De DJ a productor en 10 lecciones
Foto tomada de altamont.pt

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De DJ a productor en 10 lecciones

Diez lecciones de Floating Points sobre cómo cambiar la cabina del DJ por el puesto de compositor.

Es posible hablar con Sam Shepherd sobre casi todo. El artista ubicado en Londres, conocido por el mundo como Floating Points, es un erudito profesor universitario, lo cual no es una sorpresa al ver que él ha invertido los últimos 3 años en adquirir un doctorado en (sorprendentemente) neurociencia.

Así es, él es el doctor Floating Points para ti.

La amplitud de Shepherd como musicólogo es amplia y profunda, variando desde un anticuado soul, un jazz modular hasta rock progresivo; de igual manera el señala en sus influencias en el club-world a Theo Parrish, quien compartió con Shepherd un largo tiempo en la ex residencia de la institución de Londres, Plastic Pélope. Y solo es cuestión de tiempo hasta que empiece en la confusa construcción de su nuevo estudio o el armonógrafo que construyó en el estudio para sus más recientes sencillos. Shepherd es alguien que no sólo ama aprender, también le gusta aprender de los otros, explorando la temática desde todos los ángulos posibles, como cualquier científico haría.

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Esta afición a los detalles aplicada a la música de Shepherd también a su más reciente y largamente esperado álbum debut Elaenia, el cual no publicó en Eglo (el sello discográfico que él maneja con el ex veterano de RinseFM, Alexander Nut) sino en el sello de David Byrnes, Luaka Bop. Apenas un mes después de su publicación oficial, es ahora uno de los lanzamientos más reseñados, y controversiales del año. A través de sus siete pistas nos vemos inmersos en una autopista casi interminable de instrumentación absorbente, de la mano de los pianos de Rhodes Chroma y los sintetizadores de Bunchla, hasta los vibráfonos, flautas, baterias en vivo e incluso una pizca de coros. El álbum junta las voces de los artistas invitados Rahael Debebe-Dessalenge y Layla Rutherford en "Silhouettes", todo con la misma maníaca intención a los detalles que lo obsesionaron con cada uno de sus 12 lanzamientos

Pero mientras sus anteriores regalos al mundo (como Nuit Sonores en el 2014 y el impactante King Bromeliad o Shadows en el 2011) pueden creativamente trabajar en la pista de baile cuando se retiró en el momento adecuado, su debut "oficial" más escuchado, el cual fue arreglado y grabado a través del curso de tres años, llevó a Shepherd de la cabina de DJ hacia un nuevo espacio; el de compositor.

En muchas maneras Elaenia se siente como si Shepherd re-imaginará el clásico jazz experimental, álbumes como el obligado de Miles Davis Bitches Brew, el cual paso de los sonidos del jazz tradicional, fusión heavy y estilo de improvisación o el Headhunters de Herbie Hancocks, quien también colabora en gran medida con los sintetizadores de ARP Odyssey y el piano eléctrico de Rhodes. Incluso puedes escuchar la influencia del clásico Sun Ra, como su álbum _Strange Celestial Road, _el cual_ samplea_ en su sencillo del 2009, "For You"

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Al igual que estos álbumes, Elaenia fue creado en gran medida de forma improvisada. Este álbum es nombrado como un ave, y sus siete pistas progresan como entidades vivas expandiéndose, desplazándose, agilizándose, ralentizándose y descomponiéndose hasta que no queda nada más que la débil pizca de ruido blanco. Algunas veces las pistas se sienten cálidas y difusas en nuestros oídos, otras veces la tensión te lanza ligeramente, pero como la naturaleza en sí, es una experiencia multifacética y cambiante. En "Elaenia" y "Nespole" Shepherd experimenta como un hombre detrás del trío de Pianos Rhodes y los sintetizadores de Odyssey; en "Argente" y "Thin Air" enlista esos pianos electrónicos y tradicionales contra la paleta de marimba y una atrapante batería.

Siguiendo el lanzamiento del álbum, Shepherd finalmente dio en el clavo este otoño con una orquesta de 11 piezas que incluye músicos en la flauta, bajo, guitarra, violines, cellos, saxofones, trombones, batería y más. En contraste con la casi siempre solitaria vida del DJ, Shepherd incurre en una atmósfera viva, es un asunto familiar compuesto de amigos de toda la vida y colaboradores- tales como el guitarrista Dave Okumu de la banda de rock del sureste de Londres The Invisible, quien Shepherd remezcló majestuosamente en el 2012. (El baterista de The Invisible Leo Taylor tiene un papel grabando este álbum)

Shepherd continuamente hace hincapié en el talento de improvisación de cada uno de sus músicos en su ensamble en vivo quienes a su vez se retroalimentan de otros detalles. Otros invitados de renombre incluyen al flautista Renate Sokolovska, los violinistas Phillip Granell y Paloma Deike , la violista Anisa Arslanagic, la chelista Magda Pietraszewska, el saxofonista Shabaka Hutchings, el trombonista Tome George White y el baterista Leo Taylor. Para Shepherd, trabajar con esta gran banda internacional fue la oportunidad de desafiarse a si mismo de una manera que nunca hubiera imaginado antes, incluyendo, pero no limitándose a tensiones, accidentes con el equipo en vivo y dolores de cabeza (problemas de visa incluidos)

