz: Black Flag no tenía bajista. ¡Yo podría ser el bajista! En ese momento decidí buscar la dirección de Ginn, pedir aventón para llegar hasta el otro lado del país, y convencerlo de que me diera una oportunidad; como había intentado a los 16 años. Me sabía todas las canciones, y pensé que pedir aventón en lugar de volar o tomar un camión sería mi manera de demostrarle a Ginn mi dedicación.

Sabía que Ginn llevaba algunos años viviendo en un pequeño pueblo llamado Taylor, en las afueras de Austin, Texas. Según el New York Post, el clima ese día en Austin era una delicia primaveral de 21 grados centígrados. No había razón para no ir.

Unos días más tarde me encontraba parado junto a la interestatal 81 con el pulgar arriba. Una ligera nevada caía a mi alrededor, y corría la tinta en mi letrero de cartón que decía “Texas”.

Qué implica ser Black Flag es precisamente la pregunta que los dos reencuentros plantean: ¿Black Flag es un conjunto de canciones clásicas de hardcore, o Black Flag es la experimentación contestataria y la incesante ética de trabajo que generó dichas canciones?

El Flag de Dukowski, una alineación poderosa que incluye a algunos de los mejores músicos en la historia del punk, tocará los éxitos. “Sólo queremos estar seguros de que la música se tocará correctamente y con convicción”, me dijo el guitarrista Dez Cadena. Dukowski compartía el mismo sentimiento que él: “Quiero pasar un buen rato con mis amigos, y quiero que el público salga de nuestros conciertos sudando y pensando: ¡Eso estuvo increíble!”

Aunque los miembros de Flag dicen que “divertirse” es el principal objetivo de su reagrupación, no estoy seguro de que diversión sea la primera palabra que venga a mi mente, considerando que los éxitos de la banda fueron canciones como “Depression” y “Life of Pain”. Muchas de las canciones mejor conocidas de Ginn, como “Six Pack” y “TV Party”, se burlan abiertamente de la gente que la pasa bien. Ginn era el capataz de la banda, y exigía ensayos de ocho horas y giras épicas de seis meses. Para Ginn, Black Flag era un concepto. Cuando los miembros ya no encajaban con este concepto, los reemplazaba. Después de Damaged, Ginn dejó de tocar muchas de canciones clásicas más viejas de la banda y confundió a los puristas del punk con una constante serie de reajustes en la alineación del grupo, los instrumentos y la letra de las canciones, y discos postpunk, cada uno más pesado, oscuro y artificioso que el anterior. Desde mediados de los noventa, abandonó prácticamente el rock tradicional, y comenzó a salir de gira y a grabar con bandas de improvisación y de música electrónica experimental.

Quizá Flag se pueda entender como una especie de vuelta de la victoria, en la que los creadores del hardcore pueden disfrutar ser el centro de atención al tiempo que disfrutan de algunas de las canciones más duraderas del canon. Sin embargo, justo mientras Flag y sus fans esperaban ansiosos los shows en vivo, Ginn sorprendió a sus seguidores y a los periodistas de música al anunciar que estaba diez pasos adelante, trabajando en los detalles finales de un nuevo disco de Black Flag, el primero desde In My Head, de 1985.

La guitarra Dan Armstrong de Plexiglass transparente de Ginn con dos cuerdas oxidadas.

Para ser honesto, si has escuchado la historia de alguien que viaja de aventón en Estados Unidos, todas son más o menos parecidas. Mi viaje a Texas fue igual, excepto porque yo viajaba con mi bajo y practicaba las canciones de Black Flag como enajenado en las paradas de camión y donde encontraba un lugar para descansar.

Después de seis días, llegué a Taylor, Texas. Era medio día, y caminé por la calle principal en busca de Ginn. Pasé frente a un banco, algunas tiendas vacías, y un viejo cine.

Taylor era un lugar callado. Casi muerto. El único sonido era el que hacía el viento al recorrer las calles vacías. Me asomé por las ventanas de las tiendas y analicé a todos los transeúntes, en busca de un corpulento Greg Ginn de dos metros. En mi cabeza, nos encontraríamos frente a frente, y habría una pausa mientras nos analizábamos el uno al otro. Lo miraría a los ojos y le diría: “He venido a tocar el bajo”.

Caminaba junto a lo que me pareció una tienda de muebles abandonada en la autopista 79 cuando, para mi sorpresa, escuché a una banda tocando en el interior. No podía ver nada entre los vidrios empolvados, pero la música (esa batería y ese bajo con un toque de blues se perdían en el horizonte tejano como una carretera infinita de dos carriles, envuelta por los solos chillantes de la guitarra) era sin lugar a duda obra de Ginn. Se me erizó la piel; llevaba 23 años y 2,700 kilómetros esperando para encontrarme con mi destino. Me quedé parado en la banqueta, escuchando cómo los solos de Ginn entraban y salían de ritmo con el silbido de los trenes de carga de la Union Pacific. Incluso puse mi iPhone contra la puerta para grabar una parte del ensayo, sintiéndome como Alan Lomax.

Una hora después, la música cesó. La puerta se abrió, y Ginn salió caminando.

Ginn me miró a mí y a mi bajo. Mientras nos dábamos la mano, lo miré directo a los ojos (bueno, a los lentes de sol) y solté la línea que había ensayado tantas veces en mi cabeza: “He venido hasta aquí para tocar el bajo”. Ginn guardó silencio, como era de esperarse. Comencé a sentirme inseguro y agregué: “¡A menos que ya tengan a alguien, claro!”

Mientras se acariciaba la barbilla meditativamente, la mirada de Ginn estaba perdida en la calle. Me preguntó de dónde venía. Le dije que había pedido aventón desde Nueva York. Asintió con la cabeza, miró su reloj y volvió a perder su mirada en la calle. Después de un rato, dijo: “Tengo algunas cosas que hacer en este momento. Pero puedo tocar contigo a las cuatro. ¿Puedes regresar a esa hora?”

Por supuesto que podía. Ginn me dijo de un restaurante cercano donde podía matar el tiempo. Antes de poder asimilar lo fácil que había sido todo, un hombre de mediana edad se acercó hasta mí, mientras le echaba un ojo a mi bajo. Tenía una barba desarreglada y traía puesto un overol de mecánico. “¡Debes ser el que llegó de aventón!” me dijo, y luego se presentó como el nuevo baterista de Black Flag. Su nombre era Greg también, pero me dijo que Ginn y los demás simplemente le decían Drummer. Miré sus pies; no traía zapatos. “Llevo más de 20 años descalzo”, me explicó. “Andar descalzo es lo mejor que me ha pasado. ¿Conoces ese sentimiento de querer sentir la tierra?” Me preguntó cómo me había enterado que estaban buscando un bajista. Dije que había leído entre líneas: aunque Ginn tocara el bajo durante las grabaciones, necesitarían a un bajista para la gira. Drummer parecía estar sorprendido. “Espera”, me dijo. “¿Ni siquiera viste el anuncio?” Ahora me tocaba a mí actuar sorprendido: ¡la más grande banda de hardcore de todos los tiempos puso un anuncio para bajista en Craigslist!

Un cosquilleó me invadió por dentro. Me di cuenta que, por azares del destino o intuitivamente, había llegado a Taylor en el momento perfecto. Llevaban semanas audicionando bajistas y planeaban escoger a alguien en los siguientes días.

Le pregunté a Drummer cómo habían estado las audiciones. “Ahí van”, me dijo, agitando la cabeza. El problema principal era encontrar a alguien que estuviera dispuesto a mudarse a Taylor.

En la carretera Interestatal 81 al sur de Nueva York, pidiendo aventón, bajo un ligera nevada.

Una hora después, estaba en la vieja tienda de muebles con Ginn y Drummer. Llevo 20 años tocando la guitarra y la bateria, pero nunca he tocado el bajo en una banda. Sentí que estaba a punto de tener una crisis nerviosa. Nos afinamos. Estaba a punto de preguntar, “¿Con qué canción quieren empezar?” cuando Ginn adoptó su pose de acción con las piernas abiertas, y empezó a tocar unos acordes en la. Drummer comenzó a seguir el ritmo. No había canciones, pronto descubrí; la audición sería pura improvisación.

Un par de minutos más tarde, estábamos tocando con un ritmo increíble. Ginn tocaba con los ojos cerrados y la cabeza moviéndose de un lado a otro en una especie de trance. Cada que intentaba entrar con mi bajo, Ginn abría un ojo y me lanzaba una mirada. Al principio, creí que era una señal para que me detuviera. Después me di cuenta que sólo estaba poniendo atención para ver a dónde llevaba yo la canción. Cuando por fin comenzó a tocar una serie de solos en su guitarra, me di cuenta de lo que estaba sucediendo: ¡Mierda! ¡Estoy tocando con GREG GINN, y sus solos derriten mi mente! Esa comunicación sin palabras que implica componer canciones en el acto me pareció fascinante, y por primera vez, entendí el encanto de la improvisación. Llevaba menos de una hora tocando con Ginn, y ya había aprendido algo importante.

Después de dos rondas de 15 minutos, Ginn se detuvo y me dijo: "Nos gusta tocar contigo. ¿Quieres quedarte y ensayar mañana otra vez?"

Ginn y Drummer me llevaron a la bodega de SST en Taylor. Cuando Black Flag grabó Damaged en Unicorn Studios en Santa Monica Boulevard, West Hollywood, en 1981, la banda vivía en un estudio sin ventanas; específicamente, bajo los escritorios de SST, la disquera de Ginn, donde ensayaban y grababan. Ahí estaba yo, 30 años después, en la misma situación. Guitarras y micrófonos regados por todos lados, incluyendo la clásica guitarra de Ginn, una Dan Armstrong de Plexiglass transparente, la cual estaba tirada en el piso con dos cuerdas oxidadas. Sobre la pila de discos había uno que decía “BLACK FLAG ROUGH MIX NO VOCALS”, y una colección de periódicos viejos sobre una consola. Aunque Ginn vivía a sólo unas cuadras, el resto de la banda vivía aquí, como en los viejos tiempos.

Drummer dormía en una esquina, sobre un pedazo de hule espuma en el piso. El ingeniero de sonido de Ginn, Mike Shear, dormía sobre un colchón improvisado del otro lado de la habitación. Drummer me señaló un tapete en el centro de la habitación. Este era mi nuevo hogar. Las cosas pasaban rápido. Quizá demasiado rápido.

Ginn llenó su bong de mota, y Drummer abrió una Lone Star. Me bombardearon con preguntas: ¿Podría mudarme a Texas? ¿Qué tan pronto? ¿Tenía amigos en Austin con los que pudiera vivir un tiempo? ¿Por lo general pedía aventón a todos lados? ¿Fumaba mota?

Mientras Ginn se encaminaba hacia la puerta para ir a recoger a sus hijos de la escuela y llevarlos a un concierto en Austin, se acercó y me dijo, en voz baja: “Realmente me gustó tocar contigo”. Recordé mi llamada a SST cuando era adolescente. Ese cumplido había viajado casi toda una vida para alcanzarme. Me quedé ahí sentado con una sonrisa en el rostro.

Drummer me planteó mi situación. Querían un bajista no para una, sino para dos bandas. Ginn, Drummer, y el futuro bajista tocarían con Ron Reyes como vocalista en el nuevo Black Flag, además de tocar en una banda nueva, llamada Good for You, con el skater profesional Mike Vallely al frente. SST había lanzado el LP debut de Good for You, Life Is Too Short to Not Hold a Grudge, a principios de esa semana, y la gira comenzaría en poco menos de un mes. Después de la gira, la banda regresaría a Taylor, y después Black Flag y Good for You saldrían de gira durante meses. Era algo típico de Ginn. Tocarían dos sets cada noche, como había hecho durante la última gira de Black Flag en 1986.

El cuarto de ensayos de Black Flag parece una tienda de muebles abandonada. Taylor, Texas.

Cuando intenté darle el golpe a lo que estaba pasando, Mike Shear me dijo: “Vives en Brooklyn. ¿Alguna vez escuchaste del festival Northside?” Por supuesto, era uno de los eventos de rock más grandes de Nueva York. “Vamos a ser la banda principal este año”, me dijo. “Nos confirmaron la semana pasada”.

“¿Cuánto dura la gira?” pregunté. “¿Unos cuatro meses?”

“Esa es la cosa”, me dijo Drummer. “No es sólo una gira del rencuentro. Greg quiere volver a empezar Black Flag. Queremos a alguien que se pueda mudar aquí de forma indefinida y seguir tocando después de estas giras”. Salí a caminar por las calles de Taylor para tomar algo de aire y meditar las cosas.

Igual que Henry Rollins hace tantos años, el nuevo bajista tendría que dejar su vida atrás. Igual que él, pude ver cómo cambiaría mi vida frente a mis ojos, o al menos, lo que podría suceder si escogía este camino: casi tres mil kilómetros de aventones, tocar con Ginn, y después un regreso triunfal a Nueva York, parado frente a miles de personas en el escenario en Williamsburg, tocando con Black Flag. Mi sueño de cuando tenía 16 estaba muy próximo a volverse realidad. Pero ahora tenía 39, y no esperaba tener que comprometerme a tal grado cuando decidí venir aquí. ¿Qué hacer? No tenía mucho tiempo para tomar una decisión.

Mientras caminaba sin rumbo, llegué hasta un Walmart en los límites del pueblo. Entré y compré una botella de jugo de naranja y un bote de crema de cacahuate, y me senté en la puerta a comérmela con una cuchara de plástico. Algunas personas me miraban al salir. ¿Estaban felices en Taylor? ¿O se arrepentían de haber dejado una oportunidad pasar, de no haber hecho algo que pudo haber cambiado sus vidas? Recorrí todo el pueblo de regreso hasta donde la calle principal se cruzaba con las vías, y me senté un largo rato en un puente sobre la zona de carga de los trenes. Me preguntaba dónde tocaría Black Flag el día de yo cumpliera 40 años, dentro de pocos meses. Si me unía a ellos, ya no tendría que preocuparme por cómo hacerle para pagar la renta o por cómo grabar el siguiente disco de mi banda. Ya no tendría que agonizar, línea por línea, con mi siguiente libro ni preocuparme por vender historias.

Y, dado su historial, nadie dudaría que Ginn hablaba en serio sobre sus convicciones y su disciplina. Nos levantaríamos todos los días a tocar su música. Ginn, Drummer y Mike me daban la impresión de ser personas completamente libres; sin miedo, dedicados, altamente competentes, y con una misión. Los envidiaba, ¿pero su misión se alineaba con la mía?

