Los 8 artistas más transgresores de la Bienal de Venecia
57 Bienal de Venecia

Los 8 artistas más transgresores de la Bienal de Venecia

Seleccionamos a 8 artistas nuevos que varían de Kosovo a China para representar una nueva ola de arte mundial.
22.8.17

Cada dos años, la Bienal de Venecia pone el escenario para arte investigativo que representa la actual condición humana, tratando temas de identidad, nacionalidad y libertad. Establecida en 1895, la bienal invita artistas de todo el mundo a compartir su trabajo en el escenario global. Los 120 artistas son invitados a representarse a sí mismos, sus países, su estética y política personal a una audiencia de alrededor de 500,000 visitantes en el curso de 6 meses.

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Desde su nacimiento, la bienal ha servido como un catalizador de la reputación para los artistas, catapultando a algunos en la fama y a otros en la controversia. Dice la curadora y directora de la edición de este año, Christine Marcel: "El papel, la voz y responsabilidad de los artistas son más cruciales que nunca antes, teniendo en cuenta los debates contemporáneos. Es en y a través de estas iniciativas individuales que el mundo de mañana toma forma".

Creators visitó la Bienal de Venecia número 57 para conocer a los artistas más jóvenes de la exhibición. Aquí, seleccionamos 8 promesas que se extienden por diversas disciplinas, medios, temáticas y locaciones geográficas.

Queríamos conocer más sobre sus provocaciones, inspiraciones y lo que significa hacer arte específicamente con la bienal en la mente.

Guan Xiao, Beijing, China

Guan Xiao ve su rol como constructora y espectadora en encontrar contenido online y crear un nuevo lenguaje visual. Preocupada por las maneras de conseguir expresión, la artista de video y escultora revisa el internet para encontrar imágenes y sonidos con los que ella hace collages de video. En su pieza de video en tres canales, David, Xiao junta material descargable desde YouTube para explorar la icónica escultura renacentista de Miguel Ángel. La mayoría del material con el que trabajó son videos hechos por turistas que estaban más preocupados con documentar su peregrinaje artístico que tener alguna entrada cultural al significado de la escultura. Xiao dice: "Vemos con nuestros ojos, pero de hecho esto no es lo más importante. Lo que es importante es que estamos usando todos nuestros sentidos para recordar. Decidí juntar todos estos videos 'inservibles' para hacer mi obra". El video de Xiao toma una ambivalencia en el tono conforme la artista canta sobre un montaje en video en el que la estatua de David existe en el contexto de hoy, desde comerciales de televisión hasta su estatus de celebridad. Su letra juguetonamente se pregunta por la memoria cultural colectiva: "No sabemos cómo ver (David)… Sólo grabando, pero no recordando…"

Pauline Curnier Jardin, Marsella, Francia

Cuando uno entra al mundo cavernoso de Pauline Curnier Jardin en su película , Grotta Profunda, Approfundita, uno pasa por una grotesca y expuesta mano a un cuarto oscuro. La película de tonos rojos está levemente basada en Bernadette Soubirous, una figura católica que tuvo visiones de la Virgen María en una cueva en los Pirineos Franceses. Sin embargo, la versión de Jardin destila una experiencia sobre un despertar erótico, un regreso a nuestros instintos animales y venera el desnudo femenino. La experiencia es aumentada por el cuarto tipo placenta que Jardin diseñó con granulados infantiles que permite a los espectadores sentarse o acostarse en el piso con facilidad para considerar la celebración del cuerpo femenino.

De su instalación, Jardin dice: "Me meto a una investigación sobre una cueva en un su sentido polisémico y polimórfico". La película de Jardin se inspira por la psicodélica estética del porno de los 70, específicamente Behind the Green Door, y el título está levemente basado en Garganta Profunda. Ella dice, "La película se llama Grotta Profunda porque garganta profunda en francés es gorge profonde así que también me estaba burlando de esta película que sabemos problemática , cuando vemos cómo la pornografía está jugando con la subjetividad y objetización de la mujer". El cuarto-vientre de Jardin tiene como fin elevar muchas particularidades del cuerpo femenino y recordarnos de su capacidad de contener sabiduría por a través de los años.

Petrit Halilaj, República de Kosovo

Dentro del centro del edificio Arsenale, esculturas de polillas de tela se esconden en las vigas, y llenan el espacio de exhibición del artista Petrit Halilaj, titulada, ¿¡Te das cuenta de que hay un arcoíris aunque sea de noche!? Las estructuras de polillas, hechas a mano por Halilaj y su madre, de tapetes qilim tradicionales de Kosovo, brincan entre objetos colgados en una pared y disfraces que el artista usa durante perfomances poéticos en vivo. Las polillas de Halilaj personifican la sorprendente capacidad de expresión personal, reconocimiento de su propia sexualidad y el baile simbólico entre uno mismo y la sociedad. "Puedo entrar y el cuerpo desaparece convirtiéndose en un insecto. Así que con esta idea de esconderse y convertirse en insecto, yo escapo a otra época para hablar y confesar sobre algo que todavía es demasiado complicado", el artista cuenta a Creators. Las instalaciones autobiográficas de Halilaj abarcan el peso del exilio, guerra y territorio abandonado – cuando tenía 12 años, su familia huyó de la Guerra de Kosovo para irse a un campamento de refugiados en Albania. Saca su inspiración de la naturaleza animal para traducir emociones catárticas. Él dice: "Intento soñar algo fuera de lo verbal, un diferente tipo de lenguaje añadido a mi cuerpo. Este es el primer disfraz o escultura performativa que tiene diferentes capas sacadas de historia, cultura y naturaleza personal".