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Si tienes la oportunidad de ver a esta banda en vivo durante sus últimos días de gira entre los días del 30 de Octubre al 17 de Noviembre, en Paris, Turin, Nueva York, Utrecht, Leuven y Londres considérate afortunado. Si no es así, tenemos el placer de darte la oportunidad de ver un exclusivo performance en vivo de Floating Points con su tema "Silhouettes (I,II&III) grabado en Nueva York en los estudios de YouTube, con gráficos por parte del equipo creativo de Pablo Barquín y Anna Díaz Ortuño

Adicionalmente, tenemos la oportunidad de ahondar con Shepherd en algunas poderosas lecciones aprendidas mientras grababa y presentaba el álbum, una experiencia que lo llevó a un lugar lejos de producir temas desde una laptop y tocar discos en antros sudorosos. Aquí abajo, Floating Points comparte un poco de su experiencia adquirida mientras experimentaba esta transición. Cualquier artista, músico o no, estará más que agradecido en encontrar algo útil, esperanzador o inspiracional.

10. No siempre necesitas escribir música con la intención de hacer una canción

Mi música nunca se conduce bajo el hecho de que necesito tener algo terminado. Pienso que parte de producir con ese tipo de intención es que estas haciendo música por las razones equivocadas, pero hay otras situaciones donde obtengo el embrión de una idea y tengo que atravesar este proceso para desarrollar la idea. Si no soy capaz de desarrollar ideas o llegar a algún lado, no me preocupo por ello.

He pasado meses y meses completamente desprovistos de ideas y eso es completamente normal. Estoy en el punto en el cual comienzo a sentirme cómodo con el hecho de no tener ideas por un tiempo. Es bastante depresivo cuando haces mezclas y no estas inspirado en hacer nada de música, pero tengo fe en que tendré una idea otra vez algún día. Pienso que tal vez la música es mi objetivo principal, empezare a sentirme diferente si no tengo una idea por un largo tiempo.

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9. Componer música para un conjunto es un proceso mucho más lento que hacer CLUB TRACKS

El proceso por el cual creo (las nuevas producciones) era exactamente el mismo (como mis pasados lanzamientos). Uso las mismas cintas multitrack y los mismos instrumentos y sintetizadores. La única diferencia es que el proceso de composición podría ser un poco diferente (le doy un poco más de tiempo)

Ya que la música para bailar es generalmente más rápida y más visceral, el enfoque de hacerla tiende a ser más inmediato así que hago muisca relativamente más rápido porque es música loop y es repetitiva. La calidad transcendental que obtienes de buenos loops es el tipo de cosa que proporciona belleza a la música dance. Este álbum no esta basado en música loop. Todo está vivo y es un diferente proceso composicional. Casi todo lo que hago empieza conmigo tocando el piano y surgiendo con una melodía o una secuencia de acordes.

8. Tener tu propio estudio cambia todo.

Tener un estudio ahora, con un gran espacio donde puedo experimentar y hacer lo que quiera hacer en él, cambia la forma en la que hago música más que cualquier otra cosa. Cuando no estaba en mi propio estudio, podía jugar con mis sintetizadores y tal vez grabar una guitarra en eso, pero no podía grabar una sección de metales un coro, así que no tenía estas cosas en mis creaciones. Ahora que tengo todo este espacio, puedo explorar esas texturas en mi música. Nunca he estudiado ingeniería en audio así que no se que estoy haciendo en el estudio, pero se que me gusta el sonido. He escuchado muchas grabaciones y pienso "Esto es increíble, me pregunto como sonará cuando este terminado". He probado algunas técnicas y he descubierto lo que suena bien y lo que suena mal.

7. Tocar en vivo es mucho más divertido que estar detrás de una cabina.

Definitivamente es bueno no ser el centro de atención (en el antro). Odio el mundo del DJ más que nada. El DJ debería ser la última persona a la cual deberías ver. Es aburrido. Es decir, ¿Qué están haciendo? Realmente no me gusta cuando estoy mezclando en un club. Es muy incomodo porque siento como la atención (de los asistentes) debería esta en alguien entre la multitud con sus amigos. Es una concentración social en mucha mayor escala, y tal vez (poniendo la atención en el DJ) es la función de una soledad creciente en una sociedad joven. Centrarse en la muisca y en los otros, pensar ¡Quiero estar en la fiesta!

Con esta banda, nosotros hemos completado siete conciertos o algo así, no hemos hecho un mega tour, pero todos en la banda hemos sido amigos por años, salir por ahí con ellos y tocar música juntos es genial. Yo suelo creer que mezclar es una manera distinta de experimentar la música que es grabada e interpretada en conjunto. No estoy diciendo que esto no es una forma de arte por si solo. Yo lo creo, pero tocar en vivo es salvajemente excitante. La adrenalina corre más constantemente y es más excitante. Es una emoción masiva y cada concierto es diferente. He escrito setlist para la banda así que todos sabemos lo que estamos tocando, pero conforme vamos avanzando el espectáculo añadimos distintas cosas. Porque todos en la banda somos competentes y nos sentimos cómodos con la improvisación, ellos están capacitados para hacer cualquier cosa.