¿Me uniría a Black Flag o a “Black Flag”? La banda que había luchado contra la policía de Los Ángeles en batallas campales en The Whiskey y Baces Hall se preparaba para tocar en grandes festivales de música. Sus miembros pelearon y ganaron una brutal batalla contra la cultura en general. Admiraba a Ginn por no querer repetir el pasado ni ver hacia atrás, pero no estaba seguro de si esta experimentación sin fin llevaría a más victorias, o si daría pie a más batallas importantes. No había forma de saberlo más que con el tiempo, y ahora era mi responsabilidad decidir qué tan cerca quería estar cuando eso pasara.

Una multitud de estrellas brillaban sobre el vasto y oscuro cielo de Texas. Vi cómo una estrella fugaz dejaba su rastro sobre el pueblo, de este a oeste, y me di cuenta de que ya no sabía lo que quería. Regresé a mi tapete en SST y me quedé profundamente dormido.

El amanecer junto a una gasolinera, a las afueras de Little Rock, Arkansas.

El ensayo de la mañana siguiente estuvo todavía mejor y fue más largo. Varias veces sentí una gran satisfacción al conectarme con Drummer y anclar los solos explosivos de Ginn. Después de casi dos horas de tocar, regresamos juntos a la oficina de SST.

Drummer, con una sonrisa en el rostro, descalzo y saltando por la calle, caminó a mi lado. “¡Sí que sonamos bien hoy, amigo!”, me dijo. “¡Fue muy divertido!” Ginn estaba a mi otro lado, inexpresivo, inescrutable y con los ojos escondidos detrás de sus lentes oscuros. Me analizaba con preguntas como: “¿Te preocupa tu situación en Brooklyn o algo?” y “¿Necesitas regresar a arreglar tus cosas?”

Poco tiempo después de nuestra caminata, Ginn me preguntó si quería quedarme otra noche y volver a tocar al día siguiente. Cuando entrevisté a Dez, me dijo que su banda favorita cuando era niño había sido Black Flag. Entonces Ginn y Dukowski se acercaron y dijeron que lo habían visto cantar en sus shows. Le dijeron que lo querían como el nuevo vocalista de la banda. “Sentí que me habían reclutado”, dijo Dez. “Fue como si me hicieran una oferta que no podía rechazar”. Creo que entendí cómo se sintió. Ginn tenía algo que me hacía sentir que haría cualquier cosa antes que decepcionarlo. Las pocas personas a las que les conté sobre las pruebas, llevaban toda la mañana enviándome mensajes, aconsejándome a dejarlo todo y unirme a Black Flag. Si no lo hacía, me arrepentiría por el resto de mi vida. La presión cayó sobre mí de un momento a otro y era insoportable, lo cual parece absurdo cuando la decisión que hay que tomar es si unirse o no a una banda. Pero esta no era cualquier banda, era Black Flag.

Entonces pasó. La duda se había arraigado en mí, y tenía que tomar una decisión. Mi respuesta a Ginn salió de forma tan apresurada que me sorprendió incluso a mí.

“Realmente no sé si me puedo quedar”, le dije. “Tengo mis propias bandas. Escribo libros. Mis bandas no son famosas como Black Flag, pero son mías. Necesito esforzarme para construir algo mío. Sería increíble tocar contigo y viajar con la banda, pero necesito encontrar la manera de hacerlo por mi cuenta y no como parte del viaje de alguien más”.

Ginn se quedó pensando mientras se frotaba la barbilla, pero sin decir nada. Regresamos a SST, y le dije que necesitaba salir a caminar para pensar las cosas antes de tomar mi decisión final.

Más tarde ese día, Ginn se acercó para platicar. “Me preocupa que mudarte aquí para hacer esto no te haga feliz”, me dijo. “Eso de pedir aventón hasta acá me hace pensar que tienes un espíritu libre, y necesitamos a alguien así en la banda. Pero si tienes otros proyectos que más adelante vas a desear haber terminado, entonces esto no es para ti”.

Por increíble que suene, no tuve opción más que estar de acuerdo con él. Unirme a Black Flag era un trabajo para mí cuando tenía 16 años, no la persona que soy ahora. Ginn me dijo que un tren saldría de regreso a Austin en un par de horas. Le recordé que si necesitaban a alguien sólo para la gira, yo estaba interesado. “Te llamaremos”, me dijo. Ginn me dio las gracias por haber ido hasta ahí y nos dimos la mano con una sonrisa. Drummer me dio un fuerte abrazo, y me fui de SST por última vez.

Justo en ese momento sonó mi teléfono. Era Keith Morris, el primer vocalista de Black Flag, y cantante de la banda rival, Flag. Se suponía que tenía que cubrir la historia sobre el conflicto entre los dos diferentes reencuentros de Black Flag. En medio segundo pasé de ser un posible miembro de Black Flag a estar de regreso en mi antigua vida; un reportero más que escribía sobre alguna banda.

Mientras Keith y yo llegábamos al final de la entrevista, le pregunté qué opinaba sobre un viaje “hipotético” a Texas que estaba planeando. “Creo que el ángulo del artículo podría ser un viaje a Texas con mi bajo para ver si Ginn me da una oportunidad de tocar con el nuevo Black Flag”, le dije mientras veía la bodega de SST del otro lado de la calle, donde había dormido en un tapete la noche anterior. “¿Tienes algún consejo?” le pregunté.

“¡Suena como una aventura increíble!” me dijo Keith. “Podría decirte que Greg Ginn es el hombre más genial sobre la tierra, o podría decirte que es el pendejo más grande sobre la tierra. Pero nunca lo sabrás si no vas allá y lo averiguas”. Nuestra discusión sobre los reencuentros continuó unos minutos más, y pude sentir cómo la idea del viaje le parecía cada vez más emocionante. “¡Deberías hacerlo! ¡Persigue tus sueños! De eso se trata esto. Podrías escribir un libro sobre eso. Podrían hacer una película sobre ti. ¿Quién sabe? Puede que termines siendo el próximo bajista de Black Flag”.

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THE KNIFE
Shaking the Habitual
Rabid Records

Fue una noticia muy emocionante saber que The Knife volvía con disco nuevo. Esta banda apenas iba de camino a convertirse en el gran suceso en México y desapareció a la sombra de su cañonazo pop “Heartbeats”, al cual puso en el mapa un cover gay-folk de José González. Con colaboraciones oscuras, el proyecto solista de Karin (Fever Ray) y una muy demandante puesta en escena que gira en torno a la evolución darwiniana (con banda sonora y todo), los hermanos Dreijer Andersson regresan con un maremoto de electrónica experimental, avant-garde y club pop escandinavo: más politizados, más sórdidos, igual de atmosféricos y el triple de calientes y endemoniados. De entre sus similares (Planningtorock y Dreamers), The Knife sigue a la delantera, poniendo con lujo de violencia a otros vanguardistas como Björk y Nine Inch Nails, en el cajón de la “música para tus papás”.

GÜILI DAMAGE

THE FLAMING LIPS
The Terror
Warner Brothers

MOHAMMAD
Som Sakrifis
Pan Act Records

Han pasado ya varios minutos desde que comenzó este álbum y aún no puedo moverme. La perturbadora vibración del chelo, el contrabajo y los osciladores, estructura motriz de Som Sakrifis, deja poco espacio para respirar, tritura y ahoga la distinción entre lo convencional y lo extraordinario. En un imaginario como este, lo convencional es lo extraordinario. Mohammad y su Som Sakrifis es la primera apuesta de los artistas griegos Nikos Veliotis, Constatino Kiriakos e ILIOS en Pan. Los tres sostienen una conversación carente de significado, pero llena de intrincadas anotaciones al margen de la partitura. Sonidos que no pueden intercambiarse aunque resulten comunes al sentido, y exploraciones armónicas diluidas como vapor de bajo continuo. Escuchar un álbum como éste, resulta en un experimento neurológico, que puede llevarnos a la parálisis momentánea y la obtención de malos resultados en el I Ching por los próximos tres años. Sin duda, es un riesgo que vale la pena correr.

LUIS ARCE

JIMPSTER
Porchlight & Rockingchairs
Freerange

El abuelo Jimpster se sienta en la mecedora y nos invita a acomodarnos alrededor suyo. Quiere contarnos algunas de las anécdotas no sin antes ponerse una cobijita en las piernas. Nos sentamos gustosos en el piso a escuchar: sabemos que ha acumulado montones de historias para contarnos en ese casi cuarto de siglo musicalizando fiestas, clubes y festivales. Esta vez nos cuenta que para su nuevo disco se inspiró en todas esas horas que ha pasado en los aeropuertos crudote o cansadísimo, y en las que ha querido oír en los audífonos algo no muy complejo (como para ponerlo de malitas) ni muy tranquilo (como para dormirse y perder el vuelo). Queremos oírlo. Nos lo pone. Sí suena ideal para esos momentos en que estás ya muy frito y a solas pero quieres seguir la fiesta, aunque ya sentadito. Estamos orgullosos del abuelo, siempre sabe lo que quiere. Y lo consigue.

JESÚS PACHECO

BEACON
The Ways We Separate
Ghostly

Me está llegando una imagen... Esperen... Comienzo a verlo con claridad... Veo dos escenas sexuales... Son dos parejas en dos distintos puntos de Estados Unidos... Una es en Ohio y la otra no alcanzo a distinguir dónde es. Mientras esas dos parejas cogen suena Everything But The Girl en ambas habitaciones. De esos dos encuentros nacerán Thomas y Jacob, dos chicos que mientras estén estudiando escultura y pintura se conocerán y se animarán a crear un proyecto musical. Se llamará Beacon. Y por más que escuchen todo el catálogo de Warp y sean ultrafans de Underworld, les será difícil sonar distinto a aquello que sonaba cuando fueron concebidos. Intentarán crear canciones de amor más emocionantes y oscuras, pero por lo menos en su primer disco no lo conseguirán.

TYLER, THE CREATOR
Wolf
Odd Future/XL

Los jóvenes dan tanto puto miedo hoy en día. Siempre he creído que las películas de horror y suspenso más aterradores son aquellas con jóvenes estoicos de ojos negros con ropa formal y sin emociones, quienes esperan pacientemente para cortarte los tobillos o la cara con lo que encuentren. Me daría miedo, literalmente, estar en la misma habitación que Tyler, the Creator. Es cómo si sintiera que podría despellejar a alguien con la punta de sus dientes y sus uñas, para después usar la piel de su víctima como una capa en el escenario, mientras se refiere a tu madre con una serie de nombres terribles. Y creo que eso es exactamente lo que quiere, así que no podemos más que apoyarlo (o morir).

RYAN GOSLING

YEAH YEAH YEAHS
Mosquito
Universal

Ustedes, vanguardia del hype, ya con nada se emocionan como hace diez años, así que a lo nuevo de los triple ye le aplicarán la consabida jeta indolente y volteada de ojo tras el riguroso ray bans. Y se lo van a perder, a menos que decidan hacer caso a esta humilde reseña, pues el coctel que ha preparado la otrora jovenaza banda del newaveo dosmilero no desmerece en el trance: canciones llenas de gancho en las que hay góspel de niña blanca, un rap de moderadas proporciones, los punteos de guitarra marca de la casa, movidilla protopunk, la actitud desparpajada de Karen O y letras modestas pero cumplidoras, todo tan divertido como en aquel primer disco, pero con cierta madurez y ganas de no ir a la sala de emergencias en el punto álgido del after.

ANTONIO LEÓN

EAST INDIA YOUTH
Hostel EP
The Quietus

DEPECHE MODE
Delta Machine
Mute

En la mañana se me antojó un licuado y fui a la cocina. La licuadora estaba sucia, entonces decidí lavarla. Pero antes vi un mosquito en la ventana. Corrí a aplastarlo, porque todavía traía fresco el coraje de que me hubiera picado uno en la madrugada. Lo maté y después empecé a lavar la licuadora... ¿Esto no va para ningún lado, verdad? Los Depeche opinarían lo contrario: hace unos buenos años que dejaron el coche en neutral (más o menos desde la última vez que alguien se la jaló pensando en Sheena Easton) y nadie les ha avisado que ya se terminó la bajada. Eso sí, son bien rudos, o eso esperan que pienses de ellos. Para dejar claro que querían hacer un disco más “darks” que el anterior, hasta se andan poniendo más sombra negra en los ojos y tantita brillantina.

ATAHUALPA ESPINOSA

THE STROKES
Comedown Machine
RCA

Depression Quest es un juego de rol, que según su sitio web “no pretende ser divertido o lograr una experiencia alegre”. Su objetivo es simular la miseria de la depresión clínica, lo que probablemente lo califique como el juego más masoquista de todos los tiempos. Pero a diferencia de los clásicos juegos de rol de los que se deriva, Depression Quest evita los dragones asesinos de las mazmorras y los elixires para lograr acciones que incluyen tareas como “Pregúntale qué quiere decir ella con eso” y “No cargues a nadie con tus problemas. Distráete tú mismo”. 

El intento de los creadores del juego es proveer una sensación realista de cómo la depresión afecta tu toma de decisiones, sin importar si la has sufrido personalmente o no. Un soundtrack taciturno te hace sentir como si estuvieras acostado en una posición fetal al final de una túnel oscuro, luchando por escuchar las delicadas notas de un pianista al otro extremo a través de un profunda y brumosa niebla. La música fue compuesta por Isaac Schankler, un músico de Los Ángeles cuyas orquestaciones electroacústicas están en la zona de un engranaje ambientado de John Cage tocando con Brian Eno. Me puedo dar cuenta de que la mayoría de la música que me gusta fue probablemente hecha por gente que estuvo o está deprimida. Así que después de jugar por un rato, comencé a preguntarme si la música triste sólo podía ser creada por alguien que está deprimido y, si entonces, ¿hacer música triste te vuelve aún más depresivo? Llamé a Isaac para preguntarle lo que pensaba.

VICE: ¿Cuál crees que es la clave para crear música depresiva? 
Isaac Schankler: Mucho de esto termina siendo sobre las relaciones (malas relaciones porque aquellas son las que siempre deprimen más). La Suite Lírica compuesta por Alban Berg, es una pieza modernista que es atonal, suave, pero es muy desgarradora. El tercer movimiento es extremadamente agitado, simplemente devastador, lento y desolado  y esto fue algo que la gente se preguntó por años: ¿Por qué esto se llama Suite Lírica? 

