Cinco artistas argentinos jóvenes, desconocidos y valiosos que debes conocer

¿Esperas figuras icónicas? Los años 90 hace rato que se extinguieron, amigx. Bueno, en lo que respecta a políticas económicas… no. Pero este es un artículo sobre artistas nuevos, jóvenes, que nadie conoce y que tienen gran potencial. Y también es un ejercicio sobre qué significa decir que algo es algo para alguna época determinada. Entonces, permítannos unas ideas antes de ir, como decimos en la pampa, a los bifes. En el caso de que no pinte, pues solo hagan scroll hasta el segundo asterisco y ya: buscar el play.

Los medios de comunicación masivos elaboran sus representaciones que, lógicamente apuntan a ser socializadas, con base en un empleo de fuentes cuya razón de ser está en:

• La convergencia de esas fuentes con los intereses del medio y viceversa.
• El potencial de verosimilitud y credibilidad de la fuente; sea cual sea la medida de estas variables.
• El engarce del discurso promovido por esa fuente en el marco del espíritu de la época.

Planteado lo planteado, queda claro que ahondar en cinco, seis, cien artistas de un país y presentarlos como "las nuevas voces/músicas/X" carece de sentido ya desde su misma naturaleza ¿Quiénes son qué para dar cuenta de cuál realidad?

Entonces, ¿es inútil el trabajo de los medios masivos? ¿Sueñan los periodistas con verdades eléctricas? Sí y no. Prender el televisor o leer el medio más grande de tu país puede equivaler a un eclipse solar en la visión de ciertos pueblos antiguos: un total y oscuro dominio de la confusión. Si los intereses son oscuros, difícilmente sea noble la elaboración íntima del andamiaje que sostiene el sentido de esa pieza periodística: si CNN se dispone a hablar de la crisis en Siria… estimo que sabrán lo que van a recibir. El sentido, amigos, sí es la madre de todas las bombas. Eso que logra que nadie prenda un cigarro en una universidad, pero que habilita tácitamente al acosador para tocar mujeres en un bus.

No obstante, cuando no se pretende establecer una dominación gatillada por intereses, allí es mucho más probable encontrar una intención que no busque serializar el pensamiento: quizás se trate, humildemente, de iluminar un poco. O incluso, en el mejor de los casos —y aquí sí diremos, con timidez, "periodismo"— de ayudar a pensar diferente.

Por tanto, sin otra intención que, humildemente, iluminar, aquí van algunos músicos argentinos que vale la pena difundir.

Julián Desbats es el pulso detrás de Los Rusos Hijos de Puta y en su álbum debut solista Tarado despliega un inesperado don para el cancionero de ruina y podredumbre. Fantásticas letras cantadas desde un vagón olvidado del metro y un despojo sonoro que sólo puede ser completado, triste y maravillosamente, con las desazones propias del que escucha.

"'Tomo lo que encuentro, me siento algo mejor', como dijo Federico Moura".

Noisey: ¿Cómo te inscribes como solista en la escena de tu ciudad?
Julián Desbats: Como el último cantante romántico en pie. Siento mucho el amor, es como una droga que te eleva y otras veces te duele como ninguna. Me gusta contar historias en mi canciones y no mantras repetitivos indies, los cuales también aprecio mucho pero lo cierto es que me gusta más el relato. Que tenga un principio y un fin, que te traslade la lírica. Tal vez algún día me vuelva más abstracto, por decirlo de algún modo; pero hoy, que siempre es hoy, me siento con ganas de vomitar las cosas que me pasan. Si no el corazón te pesa el doble y quiero estar lo más liviano posible.

¿Qué influencias musicales y extramusicales reconoces?
Soy un expedicionario musical. Arranqué en la isla Beatle y hace rato que soy pirata y náufrago. Creo verdaderamente que el arte se divide simplemente en "Me gusta" o "No me gusta" y por eso escucho cualquier género que me seduzca. Sería muy tonto de mi parte perderme el descubrir algo por tener un prejuicio. En este momento estoy escuchando mucha música nueva, sobre todo independiente, porque creo firmemente que la novedad está ahí, por la innovación y el hambre con que se crea esta música. Las influencias extramusicales van desde películas, libros hasta un chat en Facebook, así que es como un recurso infinito. Tomo lo que encuentro, me siento algo mejor, dijo Federico Moura.