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6. Aprende a aceptar el hecho de que algo siempre saldrá mal.

Me gusta ser relajado pero componer puede ser estresante, como el concierto de Brooklyn de la otra semana donde tuvimos que tocar una nueva mezcla por completo para once personas en el escenario. Es una situación súper estresante cuando las puertas se abren y las personas comienzan a entrar. El concierto anterior a este, tuvimos un soundcheck de 20 minutos, y el concierto anterior, el sonido se cortó a la mitad del show. Todo concierto tiene su carga de estrés, y yo les digo a todos "Solo soy parte de esta banda". Es salir al escenario ahora donde no tengo referencias de nadie. Organizar toda esta gente, 16 en total con el staff técnico y el sonido de las personas, logísticamente es una pesadilla. Hicimos un show en Paris y hubo una sección de 10 minutos de saxofón, y todo el mundo solo estaba sentado porque sabían que el audio estaba fuera de lugar.

5. El jazz es el centro de la improvisación

Cuando era joven, Yo creía escuchar en el jazz algo cercano a la música clásica que escuchaba por esos tiempos. Cuando estaba componiendo para mí, recordé a los artistas de jazz usando sus instrumentos más allá del rol de un aparato que reproduce el ruido que alguien más escribió en un papel. El piano sólo toca los puntos como una maquina de escribir. Yo empecé a tocar el piano sin mirar la música que estaba componiendo. La primera cosa que escuche (cuando aprendía a componer) fueron los discos de Bill Evans o Kenny Wheeler. Ellos sólo hacían material hermoso mientras creaban, y creo que esto es la representación de alguna clase de libertad en la composición, y eso es la improvisación inmediata. La idea de que un cuarteto de músicos pueden estar juntos-batería, bajo trompeta y piano- y hacerlo funcionar sin tener idea de lo que podría pasar.

Escucho todas estos tipos diferentes de música y realizo las similitudes en vez de las diferencias que Herbie esta haciendo y Jeff Mills estaba haciendo. Las similitudes son más aparentes para mí y las trato igual esté grabando o en un antro.

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4. Tocar con la banda libera una energía salvaje que muchas veces no aprovechamos por completo.

La última pista en un álbum realmente sólo brota y es divertido de tocar y puedo ver una situación donde la banda en si es más salvaje de lo que usualmente es. El álbum entero es meticuloso y controlado, pero esta última pista sólo se da, y la ejecución de todos es perfecta. Todos simplemente se desconectan. Cuando hacemos presentaciones, nos damos cuenta que este tipo de energía existe en la banda y esto es lo que queremos aprovechar. En el álbum hay una pista llamada "Thin Air" es muy complicada, delicada y meticulosa, y pierde un poco de esa vitalidad. Algo como "Silhouettes" esta completamente descarrilado, y es algo que puedo dejar bajo el control de la banda. Es donde no puedo separarme la grabación de la música; cuando estoy gravando estoy tan integrado con la música en si, que se vuelve parte de la misma.

3. La música tocada por humanos usualmente suena mejor.

Si estas interesado en usar instrumentos acústicos, ten fe en que lo que sea que hagas sonara mejor cuando un ser humano lo este tocando. Puedes escribir partes para un cuarteto de cuerdas fácilmente en un software, encontrar algunos amigos que toquen estos instrumentos y definitivamente sonará muy bien. Cuando lo tocas a través de tu MIDI Keyboard, sonará desalmado. Así que diría que si recomiendo tener fe en que sonará mejor cuando es real. Tengo una regla ahora cuando escribo música no la escucho de nuevo. La toco en el piano y me las arreglo para seguirla. Tienes que imaginarla.

2. La improvisación empieza con una idea, pero este es sólo el comienzo.

Cuando grababa "Silhouettes" en una computadora, justo la mitad de la pista, era sólo un gran archivo de audio, y nada más. Fue la primera toma (la parte uno dos y tres eran la misma cosa). Pensé que era bastante divertido y empecé a aumentar el bajo y la batería a este, y lo grabé todo por mi mismo. Esta iba a ser la versión demo, y luego encontré unos amigos que de hecho podían tocar estos instrumentos.

1. Puedes amar la música espiritual sin empezar a ser religioso.

Algo que encuentro difícil de entender es como puedo estar de lo mas interesado en la música espiritual y de hecho no ser religioso. Este un problema personal. Estaría de acuerdo en explorar espacios y sonidos, el silencio como un sonido propio dentro de la música. La grabación es una parte integral tan importante en la música como la música en si, así que puedo separar la composición de la música. La idea de usar y explorar espacios en una mezcla lleva a quien escucha a un espacio físico. Usando mi música y mi sonido para cambiar la forma de la habitación es una experiencia transcendental por si misma, así que esto es lo mas cercano que estaré de ser espiritual.

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