Entonces, ¿se dieron cuenta de qué se trataba?
Encontraron en sus notas que todo trataba sobre una aventura que tuvo con una mujer casada de nombre Hannah Fuchs…  y todo estaba tejido a lo largo de la partitura con sus iniciales: A-B-H-F y ese era el motivo de la pieza. Es una manera intelectual, un poco rara de escribir sobre su trágica situación. Incluso si no lo sabías, aún es desgarrador escucharla. Estuve fascinado por ella por un momento porque tocó todas mis cosas extrañas y personales y las codificó realmente en una forma imprecisa. Escribir sobre la depresión es algo realmente personal, es diferente para cada uno de nosotros y, para hablar de ella, tienes que hacerlo de forma impersonal. [Depression Quest] es así también. Los detalles son inespecíficos y vagos, ya que en las primeras pruebas encontraron que la gente se podía identificar con el carácter cuando éste era así. [Nota: en un punto, el juego te da la opción de tener un gato, pero si tú no lo tienes, todo se va para abajo, lo cual es muy fiel a la vida real].

¿Pudiste jugar Depression Quest antes de componer la música?
Eso fue lo interesante. En cierto modo comparé las decisiones que tomé en el juego con las decisiones que tomé en ciertos momentos de mi vida. El juego hace un buen trabajo que representa [elecciones de la vida real] hasta cierto punto, algunas de las decisones más racionales que, de hecho, no puedes seleccionar y algunas que dependen de tu nivel de depresión. Pensé cuando jugué por primera vez que iba a seleccionar las decisiones racionales, pero a veces, en la vida real, simplemente no eliges adecuadamente.

¿Te deprimiste mientras componías?
Realmente sólo me siento triste cuando tengo dificultades en un proyecto, pero paradójicamente, no tuve tiempo de detenerme mucho con Depression Quest, así que fue fácil para mí. El otro juego en el que estaba trabajando al momento en el que luché más hacía que me sintiera como si no obtuviera las cosas del modo correcto. Ese juego se llama Hate Plus. Es una secuela de otro juego deprimente: Analogue: A Hate Story. Trata sobre un detective espacial que lee los registros de una nave espacial abandonada, pero está mucho más centrada en una chica adolescente que se enferma de un resfriado y  despierta en un futuro donde las cosas han  retrocedido a la época medieval.  El primer juego era tan deprimente y tantas cosas malas le ocurrían a la chica que la creadora dijo que la chica debería estar comiendo pastel  durante todo el siguiente juego. Ella dijo: “no quiero que haga nada más, sólo que coma pastel”. 

Fastídiate virtualmente en depressionquest.com. Mientras juegas gratis, nosotros te alentamos a que le pagues a sus creadores si lo encuentras útil. Ellos aceptarán lo que sea que puedas pagar, y una parte de las ganancias se irán a la International Foundation for Research and Education on Depression.

Organizado en pocos días, sin presupuesto ni la intención de hacer su agosto, el Raymondstock fue un evento (todavía no me queda claro si fue un festival casero o un ultra toquín) que ojalá cambie la forma en la que se perciben a sí mismos los músicos independientes en México. Ya que, si bien nos la pasamos de huevos, creo que su mayor acierto fue comprobar que para generar escena no necesitas la fuerza de la verga capitalista de tu lado. Eso sí: requieres de un chingo de gente que piense como tú, cosa quizá un poco complicada hace apenas unos años. Hoy nos podemos valer de las redes sociales y de la omnipresencia del internet en la cultura joven para organizar algo cabrón en poco tiempo. Gracias por comprobarlo, Ramoncito.

Una escuela abandonada, decorada con tiras de papel colorido y forrada de colores tornasol (reminiscente de la estética del Festival Nrmal 2013) fue el escenario del Raymondstock. En el patio se instalaron los amps Orange y las bandas conformadas por cuerdas y percusión. Aquí se armaba el bailoteo y el slam, al ritmo de proyectos como el surf garage de los Blenders, quienes nos recordaron un poco a Wavves; los ya mencionados D.D.A, o Grooms, un proyecto que —a punta de guitarrazos honestos— nos demostró que no todos los grupos de Brooklyn suenan igual.

También había un pequeño cuarto adornado con una torre de televisiones viejas con abstractos visuales de estática. Primero vimos a Matilda Manzana, quien conjugó efectivamente su pop ambiental con un atasque de estrobo. Conocimos la propuesta de Ulises Zarazúa, proyecto de “garash mexa con experimentación popera” que nos cautivó. El vato trae influencias de Bradford Cox, y le sale bien. Igual conocimos a Alberto Acinas, un pintor español que, enfundado en una falda, nos deleitó con experimentaciones vocales y chingos de delay.

Hubo un tercer escenario en lo que solía ser la dirección de la escuela: un cuarto a medio caer que, debido a su posición en el edificio y techo bajo, se volvió un pequeño sauna. Esto último estuvo chingón ya que aquí se presentaron los actos de electrónica, convirtiendo la dirección en una suerte de capullo de calor y atasque. Aquí los bajos profundos de una morrita llamada DJ Smurphy y el trance atascado de un pelón bien vestido, Teehn Bwitches nos hicieron sudarla, beberla y derramarla. También vimos a Alexico partir madre a pesar de no poder afinar su guitarra de lo pacheco que estaba —alguien más tuvo que hacerlo por él—. En otras palabras: estuvo de huevos. Y claro, también estuvo un tipo que viene del futuro, †‡† (se pronuncia Ritualz), quien recortó su set porque —nos explicó— no le estábamos entendiendo.

A eso súmenle cheve a 20 varos, una entrada de 50, chilli con carne, tacos y un buen de chicas lindas hasta el culo. Con eso ya tienen el momento más DIY que la escena chilanga ha visto en un rato (aunque la mitad de los asistentes eran del Norte). Creo que este sábado fue un momento importante para la unidad de los talentos jóvenes, quienes muy a menudo caen en la mala política de tirarse mierda mutuamente. Si en vez de dissear gente a sus espaldas se usa esa energía para colaborar, surgen chingonerías impromptu, como lo fue el Raymondstock.

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Silverio

Lee más reseñas en nuestra columna Así estuvo.

Las clases de danza llevaron a Jennifer a una carrera de baile, interpretación y, con el tiempo, de música, una carrera que la ha visto vender más de 70 millones de discos en todo el mundo. Mis clases de danza me dejaron una uña del pie negra que tardó un año en caerse.

El inimitable reino de la Lopez hizo que ser una gata más famosa en el mercado de R&B, monotorizado rigurosamente, pareciera pan comido. Cualquier chica ambigua racialmente cuya pubertad coincidiera con los años de su reinado, te estará mintiendo si niega que empezaron a actuar cuales frescas portoriqueñas del Bronx, desde el momento que escucharon "If you had my love".

Así que, pasando por alto su tendencia actual hacia trajes con los que se contagian hongos en la panocha, su acuerdo firmado con Pitbull y el hecho de que anuncie cualquier cosa con tal de hacer un poco de cash, les cito todo lo que hace que Jennifer Lopez para ser la más grande.

AQUELLOS TIEMPOS EN LOS QUE ERA UNA FLY GIRL

De todos los jales que existen en el mundo, salir de Fly Girl en el programa In Living Color no es tan culero. El equivalente en mi vida fue barrer pelusas de una tienda.

CUANDO ESTRENÓ ON EN THE 6

Recuerden siempre que Jennifer Lopez estrenó uno de los debuts R&B más comerciales de todos los tiempos. "Feeling so good" calmó un poco la parte más gueto del disco, en el que incluyó versos de Fat Joe y Big Pun, sus amiguis de la Isla Bonita. "Waiting for tonight" llegó a todas las pistas de baile y luego llegaron temas más espanglish con "Let's get loud" y "Open off my love". Para acabar, la cereza del pastel fue la simple pero perfecta "If you had my love".

AQUELLA VEZ QUE DEJÓ HECHO POLVO A P. DIDDY

Poner a hombres entre rejas es uno de sus deportes favoritos, pero su relación con Diddy fue muy seria. Después de que J-Lo hiciera su aparición en "Been around the world", de Puff, éste pasó a dirigir su primer álbum con Tommy Mottola.

Pasaron de todo juntos, desde la bomba de furor que causó J-Lo hasta el polémico juicio de Diddy por jugar con armas dentro de un club nocturno. ¡Amor verdadero! <3

En verdad no es así porque cortaron poco después. Luego de la ruptura, J-Lo sacó uno de sus singles más vendidos "Love don't cost a thing", en el que dejaba claro que Puff era un pendejo materialista que lo único que invertía para sus relaciones eran camionetas Escalade y relojes Rolex. En vez de dar todas esas otras cosas que el dinero no puede comprar. ¡LO ÚLTIMO QUE NECESITA ES OTRA PULSERITA DE MILLONES DE DÓLARES, PAYASO!

Mientras Daddy sacaba temas como "I need a girl"; en el video salía él mismo lloriqueando por una chica muy parecida a Jennifer.

 A pesar de lo mal que acabaron, hay una pequeña parte dentro de mí que, en mis momentos más iluminados, desea verles enamoradísimos y juntos de nuevo.

CADA VEZ QUE HA REVENTADO EL GUETO-LATINÓMETRO

Un tema recurrente en la carrera de J-Lo ha sido reventar el gueto-latinómetro, ya sea juagando al stickball con un klaxon con la melodía de "La Cucaracha" de fondo o fingiendo ser madre soltera picarona. Cada vez que lo ha hecho, su pasado ha sido investigado, resultando ser no tan "difícil" como dice. Comentadores de música revelaron que no se crió entre la mugre y la pobreza. Pero, ¿saben por qué esto da absolutamente igual? Porque probablemente se ha saltado más comidas que cualquier reportero salchichero para lucir ese majestuoso culo. ¿Y qué si no es del Bronx? ¿Crees que por eso le ganarías en una batalla de machetes en un callejón oscuro? Ah, por algún momento lo creí posible.

AQUELLA VEZ QUE ARRUINÓ LA CARRERA DE BEN AFFLECK

 ¿Alguien sabe de qué iba Gigli? ¿Y por qué Ben Affleck empezó a vestir como el novio de Barbie durante su relación con J-Lo? Nunca sabremos con exactitud qué era lo que le hacía J-Lo, pero hacer que salga tu célebre novio en uno de tus videoclips acaraciándote el culo es muy fuerte. Es la puta ama. El hecho de que Affleck, casi diez años después, tenga la necesidad de dedicar parte de su discurso en los Oscar de este año, a este raro momento en su carrera, LO DICE TODO.

PERO MANTUVO A FLOTE LA DE JA RULE... O ALGO ASÍ

A menos de que tengas la costumbre de escuchar cd's de R&B del 2001, es sorprente lo fácil que es olvidarte de la existencia de Ja Rule. Esto es así hasta que ves el último anuncio de Venus, en el que sale Jennifer afeitándose las piernas y recuerdas lo perfecto que era el remix de Ja Rule de "I'm real". Sacado de J to tha L–O! The Remixes, el tercer álbum de remixes más vendido en la historia y su segundo mejor álbum. El recuerdo de su pelo perfecto y la adorable cara de topo de Ja Rule, me hace chillar de alegría.

ESTE .GIF

ES BENJAMIN BUTTON

¿Dónde están las arrugas, güey? Jenny prácticamente me saca dos décadas, pero yo tengo líneas en la fente que parecen costuras con las que ya he aprendido a vivir y mis nalgas se han rendido a una vida entera comiendo restos de cerdo. Mientras, la Jenny compite en triatlons y tiene unas abdominales de infarto incluso después de haber dado a luz a gemelos.

ESE CULAZO

Eseeee culazooooo. Este párrafo iba a ser mucho más largo, comentando los traseros de estrellas de pop objetizadas y el daño inevitable que hace a la psique femenina, ¡pero a la vergaaaaaa! J-lo fue la primera morena en presidir la lista de las mujeres más sexis de FHM, y ahí sigue. Marcó una era en la que las sex symbols eran siempre las rubias y puso fin a esconder culos respingones bajo jerseys atados a la cinutra.

ESE VESTIDO

"J...J...Jennifer, ¿por qué no te pruebas este recatado vestido con palabra de honor que ha enviado Chanel?"

"¿A MÍ POR QUÉ ME MIRAS, ZORRA? PÁSAME EL VESTIDO VERSACE, ANDA... "

"O...OK, sólo que eso... no es un vestido Sra. Lopez, es una pareo." 

"DIDDY, ¿PUEDES MANDAR A LA HOGUERA A ESTA PERSONA, POR FAVOR?"

AQUELLA VEZ QUE HIZO DE SELENA

El papel que cambió su carrera de actriz fue uno en el que ella impersonaba a la asesinada y bien querida por México, Selena Quintanilla-Pérez. El cásting de una portorriqueña para hacer de Selena nos achicharró de coraje, pero Lopez demostró estar a la altura.

Aunque sólo hizo playback de la voz de Selena, más adelante en su carrera J-Lo citó el momento de rodar la película como culminante en la decisión de ser una super estrella musical internacional. Lo demás es historia.

NO SABE CANTAR

Reservaros las amenazas de muerte, chicos. Sólo los super fans más engañados fingirían creer que Jennifer podría empatar con Aretha Franklin, en cuanto a voces se refiere. No pasa nada, que ella no sepa cantar sólo significa que todos podemos cantar con ella sin que nos falte la respiración ni haciendo que los perros se convulsionen de horror.

...PERO SÍ SABE BAILAR

Lo que me trae a los videoclips de Lopez y a sus coreografías. ¿Quién sabe moverse así? Ójala yo supiera bailar agresivamente así y echarme unos pasos delante de mis jefes cuando aparecen a las dos de la tarde apestando a tacos.

Y por último....

ESE CULAZOOO!!!

En el quinto episodio platicamos con Noah Lennox, a.k.a. Panda Bear de Animal Collective, una banda que recientemente lanzó su último disco, Centipede Hz, (del cual The Creators Project realizó un documental).

Nos encontrábamos realmente emocionados con la entrevista que le hicimos a Lennox como parte de la serie de The Collaborators en la que obtuvimos información sobre su experiencia de trabajo con Daft Punk y su relación con la música. Noah recuerda la primera vez que escuchó su música una noche en MTV cuando vio el video musical de "Around The World" dirigido por Michel Gondry y se sintió sacudido por las imágenes y los sonidos que emanaban de la pantalla.

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Pharrell Williams

Giorgio Moroder

Todd Edwards

Nile Rodgers

El internet nos ha vuelto sumamente escépticos a la inocencia. En la época de Eliot Spitzer y Anthony Weiner, parece literalmente imposible que una figura pública no tenga cola que le pisen. Incluso esperaríamos que el grupo pop de reggae sueco, Ace of Base, tenga algunos secretos por ahí escondidos.

Tienen uno.

Ulf Ekberg, miembro fundador de Ace of Base, comenzó su carrera como un cabezarrapada neonazi.

No sólo eso, creó una plataforma para sus ideales a través de su banda de punk nazi, Commit Suiside, en donde cantaba rolas con una “letra explícitamente racista”. ¿Qué tan explícita? He aquí un ejemplo:

¿Traducción?