¿Por qué Argentina no produjo últimamente figuras musicales icónicas de vuelo internacional como en otras décadas?
Tal vez porque la industria avejentada, conservadora e imbécil, embalsama a los viejos ídolos y no los baja del podio. La cuestión del ícono es algo difusa, es como una mentira. Deberíamos solo escuchar la música en sí y no preguntarnos qué remera tiene puesta Cerati o dé qué color es el bigote de García, ¿no? No importa si ahora no hay íconos internacionales, hay música nueva y verdaderamente buena. Porque la música nueva brota de los sótanos, la novedad siempre viene de abajo y actualmente creo que la escena independiente de Argentina explota de talento, riesgo y creatividad. Y sobre todo variedad. El sabor de lo nuevo, cierta forma del futuro. No necesitamos íconos, necesitamos que la música under cope las radios. Es hermoso cuando el arte, sea cual sea la disciplina, es productor de inteligencia y no de estupidez.

Facundo es una promesa cumplida del cantautorismo local. Tiene un corazonazo para hacer canciones que saben a mañanas de pan, leche y miel, una buena mixtura con herramientas electrónicas, una mención en la Bienal de Arte Joven de Buenos Aires, apenas dos discos y, por consiguiente, un futuro para seguir de cerca.

"Me inspiran y maravillan los oficios de la gente".

Noisey: ¿Qué influencias musicales y extramusicales reconoces?
Facundo Galli: Las básicas son los cantautores. Desde Spinetta a Silvio Rodríguez. También tengo la influencia del folclore argentino, claro. Hoy mis influencias extramusicales son algunos libros de Roberto Fontanarrosa, mayormente los cuentos. Otra cosa que me inspira mucho son los oficios de la gente. Me maravillan. Siempre son abordados con mucha humildad… Mi abuelo era ferroviario, trabajaba como jefe de estación y a la vez tenía sus colmenas y trabaja la apicultura de jobi. Mi abuela trabajaba los tejidos… Por eso pretendo que mi manera de abordar la canción sea como uno más de esos oficios. En mi familia los oficios siempre estuvieron muy presentes. ¡Fui a un colegio industrial bajo ese concepto! Después salí guitarrero. Nada que ver… pero en realidad algo quedó.

¿Cómo conviven lo urbano y lo rural en tus discos?
Creo que mis dos discos tienen una impronta rural por la temática de las letras y algunos ritmos folclóricos. Pero siempre desde una óptica urbana que es mi versión de todo eso. Me parece que ahí se da el cruce.

¿Con qué artistas contemporáneos te sientes afín?
Con Julián Oroz estamos haciendo un proyecto que se llama "La liebre y el caracol" con canciones de ambos tocadas en formato de dos guitarras y dos voces. Incluso sacamos un disco que está en YouTube. Por otro lado, me gusta mucho lo que está haciendo Botis (líder de La Manzana Cromática) O Juanito el Cantor. Y el otro día conocí personalmente a José Luis Aguirre y me pareció un genio total.

¿Por qué la canción es un soporte o manera de encarar la música que parece no agotarse nunca? Digo… desde Dylan para acá el standard cancionero se mantiene con éxito.
Creo que debe ser porque es un género con un gran poder de síntesis. En pocos minutos te puede generar mil cosas. Y por otro lado cuenta con elementos muy populares como el estribillo o la coda, que son amables con la memoria del que está escuchando. En ese sentido, es un género inclusivo.

Tati es toda una artista multidisciplinaria y una de las cabezas más interesantes con las que puedes cruzarte aquí. Alguien para sentarse a charlar, con bastante tino, de cuanto tema estético se te ocurra. En su versión solista, QEEI, tiene ese don para la métrica del rap y la síntesis electrónica groovy que tanto ha definido a su (mi) generación noventera. Ella ganó una categoría de la última Bienal de Arte Joven de Buenos Aires, así que full respect.

"El dispositivo te lo permite".

Noisey: Pensaba en qué decir de ti como artista y se me hacía muy difícil ¿Por qué?
Tatiana Heuman: Creo que porque me dedico a muchas cosas, no sólamente a la música. Y ya en la música también hago muchas cosas diferentes. Soy baterista en una banda, soy Qeei, tengo como una plataforma particular en la cual genero lenguajes performático o sonoros, colaboro con otros artistas y hago cosas para otros en términos más laborales. Es difícil unificarse como artista. Unificar el trabajo con lo que hacés o lograr que tu sustento sea coherente contigo. A veces se puede, a veces no. Yo busco eso y ahora me estoy amigando conmigo. Soy Tatiana Heuman y hago todas estas cosas. No soy sólo mi proyecto Qeei que forma parte del colectivo T R U E N N O, ni Ricarda Cometa… soy yo con todo eso.

Un poco de esa disociación pudo verse en tu visita a México. Estuviste con Ricarda Cometa y participaste de una actividad en el Museo de Oaxaca…
Con Ricarda soy baterista. Improvisadora. Es un banda improvisadora medio bailable y compartimos fechas buenísimas en el foro. Por otro lado, en el museo de Oaxaca se trató más de una intervención como artista sonora, aunque también improvisé con la batería. Ambas cosas fueron batería e improvisación. No utilicé computadora ni electrónica, fue mucho más performático, con tambores.