Taus Makhacheva, Moscú, Rusia

En la video instalación de Taus Makhacheva, Tightrope (2015), un caminador de cuerda floja se balancea en la vida real entre dos precipicios, cargando una colección entera de arte moderno de un lado a otro. El atrevido acto simboliza nuestra fascinación moderna por categorizar y archivar colecciones de arte. El proyecto, realizado en colaboración con el Museo de Daguestán, usa 61 obras de arte de la bodega del museo para mostrar la fina línea entre valorar el legado local y la comunidad, entrando a una narrativa global más grande. Makhacheva quiere que nos preguntemos por las estrategias que tienen los museos contemporáneos occidentales sobre las comunidades locales y lo que le pasa al arte del pasado (pre y post era soviética en este caso).

Hay unas pinturas de la Guerra del Cáucaso junto a realismo socialista. En el puente, somos dejados con la problemática de resolver nuestras propias culturas y su representación. Makhacheva enfrenta las tensiones entre tradición y modernidad, local y global. Ella dice: "Está esta idea de balancearte cuando estás envuelta en la producción cultural, balanceando con la sobrevivencia y balancearte en creer que tu obra entrará a la historia. Para mí, fue una manera sobre cómo uno puede hacer cierto tipo de historia del arte visible".

Mariechen Danz, Dublín, Irlanda

Es difícil decir qué es lo primero que atrapa tu ojo en el cuarto de exploración de Mariechen Danz, Ore Oral Orientation: un flujo espiritual de música en un panel de video que te hace señas en trajes de lodo venecianos y tres esculturas anatómicas que le dan una entrada al cuerpo humano. Junto a las paredes hay mapas de Babilonia a través del siglo XX, dando el sentido de un viaje por la historia. Danz dice, "Quería hacer un mapa donde pudiéramos hablar sobre cómo hacer preguntas sobre el acceso al conocimiento y específicamente a imágenes científicas, mapas y anatomía". Algo sorprendente sobre el sentido de tiempo e historia que la artista ha compuesto es que se siente tanto antiguo como futurista. Danz atrapa nuestra atención por suficiente tiempo para reflexionar y atacar el potencial de significados a través de símbolos, estructuras, y las letras de una canción que muestra conocimiento sobre el razonamiento occidental. En su instalación, pensamos sobre el cambio climático, el poder del lenguaje escrito y la capacidad del cuerpo humano no obstante la calamidad, todo esto siendo llevado por canciones, mapas y el cuerpo mismo.

Thu Van Tran, París, Francia

Thu Van Tran nació en Vietnam y creció en Francia después de ser recibida en un campamento de refugiados con su familia. Brincando entre dos culturas, la artista explora temas de identidad, lenguaje, historia y represión política en sus obras de arte conceptuales. Para la bienal, el espacio de Tran es manchado con una paleta de color pastel, con pigmentos químicos y de caucho, para preguntarse el rol de la producción de caucho en el Vietnam colonial.

En las cuatro obras escultóricas de la artista, el árbol de caucho simboliza el abuso de poder, mano de obra barata y los materiales crudos asociados con seis décadas de colonialismo francés en Vietnam. En una esquina, una película de 16mm se reproduce como una proyección, resaltando los movimientos repetitivos hechos por los trabajadores extrayendo caucho de los árboles de hevea. El título de su película (en Español), 'Gestos demasiado forzados, de la cosecha a la pelea,' habla sobre la política y el represivo aire del periodo. Tran dice, "En francés, tenemos este cuasi anagrama que es de recolte, una revuelta que significa de cierta manera cosechar así que ese fue el puente a todos esos materiales históricos, trayéndolos a la luz". Los tres fotogramas conocidos como En la caída, en el levantamiento fueron hechos por medio de capturar las impresiones de plantas tropicales, incluyendo hojas de árbol de hevea sobre papel Fuji-flex. La artista dice que la instalación entera tiene como fin ser una narración poética de "historia pero petrificada en una forma escultural que deja una dimensión más soñadora y honorífica".

Hao Liang, Beijing, China

Fusionando pintura tradicional con tinta china y narrativas surreales, Hao Liang pinta directamente sobre seda para reflexionar sobre el pasado y el futuro. De cierta manera, suspende el tiempo. La estética del artista está influenciada por obras maestras de la dinastía Song, la cual se puede trazar hasta 960 a.C.

Mientras estaba en la escuela de arte, Liang encontró que las formas de arte chinas académicas han tenido problemáticas por evolucionar debido a las reformas políticas de la Revolución Cultural. Para la bienal, Liang exhibe paisajes de la provincia Hunan en su propia versión de lo icónico y tradicional, titulado: Ocho Perspectivas de Xiaoxiang. Más seguido, estas escenas pictóricas combinan escritos poéticos para obtener un cierto tipo de iluminación. Las pinturas muestran una manera única de ver el mundo construida a través de los valores y perspectiva del artista, usualmente a través de profundo simbolismo. El artista dice: "Me interesa el tema de la pintura asiática del este, ' Ocho perspectivas de Xiaoxiang'. En mi investigación a largo plazo, el tema de lo antiguo se envuelve con el conocimiento presente, percepciones y geografía". Liang contemporiza sus pinturas y la tradición por medio de ideas de autores modernos fuera de China como Kafka, Borges e Italo Calvino. Él cuenta a Creators: "Mi trabajo está basado en las antiguas tradiciones chinas, buscando un camino a la contemporaniedad en la cultura china".

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