Además de tocar con Commit Suiside, Ekberg era miembro de Demócratas Suecos, un partido político que “rechazaba” públicamente cualquier lazo con el neonazismo. Esto resulta interesante, si tomamos en cuenta el hecho de que el grupo fue fundado por nazis, y los miembros activos aún mantienen lazos con grupos de odio contemporáneos. Por ejemplo, Anders Klarström, ex líder de los demócratas suecos. Curiosamente, Klarström también estuvo en Commit Suiside con Ekberg. Cuando la banda se separó en 1986, Klarström fue declarado culpable de posesión de armas de fuego, además de haber enviado amenazas de muerte a un director de teatro y animador llamado Hagge Geigert, quien se expresó públicamente en contra del racismo y los neonazis. En aquel momento, Klarström se refirió a Geigert como un “cerdo judío", y amenazó con quemarlo.

La respuesta de Ekberg ha sido bastante ambigua. En un documental en 1997, dice: “Le dije a todos que realmente me arrepentía de lo que hice. Ya cerré ese libro”.

En 1998, una pequeña disquera sueca llamada Flashback Records publicó Uffe Was a Nazi!, una edición limitada del trabajo de Ekberg con Commit Suiside. La portada es una fotografía de Ekberg haciendo un saludo nazi. Aunque sólo se produjeron mil discos, fue un ataque extremadamente dañino contra el pasado nazi de Ekberg, y se ha vuelto un artículo de coleccionista. Uffe Was a Nazi! Incluye cinco canciones, como "Rör inte vårt land", que se traduce como "No toquen nuestro país", y "Vit makt, svartskalleslakt!" o "Poder blanco, masacre de cabezas negras".

También incluye un remix de "Smash the IRA" de Screwdriver, con la letra traducida al alemán y con el nuevo nombre: "Smash the VPK". El VPK, o "Partido de Izquierda", es una partido socialista y feminista en Suecia:

Ahora veamos cómo Ekberg terminó en Ace of Base. En agosto de 1990, un músico de Gothenburg llamado Jonas Berggren estaba a unas horas de dar una presentación con su banda, la cual llevaba varios años tocando como CAD, Tech-Noir, o Kalinin Prospect. En el último minuto, su bajista decidió abandonar el show para ir a ver a los Rolling Stones del otro lado de la ciudad, así que Berggren le pidió a su amigo Ekberg que tomara su lugar. Unas semanas después se cambiaron el nombre a Ace of Base, y el resto es historia: "All That She Wants" estalla, Happy Nation/The Sign vende 23 millones de copias, y el grupo se convierte en unos de los actos pop más queridos de la década.

No está claro si Berggren, o el resto de Ace of Base, sabían sobre la andadas neonazis de Ekberg cuando le pidieron que se uniera a su banda. Por alguna razón esto es algo de lo que no se habla hoy en día, así que cuando le cuentes esto a tus amigos es probable que les baje la presión. La respuesta de Ekberg ha sido bastante ambigua. En un documental en 1997, dice: “Le dije a todos que realmente me arrepentía de lo que hice. Ya cerré ese libro. Ni siquiera quiero hablar de ello, ese tiempo ya no existe en mí. Lo cerré y tiré el libro en 1987. Me llevé la experiencia. Aprendí de ello. Pero esa vida no soy yo. Es de alguien más”.

Hoy, según su página, Ekberg es "un líder visionario y un eminente hombre de negocios". Ekberg sigue en Ace of Base, pero también trabaja para una compañía de marketing llamada Result, que ha trabajado con compañías como BMW, Fiat, IBM, y LinkedIn. En 2002, Ekberg fundó otra compañía de marketing para entretenimiento llamada Legion Network (ahora desaparecida), y trabajó con Canon, Motorola, y Nokia. Entre 2002 y 2005, fue asesor para la estrategia global de música y moda de Nokia.

Pero las cosas se vuelven todavía más crípticas. Ekberg también es miembro activo del “Programa Asia” del German Marshall Fund. Recuerda que el GMF se formó en honor al (y recibe su nombre del) Plan Marshall, el programa económico dirigido por Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial, diseñado para evitar la expansión del comunismo soviético y atraer a las naciones en recuperación hacia la democracia.

¿Qué quiere decir todo esto? Es increíble que toda esta información haya permanecido tan oculta, en especial cuando la tenemos justo frente a nuestra narices. Mientras hacía la investigación para este artículo, hablé con muchos periodistas que nunca habían escuchado de esto. De hecho, nunca he escuchado a alguien hablar de esta historia. No es que quiera empezar toda una teoría de conspiración, pero no me imagino una recuperación absoluta de este tipo de odio. Lo que me preocupa también es que Ekberg ahora está en una posición con gran poder e influencia. Durante muchos años, fue directamente responsable de la conexión entre las marcas y los consumidores, y actualmente está involucrado en un programa de ideología geopolítica.

¿Ekberg usó el éxito de Ace of Base como una oportunidad para borrar su pasado neonazi? No estoy seguro, y una parte de mí lo duda, pero al menos puede decir con toda seguridad que nunca volveré a disfrutar "The Sign," "Don't Turn Around," o "All That She Wants" del mismo modo.

Ben es el editor de música de VICE, y editor en jefe de Noisey. Síguelo en Twitter -@b_shap

Gracias a Ezra Marcus, por ayudar con la investigación, y a Maggie Mustard, por un millón de ideas.

Quien sea que haya dicho “Muere joven y deja un lindo cadáver” no tenía ni puta idea de lo que decía. Quizá tu cuerpo esté más flácido a los 70 que a los 20, quizá tus órganos sexuales estén un poco atrofiados, quizá hayas perdido algunos dientes o un ojito en el camino, pero todavía puedes tirar party sin importar tu edad. De hecho, creo que la gente debería intentar morir a una edad avanzada mientras se divierten.

Para prueba basta un botón: Wirginia Szmyt, mejor conocida como DJ Wika, es una anciana de 74 años que puede mezclar canciones en un par de laptops mejor que cualquier mocoso pretencioso de 20 que cree que domina Serato. Wirginia ha sido una constante en la escena del entretenimiento para adultos mayores en Varsovia durante más de una década, tocando salsa, rumba y disco para que los ancianos disfruten de su segunda o tercera infancia, además de poner música para públicos más jóvenes. Hasta donde sé, es la DJ más vieja del mundo, y me encantaría que fuera mi abuela, así que fui a platicar con ella.

VICE: Hola, Wirginia. ¿Recuerdas la primera vez que pusiste música? ¿estabas nerviosa?
Wirginia Szmyt: No, para nada. Estaba tocando en un club de adultos mayores y no había tantas personas. Todo era diferente cuando empecé, hace 13 años. Había cassettes y discos, y tenías que hacer muchas cosas como regresar una canción manualmente. Hoy en día todo es tecnológicamente más avanzado. Si un niño de cuatro años puede usar un celular, ¿por qué no habría de poder hacerlo un viejo? Es lo mismo con las computadoras.

¿Qué opinas de la música contemporánea? ¿Estás de acuerdo con el estereotipo de que a las personas mayores les molesta la música que escuchan los jóvenes?
En mi opinión, toda la música es hermosa. Es natural que las generaciones mayores estén acostumbradas a ritmos diferentes, más lentos y nostálgicos. A los jóvenes les gusta lo nuevo, y eso no tiene nada de extraño; si no fuera así, no habría progreso. Lo único que no me gusta es que la música se escucha muy fuerte y así no se pueden distinguir los ritmos, sólo escuchas ruido. Pero si a los jóvenes les gusta eso, todas esas luces y el humo, entonces bien por ellos. Me gusta el tipo de música joven que he podido tocar. No sé si se llama electro, house o techno, pero tiene estos ritmos repetitivos que cambian poco a poco. Crece y crece y te prende por dentro.

¿Cuál crees que es el problema más grave que enfrentan los jóvenes?
Muchas mujeres terminan embarazadas después de tener aventuras de una sola noche. Hoy, en Polonia es más fácil tener sexo que en generaciones anteriores. Vas a una fiesta, conoces a alguien, se gustan y duermen juntos sin pensar demasiado en las consecuencias. Para mí, el aborto es mejor que matar a un niño después de nacer. Pero el aborto es ilegal en Polonia, así que hay estos casos horribles de niños abandonados en basureros. Hay personas que realmente deberían ser castradas.

The Grooms, Ritualz, Apocalipsis / Colima #332, colonia Roma / $50

Para llevarte una cortesía doble y pasártela como si fuera tu última noche antes de comenzar a trabajar como guardia de seguridad de Soriana:

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- El concurso termina hoy a las 1pm y nos pondremos en contacto con los ganadores vía mail

Major Lazer, Sebastien Teliier, Diplo / Club Castores, Guadalajara, Jalisco / Más información en Loudblue.com.mx

Aquí arriba les presentamos el video que acaba de estrenar Is Tropical. En él, un chico francés (que tiene un extraño parecido a Sam Weir de 'Freaks And Geeks') se queda solo en la casa de una bella mujer.

Como cualquier adolescente con mucho tiempo para aburrirse, comienza a fantasear con cogerse a la dueña de la casa. Esto nos lleva a la mejor representación de una chaqueta de prestigio. En serio, los dejará impresionados. De hecho, probablemente es el mejor videoclip que he visto en la última década.

Es espectacular y quería enviárselo a todas las personas que conozco para que pudiéramos disfrutar todos juntos. Pero primero, aquí dejo un par de razones por las que pienso que es tan bueno.

ESTÁ EN FRANCÉS

Si has visto por lo menos un poco de cine francés, y sí, aquí cuenta, Amelie, probablemente estarás de acuerdo con que su cinematografía es increíble. No estoy seguro de que se trata, pero eso de los subtítulos en una pantalla y el dialecto de una femme de jour resonando en mis oídos hace que todo esté en bien en este mundo inmundo.

ME DA MIEDO VERLO EN LA OFICINA

Es arriesgado verlo en tu espacio de trabajo ya que a tus compañeros mojigatos les podrá dar la impresión de que estás viendo un vídeo de porno amateur para ese tipo de personas que juegan a World Of Warcraft. Pero inspeccionado de cerca es una obra de arte para aquellos que se han criado junto a la imagen pixelada de los pechos de Lara Croft. 

ES MIL VECES MEJOR QUE CUALQUIER VÍDEO PROMOCIONAL GRABADO EN SUPER 8

Me pregunto por qué no hay más grupos haciendo videoclips con mujeres buenísimas de nueve metros hechas a computadora. En serio, ¿por qué? Tendría que ser totalmente así, o por lo menos deberían intentar hacer algo tan aventurero y anticiparse al futuro igual que esta obra maestra.

LA CANCIÓN ES MUY BUENA

Ah, y eso también.

@creatorsproject

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Todd Edwards

Nile Rodgers

Aquí es donde entra THUMP, el nuevo canal de música electrónica de VICE. Estamos sumamente emocionados con THUMP por tres razones. Uno, no usarán el término “EDM”. Dos, nos quedamos sin palabras para describir a Skrillex. Tres, ahora tenemos a profesionales que realmente saben que pedo con el mundo de la electrónica.

THUMP reportará sobre los altibajos de la cultura electrónica, desde los fans hasta los artistas, y las fiesta a nivel global. Más importante, no será un sitio que tome un mediocre punto medio. THUMP te ayudará a filtrar todo el ruido para que puedas recibir la señal: hay algo enorme que está sucediendo frente a nuestras narices, y estamos más que exaltados por ser parte de ello.

En fin, deja de leer esto y entra aquí para ver que se está cocinando en THUMP.

@creatorsproject

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Giorgio Moroder

Todd Edwards

Afortunadamente todavía hay shows donde terminas sudado, lleno de cheve y con la garganta madreada pero feliz por haber hecho un cagadero en el lugar. Silverio llega y le da una patada en los huevos a toda esa bandita cool porque él es todo lo que la gente odia. Es un vato panzón, misógino, machista y valeverga, que no tiene miedo de acercarse al público y agarrarle las tetas a tu vieja o aventarle el micrófono al güey que le gritó: “¡Pinche Pirrurris!” Básicamente es todo lo que mucha gente hace a puertas cerradas y un reflejo de toda la mierda de la sociedad mexicana.

Tal vez su música no revolucionará la industria, ni tiene arreglos impresionantes o músicos virtuosos detrás de él, y mucho menos un gran espectáculo. Pero precisamente eso es lo divertido: No es un show que pretende algo más que el simple hecho de valer verga. Escupe, pégale a la gente, mienta madres y ponte hasta las chichis. De todas maneras, ¿a quién le hace daño una hora de libertinaje?

@soyalemendoza

Sé que la gente ya ha dicho esto, pero en verdad creo que esta vez podría ser cierto. Creo que estamos frente a la posibilidad de un verano disco.

Cuando el mundo está cubierto de esta mierda, la música en general suele reaccionar de dos formas. Lo más común es que actúe como le gusta a Mojo, suelen abordar los problemas sociales de una manera explícitamente encabronada. Sin embargo, en este momento no hay artistas como Public Enemy o Joan Baez que hagan eso, tenemos a iLL Manors, y al público libertario de Frank Turner. Por desgracia, buena parte de la música “socialmente consciente” que se hace hoy en día es tan sutil como una diatriba antisionista.

Nuestra cultura necesita una catarsis para esas pesadillas que son el desempleo, las amenazas bélicas y las deudas fácilmente consolidadas, sin embargo ninguno de nuestros músicos quiere entrar en acción. Esto es entendible. Todo es relativo: el internet ha hecho por su industria lo que Thatcher hizo por las comunidades mineras. Los músicos jóvenes están tan deseosos de mantener sus regalías, el sexo fácil y el flujo de drogas, tanto como tú lo estás por no perder tu conexión a internet.

Foto de los saqueadores de Hackney en 2010, por Henry Langston.

La apatía ha empujado la balanza hacia otra idea: en lugar de dejar que estos bastardos te hagan mierda, ¿por qué no simplemente apagar las luces, cerrar los ojos y escuchar música tan fuerte que olvides que los bastardos existen? El legendario DJ de Manchester, Mike Pickering, promotor y gurú de A&R, me dijo que los dueños de los clubs “siempre dicen que es durante las recesiones que el negocio crece”. Aunque la música dance ha tenido sus momentos políticos en el pasado, por lo general ha existido para ofrecer un escape de las penas diarias. Y eso no es necesariamente una crítica; ofrecer una ruta de escape puede ser tan socialmente responsable como escribir una canción de protesta. 

No son sólo veteranos como Daft Punk canalizando a David Mancuso en lugar de a David Guetta. Estamos escuchando al menos un poco de disco en casi todos lados. Krystal Klear, Medlar, Floating Points y Disclosure han demostrado que hay un mundo más allá de esas voces agudas y los sintetizadores baratos. Incluso se ha escuchado a Skream tocando este tipo de música.

Incluso los aspectos de nuestra cultura que no tienen nada que ver con los viejos clichés del pelo en pecho y los bajos sincopados han empezado a apropiarse del manifiesto disco. Por ejemplo, Spring Breakers. Claro, aparece Gucci Mane y tiene la clase de soundtrack trap-step que esperaría de una película ambientada en Florida en el 2013. Pero también es reminiscente de esta idea de Saturday Night Fever de que una película para jóvenes debe sumergirse en el mundo estúpido y decadente que la rodea en lugar de tomar una posición moralina y objetiva. 

Foto por Holly Lucas.

En la superficie, el disco podrá parecer una estupidez materialista sobre el sexo, ropa cara y un estado de mítica gracia como lo es "Funky Town". Quizá pienses que un regreso a este sonido es básicamente admitir la derrota y subirse a un tren de libre mercado rumbo al neo-Dubai.

Aunque debo admitir que suena mejor con una botella fría de vino blanco que con una lata de cerveza, el disco sigue siendo un sonido rebelde. Culturalmente porque empezó como el sonido de los homosexuales, negros y neoyorquinos latinos que querían escapar de la pesadilla del rock en la que se había sumergido el país, y musicalmente también. Ve a un lugar donde pongan disco al volumen correcto, y escucharás algo nuevo, una especie de ferocidad y hedonismo que no encuentras en otros lados.

No digo que escuchar a Jamie XX tocar una canción de Rose Royce sea un llamado a la revolución, pero definitivamente es algo que sugiere que lo que queremos es olvidar nuestros problemas y pasar un buen rato.

Sigue a Clive en Twitter: @thugclive

Un género musical que sabía articular sus sentimientos de odio hacia Margaret Thatcher a principios de los ochenta, era sin duda el anarcopunk. Un movimiento fuertemente underground e independiente del resto de la industria musical, el género fue un movimiento popular que cumplió con la promesa original del punk, es decir, la de ser una verdadera amenaza política.

Más de 30 años después, el género es más fuerte que nunca, con más bandas alzando la antorcha y hablando del anarcopunk como una influencia. Chris Low estuvo ahí desde el principio, como baterista de las grandes bandas, y ahora su banda Part1 se prepara para dar su primera presentación en el Rebellion, el festival de punk más grande del mundo, este verano. Después de un año de trabajar como DJ anarcopunk en Tokio, Low cuenta con una monstruosa mezcla de canciones con sus rolas favoritas y nos respondió algunas preguntas sobre todo este asunto. Ve al final para ver su lista de canciones.

Noisey: ¿Cómo se distingue el anarcopunk de las miles de otras variantes del punk que han surgido desde 1977?
Chris Low: Creo que las características que lo distinguen de los otros subgéneros del punk es que el punk suele estar atado al rock. En el anarco ya no existe ese elemento. “Feeding of the 5000” de Crass fue el primer álbum que escuché que me pareció, de principio a fin, lo que el punk debería ser. Sin riffs de rock, escalas de R&B de los cincuenta ni solos de guitarra pretenciosos. Era un ataque encabronado, brutal, directo y completamente ideológico contra los sentidos. Escuchar ese LP y leer la letra de las canciones cuando tenía nueve o diez años fue como si estallara una bomba en mi cabeza. Aunque me han gustado muchos géneros musicales desde los ochenta, esa energía pura y la diversidad del anarcopunk es algo que ningún otro subgénero del punk puede igualar. Aunque la gran mayoría de las canciones surgen entre 1980 y 1984, la época dorada del anarcopunk, y espero que eso sea evidente en el mix.

Se notaba que tenías muchas ganas de que publicáramos este mix. ¿Por qué es esto tan importante para ti?
Pasé los últimos años de los ochenta y noventa como DJ en club de house y techno, y como nadie había hecho un anarcopunk mix, decidí hacerlo. Lo grabé en mi habitación, acompañado de algunas botellas de vino y de un amigo que me ayudaba a sacar los discos, así que quizá falten algunos detalles, pero creo que eso va con el espíritu de la música.

DJ Chris durante una noche de anarcopunk en Tokio el año pasado.

¿Cómo te involucraste en la escena? 
Empecé a tocar la batería cuando tenía once y ya había dado dos presentaciones antes de que el baterista de otra banda me dijera que mi equipo debía tener un bombo, y que uno no golpeaba el hit-hat como un címbalo. Por esas fechas, Crass tocaba en mi ciudad y después de recoger un par de fanzines esa noche, hice la mía, organizando entrevistas postales con todas esas bandas a las que les podías escribir y recibir una respuesta. Había un elemento muy fuerte de comunicación e intercambio de idea y música, algo único de la escena. Cada semana recibía cartas y paquetes con discos o cintas de Estados Unidos, Polonia, Finlandia… algunos lugares de los que nunca había escuchado pero que de algún modo habían conseguido mi revista o escuchado a mi banda. Era un mundo secreto y emocionante, una realidad alterna para un niño atrapado en un pequeño pueblo escocés. Con el paso de los años me involucré más en la escena, tocando en bandas, publicando mi fanzine. A los 14 me uní a Apostles, en la batería durante sus primeros sencillos, y pasé la mitad de mis días entonces en zonas ocupadas en Londres cuando debía estar estudiando para mis exámenes de la escuela. Fueron una de las primera bandas involucradas en el manejo del Centro Anarquista, que se basaba en el sencillo "Bloody Revolutions" de Crass. Ahí fue donde empezó el anarcopunk: fue el término que se le dio a las bandas de punk anarquistas que tocaban en el Centro Anarquista.

¿Por qué crees que hay tanto interés en el anarcopunk hoy en día?
Aunque podría decirse que fue una música y una subcultura de la época, el anarcopunk tiene grandes analogías hoy en día. Este género y gran parte de su estética reflejaban toda la ansiedad después de la Guerra Fría; las generaciones recientes han tenido Irak y Afganistán. Todo surgió por la depresión de finales de los setenta y nuestra economía no está mucho mejor el día de hoy, además, tanto en aquellos tiempos como en la actualidad, Gran Bretaña tiene un gobierno conservador. Hasta el día de su muerte, Thatcher representó el odio hacia el movimiento anarcopunk, y por eso se han subido tantas de las canciones en mi mix a Facebook, en los últimos días.

¿El anarcopunk tuvo éxito comercial en algún momento?
Hubo subgéneros comercialmente más exitosos que vinieron después del anarco punk, como ciertas variantes del hardcore y crust. El anarcopunk podrá ser crudo y simple, pero tiene una integridad que no encontrarás en muchos otros estilos de música. Primero que nada, es una forma de oposición a la cultura mainstream y contra lo establecido. Hay una conexión directa entre el movimiento anarcopunk de principios de los ochenta y el movimiento antiglobalizador actual en el que la gente se rebela contra gobiernos y líderes en todo el mundo. Si ese es el legado del anarcopunk, entonces estoy orgulloso de haber sido, y ser, parte de esto.

Canciones: 

Antisect – "Four Minutes Past Midnight"
Flux Of Pink Indians – "Take Heed"
Rudimentary Peni – "Farce "
The Mob – "Witchhunt"
Honey Bane – "Girl On The Run" 
The System – "Dogs of War" 
Discharge – "Decontrol"
The Apostles – "Mob Violence"
Zounds – "Can’t Cheat Karma"
The Ex – "The Sky Is Blue Again" 
Six Minute War - "Nurses"
Part 1 – "The Corpse"
Sinyx – "Animal"
Dirt – "Unemployment" 
Conflict – "Berkshire Cunt"
Oi Polloi – "Hands Off Nicaragua"         
Ad Nauseam – "Crazy World" 
Flux Of Pink Indians – "Neu Smell" 
Flux Of Pink Indians – "Tube Disasters"
Crass – "Banned From The Roxy"
Anthrax – "Capitalism Is Cannibalism" 
Antisect – "Tortured and Abused" 
Discharge – "State Violence, State Control" 
Rudimentary Peni – "Rotten The The Core" 
Fallout – "Tell Me About It"
Crass – "Shaved Women"
Amebix – "Belief"
Exit-stance – "Mankind’s Hand"
Born BC – "Dear Jesus"
Discharge – "Ain’t No Feeble Bastard"
[Martin Wright speaking at 1985 class war rally] 
The Apostles – "Pigs For Slaughter" 
Oi Polloi – "Lowest Of The Low" 
The Rondos – "A Black and White Statement"
The Intestines – "New Recruit"
Fallout – "Democracy"
S-Haters – "Research"
Lack Of Knowledge – "The Uninvited" 
Soldiers Of Fortune – "Stars"
The Clefts – "Red White and Blue" 
The Ex – "Weapons for El Salvador" 
7^th Plague – "Rubber Bullets" 
Counter Attack – "Don't Wanna Fight For You" 
The Apostles – "Stoke Newington Eight" 
Amebix – "Curfew" 
Discharge – "Realities of War" 
Crass – "Big A Little A"
The Mob – "Another Day, Another Death" 
Crisis – "Holocaust"
The Mob – "No Does Fly Here"
Poison Girls – "Persons Unknown"

Hazte un gran favor y escucha a la banda de Chris, PART1.

Entre la cantidad de videos virales que rolan por la red todos los días, hace poco tuve la fortuna de toparme con la canción “Sangre maya” de Pat Boy y El Cima Atte, unos batos de Quintana Roo que echan rimas en maya. Al principio pensé que se trataba de algún video esporádico, pero después de investigar me di cuenta de que existe todo un movimiento de hip-hop y rap maya alrededor de la península.

El pionero de este concepto es Jesús Pat Chablé, mejor conocido como Pat Boy, un rapero originario del municipio de Pino Suárez que ha comenzado a viajar por el país difundiendo esta música.

La idea de que algo tan ancestral como la cultura maya se fusione con un estilo musical tan moderno como el rap es fascinante, así que cuando escuché que Pat Boy estaría en la Ciudad de México no dudé en pedirle una entrevista.

VICE: Hola, Pat Boy. Vienes de una comunidad donde se habla la lengua maya, ¿cómo fue tu primer acercamiento al hip-hop?
Pat Boy: Así es, el idioma maya es el primero que uno aprende en su niñez, yo soy originario de mi natal José María Pino Suárez. Mi primer acercamiento al hip-hop fue gracias a mi hermano, ya que él viajó a terminar sus estudios en Felipe Carrillo Puerto, y cada vez que regresaba a mi pueblo llevaba discos y videos de cantantes como Kinto Sol, Akwid, Control Machete, Vico C y raperos del extranjero como 50 Cent, Lil Jon, Cam’ron, Lil Wayne, etcétera. Y ya de ahí empezamos a rapear y a escribir nuestras propias canciones, luego compramos una computadora de las viejitas en la que sólo podías grabar 60 segundos y así empezamos a hacer nuestras propias rolas rapeando en español.

¿Y de dónde sale el nombre Pat Boy?
Pues el Pat sale de mi apellido, que en maya significa darle forma a algo o crear algo nuevo.

¿Qué pensó la gente de tu comunidad cuando les dijiste que querías ser rapero?
Pues mucha gente se reía de mí o se burlaba de lo que yo hacía, me decían que no tenía nada que hacer, que no iba a llegar a ningún lado, pero en ese momento no habían escuchado lo que yo cantaba. Ya cuando saqué mi primer disco que se tituló In ya’ax xin baal, la gente de mi pueblo empezó a identificarse con las frases de una canción que se llama “U kuxtáal mayaoob”(vidas mayas), que habla de la vida actual del campesino.

¿Qué otros temas tocas en tus canciones?
Pues mis canciones hablan de todo un poco, de mí y de lo que veo que pasa cada día, cómo cambia la vida en los pueblos mayas con la tecnología, la contaminación y la transculturización. Hablo sobre la vida del campesino, cómo tiene que levantarse temprano para ir a trabajar a la milpa, salir a buscar otros métodos para vivir porque la tierra ya no da cosechas. También canto sobre las fiestas, las costumbres de cada pueblo, siempre animando a los jóvenes a que hagan algo positivo. Decirles que todos podemos lograr lo que queramos siempre y cuando trabajemos y mantengamos la humildad, el respeto y la paz. A cualquier lugar que vayas no debes olvidarte de dónde vienes, de tu gente y de la sangre que llevas en las venas.

Deberías de subir las letras de tus canciones a internet para que nos las podamos aprender.
Aaah [risas] pues sí sería buena idea, pero todavía estamos en papeleo.

Empezaste rapeando en español, ¿por qué decidiste cantar en maya?
Pues se me facilita el maya porque lo aprendí desde niño, es mi lengua natal, así que siento que puedo improvisar más fácilmente y me fluyen mejor las palabras, rimas y poesía.

Pero cada vez hay menos gente que habla maya, sobre todo entre los jóvenes…
Sí, ese es otro punto por el cual seguí rapeando en maya, muchas de mis amistades que se van a vivir a otro lado cuando regresan a sus pueblos ya no quieren hablar en maya. Si tú los saludas o les hablas en esa lengua prefieren contestarte en español.

¿Por qué crees que pasa esto?
Creo que muchos jóvenes de mi edad se niegan a ser indígenas por miedo a que los humillen, o no sé, igual y para conquistar a alguna chava de la ciudad.

¿Y crees que rapear en maya ayuda a los jóvenes indígenas a aceptar su cultura, a crear un puente entre la tradición y la modernidad?
Creo que sí, mucha gente y amistades ya empezaron a hacer lo mismo, a cantar rap y rock en maya. Ahora me saludan diciendo: “Soy maya de coraza igual, compa”.

¿Cuáles son las tres frases en maya que toda persona debería saber?
Pues lo básico: Bix abéel (¿Cómo estás?), Mix in wojeel mayat’ani (No sé hablar maya) y Kimak in wool (Muy contento).

Acabas de presentarte en Cumbre Tajín, ¿cómo fue esa experiencia para ti?
Fue como un sueño llegar hasta ese lugar maravilloso, y más que nada el gran festival que se hace cada año donde llegan miles y miles de artistas indígenas y famosos.

Para mí fue una gran oportunidad de conocer culturas nuevas, compartir mi música a la gente que vive allá y a los que están de paso, y de obtener mucha difusión y oportunidad para promover mi música en los medios de comunicación. Todo se puede en esta vida.

Y ahorita vas a grabar un disco…
Así es, vamos a grabar el primer disco de rap maya ya bien hecho, en estudio, un disco muy acústico y con buena producción.

¿Con quién te gustaría armar alguna colaboración?
Pues con Calle 13 o Celso Piña sería un placer, o cantantes como Ceiba Flava de Mérida, Yucatán.

¿Cómo es tu vida ahora que empiezas a viajar y a tener reconocimiento nacional?
Antes en mi pueblo no era nadie y ahora la gente ya me ve diferente y me respeta más, vas conociendo más personas, aprendiendo cosas nuevas. Nunca me imaginé que rapear me llevaría a viajar por el país. Estoy muy contento y espero que sigan abriendo más puertas para este género de rap maya, [aunque] como dice mi canción “nunca olvidar de dónde soy”.

¡Éxito, Pat Boy!
Gracias a ustedes por el espacio y más que nada por la difusión. Los que gusten saber más de mi música pueden encontrarme en YouTube y en el Facebook.

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Contactamos a Tony Gallardo (también conocido como el María y José) para ver qué nos podía contar sobre este video, y nos contestó: Básicamente la idea es la de un hombre que tiene seguidores fervientes, los cuales lo siguen a donde sea y nada más quieren andar de desmadrosos porque no tienen nada más que hacer. Deciden hacer un secuestro y tomarlo como un rito sátanico porque se traumaron con el video de éxtasis de Cártel de Santa. El disco habla sobre la ola de violencia que ha pasado en México, combinada con sátira y un poco de la vida real.

El primer día hubo de todo: un calor infernal en Hot Chip; la tremenda mujer que es Brittany Howard, de Alabama Shakes, y el desplante de Alice Glass, la alcoholizada vocalista de Crystal Castles, dúo que llenó el gran escenario techado.

Entrada la tarde ya empezaban los dilemas: ¿Veo a The Hives o a los chilenos de Intimate Stranger? ¿El hip-hop de los locales Zonora Point o a los clásicos Queens of the Stone Age? Fue un enérgico show el de The Hives, con el vocalista Pelle Almqvist intentando justificar sus clases de español hablando mal y mucho entre canciones, uno de los momentos más divertidos para la gente. Josh Homme, de QOTSA, anduvo de fiesta la noche anterior (pasó por los clubs Loreto y Onaciú), y durante el show se subió Eddie Vedder a cantar “Little Sister” junto a él.

Caminando medio en estado zombie caí en el show de Major Lazer, que samplearon a Elvis Crespo, hicieron bailar a todo el mundo de un lado a otro a saltitos y hasta grabaron el Harlem Shake más grande de Chile. Diplo es un puto genio.

Cerrando la noche y pese a que Eddie Vedder y compañía tienen una poderosa fanaticada en Chile, ya nos han visitado mucho y llegaron unos 30 años tarde. Ya era hora de tomar el metro a casa y seguir la fiesta en algún club.

La catarsis de ambas jornadas la hicieron todas las guapísimas mujeres y según, una mexicana de la que nos hicimos amigos, los chilenos no lo hacen nada de mal a la hora de ligar. La gran cantidad de extranjeros es otro highlight, a ratos parece más una sesión de Naciones Unidas que un festival de música.

Los platos fuertes del día: la violenta locura del show de Bad Brains, y el futuro que tendrá el talentoso Gary Clark. Nas fue la cuota de hip-hop del festival, y los shows chilenos estuvieron a cargo de Los Tres y Protistas. Lo de Black Keys cerrando con fuegos artificiales fue el broche de oro a una presentación de aquéllas, mientras Steve Aoki se paseaba en bote sobre los brazos de miles de espectadores que nuevamente llenaron la capacidad del Arena.

Algo típicamente chileno es tratar de hacerse los vivos y nos encantó ver cómo muchos astutos jóvenes se las ingeniaron para meter botellas de alcohol, un ítem que brilla por su ausencia en casi todo el festival. De repente, en el sector VIP, se pueden canjear un par de tragos de whisky por persona, y únicamente hay barra abierta en el Artist Village, que es donde están los músicos.

Este día hubo 70 mil personas dando vueltas, mirando bandas y haciendo fila. Había que esperar para comer, hidratarte o participar de algún concurso en el stand de una marca y ganar un juguete brandeado. 

Como sea, ya anunciaron Lollapalooza 2014 y duele un poco tener que esperar todo un año para otra versión, aunque Lollapalooza Chicago es en agosto. Eso parece un buen plan.

El símbolo sexual más conocido de Chimpancingo, su majestad imperial Silverio, vuelve con todo este año y presenta Naylons, su disco más reciente con el que bombearás más morras que el chingado Mauricio Garcés. Como somos fans de las mentadas de madre y sus trusas del Soriana, nos lanzamos a platicar con él para saber de qué va todo esto. 

VICE: Hace unas semanas te bajaron del escenario por indecente durante una show en Oaxaca, ¿cómo estuvo eso?
Silverio: Estuvo increíble, la verdad. Quería empezar el año suavecito porque era de los últimos shows que iba a dar antes de sacar este nuevo  disco. Supuestamente yo quería cerrar esta racha relajado y empezar el 2013 despacio, ¡pero arrancó con todo! Lo de Oaxaca fue una grata sorpresa.

Fue un pedo con el güey de la consola, ¿no?
La verdad es que sí traíamos fiesta, pero así es mi show, a veces hay más fiesta que de costumbre, pero así es. Llegamos y era una cosa de gobierno, además el que nos contrató nos llevó a comer y beber salvajemente, entonces fue parte de como se dio la situación. Para mí estuvo increíble y definitivamente es la prueba de que Silverio sigue vivo y que no estoy dando shows familiares. Así que cuando se presente la ocasión se las voy a clavar.

¿La policía te leyó la cartilla cuando al bajarte del escenario?
No, hasta eso la policía no, la bronca fue con el tipo del audio que aparentemente conocía al mero mero de la poli. Si estaba subido de tono el show, pero la gente se la estaba pasando bien. Se ve que a este tipo le cagó y lo hirió en lo más profundo y más bien se estuvo agarrando con Alex, mi manager. Ese güey le ha de pegar a sus hijos o algo así, él cree que este pedo se hace a puerta cerrada y es curioso porque la gente así reacciona muy mal. Les pegaban de chiquitos o por ahí va el pedo, ¿no?

Bueno, pero ya van varias veces que tengo problemas con la gente del audio, ni siquiera con la gente del lugar, jajaja.

Actualmente el gobierno dice “con el arte le llego a la gente” y contratan artistas sin conocer su show y termina siendo un desmadre.
Yo he tenido broncas y he tocado en muchos lugares y cosas públicas, pero este tipo de situaciones están raras. La verdad sí, te contratan y se emputan, además tampoco es que sea secreto lo que yo hago, no es como que les vaya a salir con la sorpresa, digo, si te metes a internet un ratito vez como está el pedo.

Tienes nuevo disco, Naylons, ¿en qué rollo te metiste ahora? ¿De qué va o qué esperamos?
Pues es un tributo al derriere femenino. La verdad sigue siendo música como para bailar, siempre intento acelerar los ritmos como para que tenga esa energía rockera en vivo y eso lo voy a seguir manteniendo, si lo puedo empujar mejor. Creo que dentro de todo hay algo como más nice, lo puedes oír en tu casa, en el cotorreo y tiene sentido el humor. La parte más agreste es la parte en vivo: grito, a veces suena medio culero, luego paro las canciones a la mitad si me da la gana, me meto con el público o les puedo escupir y tirarles cosas.

No hay Silverio sin el show en vivo, pero creo que por otro lado, los discos funcionan bien. Si no estuviera esa base sólida, si la estructura cojeara, pues el show se cae. Digamos que me funciona muy bien como plataforma para hacer el cagadero, si la música fuera mala, se me cae solito el show. Sin la tensión del público, hacia mi persona o las ganas de meterse a bailar y echar desmadre, el show no duraría una hora y media.

¿Podemos seguir esperando mentadas de madre durante tu show?
El show va a ser más elegante, por lo menos al principio, y por otra parte me gustaría entrar a los medios de comunicación más comerciales. Me encantaría ir con Paty Chapoy, por ejemplo, jajaja. Mi show va a seguir siendo lo que es, eso no cambia, pero si me gustaría entrar a un horario más familiar y ver qué situaciones nuevas se pueden generar. Es curioso, pero siempre que voy a programas nuevos, al principio es como “ah, está bien”, pero ya cuando empieza más el cotorreo, todo se vuelve un poco más raro.

Ya tengo un público que me conoce, pero algo que es fundamental es el factor sorpresa, por eso me gustaría poder abordar estos programas en los que se supone no debería estar ahí. Así como me pasó en Oaxaca me pasó en Francia; fui al Festival Trans Musicales a tocar, el cual yo conocía desde hace 12 años o más, y los organizadores, después de ver el show, dejaron de hablarme rotundamente y ni siquiera me volteaban a ver cuando les hablaba.

¿En México has tenido alguna reacción similar con los promotores?
Pues mira, algo me paso con la gente del Vive Latino, pero no entendí cuál fue el pedo. Mi show es mi show y yo les tiro mierda parejo, pero algo pasó y por eso no entré en esta edición que pasó. No sé ni siquiera qué pedo. En los antrillos también me ha pasado pero pues es raro; puede llegar a suceder que la gente se empute, pero en general es gente que me va ver y suele ser más común en festivales con gente que de la nada está ahí, pero definitivamente en los antros termina siendo más familiar el asunto.

¿Qué tipo de personas te van a ver? ¿Por qué crees que tu público te quiere?
Porque la gente se la pasa bien, en el fondo lo que yo hago podría ser un servicio a la comunidad.

¿Por qué? ¿Eres la Madre Teresa de nuestros tiempos?
Porque después de tirar tanta mierda por todos lados salen blanquitos y contentos, ¿qué sé yo? Echar la chela y mentarme la madre como si fueran locos, creo que eso logra que salgan como en muy buena onda. Además, los conciertos de rock de pronto parecen pop: una rola se acaba y tienes que aplaudir para que empiece la otra. Ésa es la cosa más podrida y más cagada. Todo está como muy medido.

Platícanos del show de lanzamiento de Naylons con Pablito Mix.
Fíjate que me encantó y lo vi a través del documental que sacaron ustedes. La verdad, a mí el reggaetón sí me late, es pura party y es parte de los nuevos ritmos que para mí reflejan un poco lo que era el rock and roll. De alguna lo comparo por el baile, la sexualidad y la sensualidad. Como escena y con el alcance que tiene, el reggaeton es como el rock and roll ahora. Lo que suena ahorita y que se dice ser rock, está muy alejado de eso, también me late la música, pues los chavitos van a bombear, se la pasan bien y hay una interacción mucho más fuerte entre todos. Antes el rock era mucho más transgresor y ahorita definitivamente no lo es; el reggaetón sí lo es, yo lo vi y me encantó y dije “¡pues va!”

Ahora que mencionas que el rock ya no es tan transgresor como antes, ¿qué tiene hasta la madre a tu público ahorita?
Para empezar, ser joven y adolescente ya es mas que suficiente. Todas las chingaderas que pasan los chavos en la escuela, en la casa o en la calle no hace que la adolescencia sea el momento más sencillo de la vida, aunque está cagado porque es cuando más se tiene energía. Tiene que ver con la cuestión de la edad y eso es más que suficiente como para tener ganas de gritar, mentarle la madre a todos e intentar ser transgresor. Recuerdo cuando yo era así, quería saltar encima de los coches y salía con mis amigos a aventarle piedras a los automóviles. Así nos latía, igual y suena de la chingada, pero ya nos había aburrido ir a las fiestas a bailar. La pasábamos muy bien.

Al principio tenías una visión de tu proyecto y con el tiempo has madurado y ahora tienes más poder en el escenario. ¿Cuál es el legado que te gustaría que quedara de Silverio?
No tengo ni idea la verdad. Creo que en todo momento me la he pasado bastante bien. Al principio porque no me conocían y ahora porque me conocen. Antes todo era una sorpresa porque no sabía cómo iba reaccionar la gente y de repente se daban algunas peleas y situaciones parecidas, ahora todo el mundo le entra parejo al cagadero y a la fiesta, entonces resultan ser momentos diferentes.

Es como lo que pasó en Oaxaca que estuvo bien bueno. Me late llegar a un lugar donde la gente no me conoce y de pronto se dan cosas peculiares. Me encanta la improvisada porque logras que las situaciones sean más raras. En Cholula tuve una pelea, el dueño del audio era un ranchero, imagínate la situación: “¿Qué onda con ese güey? Está emputado, tirando mal rollo, escupiéndole a la gente y nadie dice nada, ¿qué pedo?”

¿Te han tocado putazos o algo así?
Pues sí, pero de lejos, no de frente. No son tan valientes. Me ha tocado verlos de lejos, con cosas que tienen al alcance y me las avientan.

¿Silverio se acabará en algún momento?
Supongo que como todo en la vida. Aver en qué cambia, pero para nada que yo me vea haciendo política o teniendo un programa de televisión. Me la paso muy bien con la música pero pues sí, a los 50 no voy estar chocheando en el escenario, o quién sabe, jajaja. Estoy contento con el disco, no está largo porque nunca me ha gustado hacer trabajos extensos, de hecho son ocho canciones. Estoy feliz. Mi forma de trabajo tampoco ha variado mucho: la computadora es mi herramienta de trabajo, en ella sampleo cosas y pues ¡pa’rriba!

Busca Naylons a partir de este viernes 12 de abril en el evento del Pasagüero, en Roma Records y en Épico.mx

Sigue a Silverio y a David en Twitter:

@silverionr

@virtualbling

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Qué viejo luce el retrato que hicieran Los Tigres del Norte del hijo de Camelia (aquel cuya indumentaria era sencilla: “chamarra y mezclilla, una mascada en el cuello, botas cowboy y texana”), y más si se tiene enfrente el que hace El Komander de un tal y multicitado Katch (el que viste Armani, Dolce & Gabbana y usa Land Rover para pasear y hace cerrar el antro a su llegada). El bajo perfil y discreción de un traficante setentero frente al alarde de un narcojúnior. Tiempos distintos.

Los poblanos no están en cualquier baile grupero (aun con la inclusión de teloneros tipo duranguense) sino ante dos maneras de contar y cantar las historias del narcotráfico, dos estilos que muestran una realidad que se enfrenta a la versión oficial de la historia reciente en México.

En el escenario más imponente, próximo al estadio Cuauhtémoc, están los precursores del narcocorrido. En el otro extremo cantan los representantes del corrido actual, el Movimiento Alterado, a quienes les tocó contar la etapa más desarrollada, violenta y compleja del narcotráfico mexicano en todas sus implicaciones.

Pero no sólo los personajes y el imaginario que describen esos titanes de la música contrastan, también los públicos que en el estacionamiento del inmueble, aguardan el arribo de Los Tigres del Norte, Los Buitres de Culiacán y El Komander. La edad y atuendo abonan a la distinción: los fans del llamado Jefe del Corrido, adolescentes y jóvenes en su mayoría, rompen con el ajuar típico de botas y sombrero de estos bailes, si acaso las camisas con bordados estridentes los emparentan con el viejo estilo; el corte de cabello, casi a rape, a la usanza de los buchones y similar al de los seguidores del reguetón.

Los de mayor edad están frente al público alterado, esperando el arribo de los Jefes de Jefes, previsto para las dos de la mañana; mitigan el frío con tequila, bailando duranguense o escuchando los acordes revolucionados (chicoteados) de Los Buitres y sus corridos enfermos, protagonizados por sicarios prestos a descabezar y desmembrar a los contras, agentes del orden o competencia en el negocio de la droga; matones con dotes de superhéroes que no relucieron al ser abatidos por las fuerzas federales, como en el caso del mítico M1, caído en noviembre pasado y cuyo tema —Sanguinarios del M1— es el más emblemático del Movimiento.

A las 13:00 horas llega la presentación de Los Buitres. Pero los fanáticos de los otrora miembros oficiales del Movimiento Alterado no vienen sólo para escuchar los corridos, sino para vivirlos, ser parte del show, del pari en que se convierten sus presentaciones.

Aquí se compra medio six de Tecate para brindar y otro medio para aventarlo al aire, aun cuando su precio ($200) sugiera que el ritual es una imprudencia; para celebrar las hazañas de Everardo, que aun en silla de ruedas puede mandar al infierno a un comandante según el corrido; aquí lo que la raza enferma busca es que El Komander te suba al escenario para convidarte Buchanan’s. Eso sí, hay que tener buena garganta para no ganarse su desaprobación; otros se conforman con que el cantante alce la mano izquierda para interpretar esto como un saludo personalizado, y granjearse así la pleitesía de quienes les estrechan la mano y les palmean la espalda enfundada en una chamarra Ferrari celebrándoles por el hecho.

Faltan ocho minutos para las 2AM, tiempo suficiente para que cada Buitre exhiba sus dotes, para que el baterista rompa las baquetas, el acordeonista abra a todo lo que da el instrumento mientras brinda sus acordes más acelerados, y el del bajo sexto rasgue a la misma velocidad; tiempo justo para que el público festeje con gritos y más cerveza la hazaña cantada de comprar un agente “incorruptible” para sembrar de mota la sierra de Puebla.

La presentación de un locutor local apenas da tiempo para ingresar a los baños —aunque algunos alivian la urgencia atrás de éstos— antes de trasladarse al escenario de los Jefes de Jefes, quienes ascienden en plataformas para despertar euforia. “La reina del Sur” y “Los dos plebes” son su presentación; pero el público puede alterar su setlist, al grado de pedirles “Las mañanitas”, seguidas por temas que identificaron a los sinaloenses con el inmigrante en Estados Unidos en los años ochenta: “Tres veces mojado” y “Jaula de oro”, tópicos que no caben en la lírica alterada, así como “La camioneta gris”, “Contrabando y traición”, para luego ceder 40 minutos a El Komander, mientras se fotografían con sus seguidores.

Los fanáticos del Jefe del Corrido corren a su lugar, los de los Tigres permanecen. Cuestión de gustos, y de goce, pues son evidentes dos formas de disfrutar sus melodías. A pesar de que en ambas las historias se narren en primera persona, los corridos alterados precisan del performance, enfundarse bien en el personaje y desplegarlo en el escenario, acompañarlo con una tuba estridente y tarolazos simulando balazos, al menos eso festejan quienes corean “Tokezones de cannabis” y queman mois, morros que ya no están en el targetde Los Tigres, aun cuando pareciera que su disco unplugged, al lado de Paulina Rubio, Calle 13, Andrés Calamaro y Juanes, los buscara.

Las complacencias de Los Tigres para su público continúan hasta las 5:30AM y alcanzan hasta para El Mostro Álvarez, portero del Puebla, que entona “Regalo caro”, último tema de la velada.

Sebastien Tellier / Auditorio Blackberry / $400

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T.E.A.M.S
Cierra City Center
(Diamond Blub)

Sean Bowie es uno de los mil millones de talentos increíbles y únicos que están grabando su disco debut en su recámara buscando ser el próximo Skrillex, pero en cool. Eso no lo hace ni mejor ni peor que cualquiera otro de los mil millones, porque la música se redujo hace mucho a “Me gusta” o “No me gusta”. Los valores que se tomaban en cuenta cuando las ventas de los discos significaban algo, obviamente ya caducaron. Si tienes 29 minutos de paciencia y se te antoja oír experimentos en la línea de Ariel Pink y lo más desarticulado de El Guincho, esto te puede gustar.

VICENTE GAYO
Despierta y Vence
Terrículas Imbéciles

NACHO PATROL
Cimmerian Funk
New Jersey Records

Danny Wolfers (sintes, cajas de ritmos, arreglos), Jimi Hellinga (sintes y guitarra) y Marc Alberto (saxo y percusión) son Nacho Patrol, holandeses creadores de un sonido afro funk electrónico que trae a la mente música de películas de fin de los setenta e inicios de los ochenta como Los Guerreros. La alineación arrancó en 2008 firmando con el sello Kindred Spirits, cuando los invitaron a apoyar a Mulatu Astatke, una leyenda del jazz etíope que se presentaba en El Paradiso, en Ámsterdam, pero ahorita sacaron este epasazo de cuatro rolas chingonas con el sello New Jersey. Todo esto está dicho para los clavados ficheristas de hueva que no se conforman con gozar las rolas.

GÜILI DAMAGE

CHELSEA LIGHT MOVING
Chelsea Light Moving
Matador

Thurston Moore tiene ahora 54 años, y una banda que ha marcado la historia. Tiene además, un matrimonio deshecho y diversos proyectos comprometidos con su alucinante personalidad. Chelsea Light Moving es el más reciente, y es afortunadamente malo. Aunque contiene la energía de un Thurston mucho más joven; el álbum se detiene en formas demasiado cuidadas. No hay errores, no hay juventud (aunque se pretende). Aún así, el caos exige su propia configuración, y respira con cierta impaciencia por momentos — segundos de “Alighted”, principalmente. Fuera de eso, las composiciones suenan bastante cómodas y pulidas, eso está bien para cualquiera, pero no para Thurston. Cuando un álbum que añora desastre, se nos muestra limpio y sin restos de leche, como niño que llega temprano a la primaria; no podemos hacer más que añorar lo que hubiera sido de aquel álbum si la venganza o la fortuita descomposición de las emociones hubieran hecho bien su trabajo. Con Chelsea Light Moving, nunca lo sabremos.

LUIS ARCE

MARTIN THULIN
I Rather Be Transparent than a Shadow in the Dark
Independiente

PHOENIX
Bankrupt!
Glassnote / Loyauté

No me sé la historia por la que llegaron al título de su nuevo CD (una historia, de seguro, ingeniosa y llena de ironía). Tampoco sé cómo decidieron hacer esa portada que está más asquerosa que un plato de guácara. Pero podemos apostar a que es una forma nueva de mamar verga. Phoenix no está en bancarrota: todos los arreglos suenan trabajados a lo largo de sesiones interminables, con equipo más caro que el Producto Interno Bruto de varias naciones africanas. Los nenes jugaron como quisieron en el estudio, pero se les olvidó un detalle: escribir canciones. Estas rolas están más aguadas que una chichi de monja. El hecho de que suenen tan producidas lo vuelve aún más patético.

INFANTA SINALEFA

BENOÎT PIOULARD
Hymnal
Kranky

En menos de una semana me vi envuelto en diferentes discusiones con músicos en las que debatimos sobre la ambivalencia del término “experimental” aplicado a la música. Al final ¿no se espera acaso que cualquiera que grabe un disco “experimente” al hacerlo, incluso si se trata de un disco de canciones pop? ¿No les ha a cansado —a quienes lo hacen— usar la palabreja para denotar el esnobismo que impera en sus supuestos gustos musicales? En medio de esto, encuentro el nuevo disco de Benoît Pioulard, un álbum que entreteje grabaciones de campo, musicalidad, ruido y lírica para crear un laberíntico recoveco de fragilidad taciturna en el que el autor se permite experimentar lo mismo para crear canciones que atmósferas abstractas En una época en que cualquiera puede llenarse el buche gratuitamente haciendo torpes malabares con términos como “música experimental”, “noise”, “de vanguardia”, etcétera, inteligencias musicales de orden superior como las de Pioulard están ahí, para recordarnos de qué se trata el crear un gran disco.

RAFA VILLEGAS

WRAETLIC
Wraetlic
Convex Industries

FOXYGEN
Take The Kids Off Broadway
Jagjaguwar

Para los fanáticos del glam rock, que a lo largo de los años se han visto burlados hasta por el mismo Bowie, quien decía que dicha música era sólo rock con pintalabios: aquí les tenemos un disco que les hará una lucecita en el corazón. Se trata del nuevo de Foxygen, dúo de orates que, no habiendo concluido aún su etapa de tejerse puñetas estudiantiles, ya estaba armando sus entramados sónicos en tremendos epés que hacían lo suyo en las redes sociales y en los medios especializados para flacuchos con lentes de pasta. Y como no sólo de glitter vive el hombre, en esta ocasión nos premian con psicodelia, blues y demás musiqueos, justo para los que esperaban un disco de MGMT divertido, o los que pensaban que Tame Impala están bien pinchelocazoswey.

ANTONIO LEÓN

MARÍA Y JOSÉ
Club Negro
Independiente

LORELLE MEETS THE OBSOLETE
Corruptible Faces
Captcha Records

LMTO se entiende, como grupo, en relación a la armonía que provoca escribir una canción. Ideas contagiosas, y el peligro de siempre estar tocando el límite donde lo planteado se hace inteligible. Esa clase de riesgos ya no se toman muy a menudo. Pero Lorena Quintanilla y Alberto González, sólo conocen ese territorio. Allí donde la psicodelia y el dream pop ensucian unos zapatos shoegazer. Ya sea porque las canciones suceden en el azar, como sucede una guitarra cuando se pisan distintos pedales, o simplemente porque su música es una conversación entre dos, que acaso permite la inclusión de otro . Así funciona Corruptible..., una habitación propia para el sonido, la banda y la armonía nebulosa que rodea sus cabezas. Verdaderamente, uno de los discos más valiosos del año.

LUIS ARCE

SALLY SHAPIRO
Somewhere Else
Paper Bag Records

Esta cosa del Italodisco nos la dejaron en la mesa, pero no nos indicaron la manera de abordarla. Por suerte, algunos de los que vinimos a la fiesta tenemos cierto pedigree treintañero y recordamos los comerciales de los Edoardo’s Jeans de colores ultra juveniles, los cantantes jotitos de la España post Franco y sabemos que todo es cuestión de actitud y mucho refresco de fresa con thinner. Dicho lo anterior, puedo hablar del nuevo disco de Sally Shapiro como quien recomienda una fiesta en la que el cansancio viene de hacer pasitos de baile modernos, como aquel que emulaba el momento de aguantarse las ganas de hacer pipí sin salirse del diámetro de un ladrillo.

ANTONIO LEÓN

@creatorsproject

Snoop Lion hace equipo con Drake y su hija, la estrella en ascenso Cori B, para transmitir un mensaje de paz a través de su último video, "No Guns Allowed".

Dirigido por Jessy Terrero, el video transmite un mensaje conmovedor de no violencia a raíz de diversas tragedias nacionales. "No Guns Allowed" es el sencillo más reciente de REINCARNATED, el siguiente álbum de Snoop Lion, el cual tiene influencias de reggae y dancehall, y estará a la venta a partir del 23 de abril de 2013. El disco cuenta con el trabajo de Diplo como productor ejecutivo y del equipo de producción de Major Lazer, y saldrá de la mano de Berhane Sound System, Mad Decent, VICE Music y RCA Records.

Da click aquí para más información.

"Es una canción poderosa y espero que podamos transmitir un mensaje positivo que llegue a la gente", asegura Snoop Lion. "Hemos presenciado muchas muertes relacionadas con armas y buscamos evitar la siguiente. De eso se trata esto, de generar conciencia, amor y paz".

"No Guns Allowed" está disponible en iTunes y es la "gratificación instantánea" cuando apartas tu copia de REINCARNATED. El álbum cuenta con las participaciones de Drake, Chris Brown, T.I., Busta Rhymes, Akon, la cantante inglesa Rita Ora, y los artistas de dancehall Popcaan y Mavado, entre otros. El álbum también incluye el himno de paz "Lighters Up", así como la alegre "Here Comes The King".

El documental REINCARNATED narra el despertar espiritual de Snoop Lion a raíz de un viaje que hizo a Jamaica, en el que Snoop experimentó una profunda conexión. El Huffington Post describió el documental como: "Una película increiblemente íntima que captura a una persona singular y encantadora mientras examina su vida y sus logros, y forja un nuevo camino más consistente con el hombre en el que se ha convertido– un hombre de paz, positivo y espiritual".

¡Pide el documental en tu ciudad!

Aparta una copia del documental a través de Amazon o cómpralo a partir del 16 de abril en iTunes. Además, el documental también estará disponible en Xbox, Playstation y Vudu, con planes de llegar a Netflix el 15 de mayo.

También ve: 

"Lighters Up"

"Here Comes the King"

"La la la"

Reincarnated: Tráiler oficial del documental

Beso Negro, Soledad / El Imperial / $100

Haciendo equipo con el director Ian Pons Jewell y su equipo en los Estudios Murmur, Landshapes lanza su nuevo video para "In Limbo". Antes conocida como "Luna and the Lampshades", "In Limbo" se desprende de Rambutan, su álbum debut que estará a la vente en junio a través de Bella Union.

DProsper saltó a la fama en 1994 al ser uno de los artistas de la palabra hablada más jóvenes que han participado en la Competencia de Poesía Nacional de Estados Unidos. Su interés en la prosa desencadenó su amor por el hip-hop, así que dejó su hogar en Providence, Rhode Island, y decidió mudarse a Nueva York en busca de una carrera en la industria de la música. Trabajó en algunos discos esenciales como Miseducation of Lauryn Hill, al mismo tiempo que conseguía trabajos secundarios como rapero a finales de los 90 y principios del 2000. Lanzó una serie de sencillos y trabajó en el disco Black on Both Sides, de Mos Def, y con Cappadonna y Ghostface del colectivo Theodore Unit. Desde entonces ha decidido "apostar a su propio caballo" y enfocarse exclusivamente en hacer su música. El año pasado sorprendió a todos en la red con su lanzamiento estelar #ATOM12.12.12, el cual tiene artistas invitados como Jay Electronica, y su sonido recuerda al boom-bap de los 90, cargado con letras con tintes políticos que parecen sacadas de los encabezados de los periódicos.

VICE está feliz de estrenar el trabajo que sigue a #ATOM 12.12.12–el cortometraje dirigido por Romulo Sans, Children of ATOM. El video inicia con una serie de noticias sobre el reciente aumento de apuñalamientos, asesinatos y ataques en contra de los musulmanes en los Estados Unidos. Cuenta con imágenes impactantes que te hacen reflexionar, como la de una mujer en un nicab de diseñador agitando una cadena y una navaja. El trabajo de cámara a través de los angostos corredores y los callejones de Brooklyn causan una sensación de claustrofobia. A la par con el feminismo y las vigilantes en nicab, todo el video se vuelve un poco surreal. Children of ATOM plantea una fuerte crítica al orientalismo, pero ni yo o Edward Said, podríamos explicarlo bien. Para llegar al fondo de la trama del video, fue directamente con la fuente y platiqué con DProsper, un tipo que no tiene pelos en la lengua.

VICE: Antes que nada, ¿por qué hacer que el Islam y los musulmanes sean los temas principales de tu video?
DProsper: Mi familia es musulmana y muchas de las personas con las que crecí también lo son. Hoy en día, "terrorista" debería de ser la nueva palabra para "nigga" (negro). En Estados Unidos quieren que estés asustado por algo. Siempre es el miedo. Es de lo que se trata todo, es como comprar cosas. Algo como: "Voy a comprar un arma porque tengo miedo" o "Voy a contratar un sistema de alarma para mi casa porque estoy asustado". El miedo es una forma de comercializar y manipular las mentes.

¿De qué se trata la escena del personaje árabe en la tienda?
La llamada telefónica del personaje árabe en la tienda es la vibración del amor. Después hay una escena con la mujer de la burka donde se ve la palabra Love. El objetivo de ATOM es el de traer de vuelta el amor.

¿Es similar a la intención detrás de #ATOM 12.12.12?
Children of ATOM es diferente a #ATOM 12.12.12, ya que 12.12.12 es más feroz, algo así como la era dorada del rap mezclada con contenido del 2013. Pero todo esto es parte de la serie ATOM, y ATOM se remonta a los orígenes. Se llama Children of ATOM porque las personas son personas. Todos somos uno.

Mencionas la era dorada del rap, ¿cómo ha cambiado el hip-hop desde que comenzaste a trabajar con gente como Lauryn Hill y Masta Ace a la fecha?
He visto muchas cosas cambiar. El negocio dejó de ser un gran elefante y se convirtio en un pequeño poodle. La tecnología ha comenzado a patear culos. La manera en la que está diseñada es casi como apostar a los caballos, y puedes apostar al tuyo. El hip-hop hoy en día es una "corporacioncracia". He visto como funciona. Pero también veo que la contracultura está a la alza.

En Estados Unidos es diferente que en cualquier otro lugar. Puede ser hip-hop marroquí, cubano o paquistaní, pero mantiene la misma energía. Como lo veo, el hip-hop se usa en Estados Unidos de una manera totalmente a como es usado en Siria. El hip-hop en Siria es serio. En Estados Unidos es muy... ya sabes... elecciones pobres. La gente toma malas decisiones cuando consigue un momento en el reflector.

@basimbtw

Esto no es una recopilación de temas de artistas que estarán este año en el Primavera Sound, en España. Me parece que es una buena (aunque un poco corta, perdón) panorámica de algunas de las cosas que me gustan mucho de la edición de este año: ese acercamiento a la música africana, la visita de Rodríguez, ¡que Solange vaya a pisar el Fórum! y que aparezca un tema de Goat. Creo que su disco es mi favorito del 2012. 

Foxygen "Oh Yeah"

Solange "Lovers in the parking lot"

Glass candy "Geto Boys"

Goat "Goatman"

Orchestre Poly Rythmo De Cotounu "Malin Kpon O"

Mulatu Astatke "Emnete"

Rodríguez "Hate Street Dialogue (Round Table Knights edit)"

Woods "Find Them Empty"

White fence "It Will Never Be"

Dinosaur Jr. "entertainment"

El problema principal con muchas de las listas de “raperos prometedores de este año” es que apestan. Están determinadas por el Caballo de Troya de relaciones públicas, el favoritismo en los medios sociales, y viles apuestas, lo cual aquí en Noisey nos parece inaceptable. En 2013, el hip-hop es tan diverso, divertido e increíble como siempre lo ha sido, y venimos a decirte en quiénes debes invertir tu valioso tiempo este año. Quizá todavía no hayas escuchado sobre algunos de estos artistas, o quizá ya son tus nuevos raperos favoritos, o nombres descartados que quizá debas reconsiderar. Más que una bola de predicciones sobre los artistas que creemos te podrán fascinar este año, se trata de un resumen de las cosas que nos parecen interesantes y extrañas en el mundo del rap.

Un agradecimiento especial para Davey Boy Smith de Southern Hospitality y Frances Capell de Real Gold Plated por toda su ayuda en la compilación y redacción de esta lista, así como a Meaghan Garvey por contribuir con el arte, y a Martin Spasov por rifarse con el bomberazo.

100s

Desde Berkeley llegó 100s con el segundo aire del rap en la Costa Oeste para presentarnos su disco debut Ice Cold Perm, el cual nos parece más impresionante entre más lo escuchamos. Líneas como: “Bitch I’m finna slide through/ Fix a nigga Thai food”, y “I’m sippin’ on yak/ Not textin’ hoes back”, sus canciones son más frías que su impecable y helado peinado. Acompañado de la elegante producción de Joe Wax, logra emitir esos sonidos tan emblemáticamente californianos sin sonar cursi ni viejo. Como alguien que entró al mundo del rap escuchando Snoop Dogg y Too $hort, me da gusto ver a alguien joven y talentoso poner manos a la obra. Además, al fin podré dejar a Danny Brown en paz para concentrarme en esta nueva obsesión. —Frances Capell

ANTWON

Si el rap fuera una película de John Hughes, Antwon sería el güey del lado equivocado de las vías con una playera de Pantera e intentando robarse la virginidad de Molly Ringwald. Esa voz fuerte y profunda, con inclinaciones oscuras, hace que sus canciones sean ideales para una de esas fiestas caseras en las que las cosas se rompen y las chicas se desnudan. En su último mixtape, In Dark Denim, rapea abiertamente sobre el sexo y rockear con un teléfono Motorola descompuesto con beats que parecen la música distorsionada de una caja de viejas cintas VHS. El rapero de 26 años empezó su carrera en banda punk y acabo de descubrir que todavía vive con su mamá, pero de alguna forma extraña, eso hace que su valemadrismo sea aún más real. ¿Qué no es eso lo que implica ser hardcore? —FC

BEAT KING

El rapero y productor de Houston, ese acérrimo barítono, abre U Ain't Bout That Life con: "It's Beat King Strip Club Kong, got yo bitch naked in my muh'fuckin phone". Acentuado con adlibs que surgen de profundidades desconocidas del diafragma, tu boca y tus ojos no pueden más que abrirse y humedecerse antes de que ese monstruoso bajo entre en acción y te tire al suelo. Es parte del rap más intenso y dramático que se esté produciendo. Sin embargo, parte central del éxito y brillo de este autoproclamado Dios del Club, es su lado Larry David. Es un mejor usuario de internet que muchos raperos, y esto le ha permitido crear su propio método para comentar en redes sociales en tiempo real, una estrategia que involucra esperar a que algo estúpido suceda para hacer un poco de freestyle sobre eso. Y su mafia de linchadores en línea, #TeamChoppers, dan vida a un deporte brutal que por lo general termina con la víctima borrando su Twitter. El hecho de que los instrumentos de Beat King suenen a Felix Baumgartner y hayan sido adoptados por los "EDM Trap" —fóbicos DJs electrónicos europeos amantes del rap como alternativa para conocedores— sólo quiere decir que cuando por fin salga de Texas este año, el mundo lo estará siguiendo de cerca. —Davey Boy Smith

DENIRO FARRAR

Carolina del Norte no es un estado conocido por su escena rap. Está J. Cole, quien realmente no cuenta, y Little Brother, que realmente no existe. Pero hay un tercer camino. Igual que el capitalismo tardío de Tony Blair y Bill Clinton, Carolina  del Norte y el internet han ayudado a producir a Deniro Farrar, uno de los pocos raperos que están en la cuadra y en la nube. Lo que implica que Farrar es de lo más rudo que hay, a pesar de hablar con esos ritmos afelpados de productores como Ryan Hemsworth, Keyboard Kid, Friendzone y Flosstradamus, para crear un ambiente que contribuye a la gravedad de sus versos. Cuando entrevisté a Farrar hace un par de meses, me hizo saber lo grave de su situación: tiene un hermano que está siendo procesado judicialmente y dos hijos, así que tiene que hacer que las cosas sucedan ya. Actualmente ha publicado tres proyectos esenciales: el EP Kill or Be Killed con Shady Blaze, Cliff of Death con Blue Sky Black Death, y su más reciente prueba como solista, The Patriarch. Ah, y por si no lo sabías, acabó con SXSW. —Drew Millard

 EARL SWEATSHIRT

Está bien, esta es fácil, pero sería un descuido de nuestra parte no incluir a Earl en la lista. Después del mundo salvaje, el regreso de Thebe al rap ha sido limitado pero exacto: un verso bien ejecutado por aquí, un solo desgarrador por acá, para culminar en el reciente "WHOA", que combina ese juego de palabras sin igual de Earl con su nuevo compromiso: no rapear sobre cosas increíblemente horribles. Flying Lotus ha sido su DJ últimamente, y por lo que hemos visto su próximo álbum, Doris, será algo explosivo: se rumora que colaborarán The Neptunes, Alchemist, Thundercat, RZA (al parecer), así como la clásica pandilla de Odd Future. Aún así, es importante recordar que Earl se sigue desarrollando como rapero y adulto, y es posible que traiga equilibrio a la Fuerza (o al rap, como quieras llamarlo), lo más que podemos pedir de él es que siga aprovechando su bendición. Sin embargo, como muestra este video en vivo, el nuevo trabajo de Earl está cabrón, y Mac Miller lo hace bastante bien. —DM

Da click para la segunda parte.

PARTE 2

IAMSU!

En este punto se te hace familiar Iamsu! de Richmond, California, incluso cuando no te das cuenta de ello. Si aún no te atrapa el proyecto de Miilion Dollar Afro con Comptom’s Problem o si no has escuchado críticamente su aclamado trabajo Kilt y $uzy 6 $peed (nota: un hombre rapero que se llama Suzy es algo que definitivamente podemos olvidar) tendrás que, por lo menos, haber escuchado algunas de sus producciones o colaboraciones con Wiz Khalifa, 50 Cent y E-40. Con cada lanzamiento que Su dirige se logra fluidez y sus melodías mejoran y se multiplican exponencialmente, inmediatamente provocando  esa risa que viene del fondo del corazón y pone los pelos de punta. También puede hacer increíble rap de estadio. Como si esto no fuera suficiente, con el próximo lanzamiento de Kilt 2 para finales de este año veremos elevarse al hombre conocido como Sudán Williams a la posición del rapero más joven de DBS.

ISSUE

Issue es el hijo más joven de E-40, pero eso no es lo que nos importa de él. Además de la colaboración especial con el hermano menor de Droop-E, su música no se asemeja con la de su padre. El carisma de un preparatoriano con una fascinación por Daft Punk, carros extranjeros y el té Arizona frío recae en su particular modo de expresarse, sin embargo el producto final podría ser pretencioso. En el lapso de alguna rola entra en múltiples personajes y tiene una conversación consigo mismo, o rompe una melodía desafinada que resulta una genialidad. En el nuevo sencillo “Greedhead” esconde su cara detrás de una máscara de luchador, pero pone su alma en cada canción. Cuando lo entrevisté hace unos meses, él me dijo que su animal espiritual era un unicornio porque estaba destinado a convertirse en una leyenda. Parece que así será –Frances Capell.

KEVIN GATES

Te puedes considerar bendecido por la reciente ola de Baton Rouge, Louisiana, liderada por Kevin Gates, el rapero actual más grandioso. Jeff Weiss ha estado cubriendo a Gates fuera de Louisiana donde había saltado a la fama después de potencial éxito de “Satellites” en la Nationwide  Radio. Todo esto en cuatro años de duro trabajo que terminó con una canción con el mismísimo Dios. Gates prosiguió a robarse el show  de Pusha T’s unos días antes de que saliera el asombroso álbum The Luca Brasi Story (el lanzamiento más maduro que ha tenido hasta ahora) el cual pegó en la conciencia rapera para hacer unas muy buenas comparaciones entre Future y Drake por tener un estilo apasionado. De hecho me atrevo a decir que sus himnos son tan pinches pegajosos que se te quedan en la cabeza todo el día, causando que el pecho te palpite, que te salgan lágrimas cual pendejo y que de plano no te queda la menor duda de que Gates va a escalar nuevas alturas.

METRO ZU

Metro  Zu no son tanto una banda de rap sino un fenómeno al acecho, infectando hasta los rincones más recónditos del Internet. Este equipo medio raro consiste en el productor Poshstronaut, el artista visual Freebase, el rapero Ruben Slikk y su hermano Lofty305, cada uno hace un poco de todo. Metro Zu es un golpe de éxtasis; una terapia artística en polvo de ángel, es como una caricatura de Nickelodeon no apta para menores de edad. Ellos hacen cosas como pintar Lamborghinis en shows de arte, así como diciendo “Jizz Boss”. En cuanto a originalidad estos tipos están ganando el juego, nunca hay un día enque un miembro de grupo no saque una pista o canción nueva.

PINK DOLLAZ

Algunos artistas como como Inglewood's Pink Dollaz paseaban por 2009 con generosísimos e imperfectos himnos de 96kbps, como “Lapdance” y “I'm Tasty”, antes de lanzar el Pink Dollaz Mixtape Vol. 1. Nilla, Cammy la B, Cee Cee y Reese (ahora un grupo de cuatro personas) se juntaron con Iggy Azalea y Ty$ y sacaron D R.U.G.$, un impresionante disco con himnos tropicales. Ahora están a un sencillo de tener el estilo-Boyz. No es solamente que Dollaz Pink sea uno de los grupos de mujeres más chingones sobre el horizonte de la música, es solamente que ellas son una de las bandas jóvenes más apasionantes en Estados Unidos.

Espera la parte 3