¿Y eso siempre fue así desde niña?
De niña me querían mandar a hacer actividades artísticas y yo decía "no", "no", "no". Yo quería jugar y mirar la televisión y ya. Hasta que a los 16 pasó algo y empecé a hacer una cantidad de actividades… música de la india, danza, contact, cerámica, trompeta…. En un momento tuve que elegir porque hacía demasiadas cosas. ¡Mi mamá no podía pagarlas! Seguí con batería y expresión corporal. Para el nexo más importante es el que hay entre la música y el movimiento. Por eso ahora estoy muy metida en hacer música para danza. Sueño con tener una especie de compañía propia que se pueda hibridar mucho. Me gustaría trabajar para que ese nexo sea una relación real y orgánica. Y como soy muy visual también, buscaría que tenga una estética propia. Que si no puede definirse completamente como "algo", que al menos pueda diferenciarse bien de lo que no es. Que diga "esto definitivamente no es".

Quizás en otras épocas costaba hallar artistas con aptitudes bien profundizadas y diferenciadas. E.E. Cummings era un inmenso poeta y un pintor genial. Ahí hay dos lenguajes marcados. ¿Entre los jóvenes hoy es más común esta polivalencia?
Ahora se da mucho por las herramientas tecnológicas que tenemos. Es más fácil capacitarse. Antes el sistema de educación era más cerrado y estructurado. Ahora puede ser más autodidacta. Si quieres hacer zapatos empiezas a investigar, aprendes y los vendes por Internet. En T R R U E N O esa característica lo ves claro. Alan estudia programación y produce, Tatiana hace música y video, Pablo hace música y video… El uso de la tecnología hace que te vuelvas más multidisciplinario. El dispositivo te lo permite. Quizás hace muchos años eso era algo más circense, de artista-callejero-multiuso. Eras medio cantante, actor, músico. Y también hay que decir que hay mucho que no sale a la luz. Burroughs hacía esos cuadros con balas impresionantes. Y Miles Davis también era pintor.

Al timón de El Extra y Los Imposibles, Guillermo Sica y los suyos continúan hallando riqueza el cenote inagotable del folk rock. Dotados, dedicados e insistentes, uno escucha a Los Imposibles y se pregunta: ¿Cómo puede producirnos esta oxitocina una música cuya sorpresa tímbrica y armónica conocemos desde que nuestras madres estaban en la pancita de sus madres? El género aún no tuvo un Luis Fonsi que viniera a decir des-pa-cito, pero ya lo dice el poeta, cualquier tipo se convierte en lobo si sabe ver la luna llena…

"Hay una forma particular en el decir de la canción".

Noisey: ¿Cómo se inscribe El Extra en la escena de su ciudad?
Guillermo Sica: Si me preguntas sobre la música en general y su contexto o escena, creo que hoy la música trasciende los límites físicos… bah, hoy todo trasciende los límites físicos. Aquí en nuestra zona hay de todo y para todos y creo que esta bien que eso suceda, por más que cada cual tenga sus preferencias, obviamente. Eso también me pasa con respecto a Los Imposibles. O sea, no me encuentro limitado dentro de ningún tipo de escena, rótulo o nada de eso. Por otro lado cuando participamos en alguna fecha o festival más conceptual, también me copa lo que se genera.

¿Por qué el formato canción se mantiene con tanta vigencia?
Seducen, transportan, divierten… creo que a veces las canciones ponen en palabras cosas que identifican con algo o con alguna situación, ¿no?. Más allá de los estilos considero que hay una forma particular en el decir de la canción que no puede encontrarse en un cuento o poema. Supongo que la respuesta está por ahí…

¿Cómo trabajan los límites propios del género para no encasillarse?
No lo pensamos mucho, va fluyendo. De alguna manera sale así. Si bien cuidamos el estilo no lo forzamos. Y aquí en Buenos Aires también hay varias bandas que van por ese lado. Y son muy buenas: Siberianos, Excursionistas, Fantasmagoria y muchas más.

Con su proyecto solista, Envidia, y su banda de siempre, Mujercitas Terror, Marcelo está teniendo un merecido eco últimamente. Como guitarrista, es único, tiene un caudal de sonido super personal templado por las violas más darks de los 70 y los 80. Y si el plano de lo audible es espeso y negro como un roble, las letras nunca van a ser menos. En este caso lo tenemos en versión acústica; saca a relucir lo peor mejor de su escritura. Tremendo poeta maldito: ¿Pizarnik y Poe lo arroparán en las noches?

"Nada hace tan mal así".

Noisey: ¿Qué influencias musicales y extramusicales reconoces?
Marcelo Moreyra: Me gustan los personajes misteriosos que cuentan historias así o cuya vida fue un misterio: Ronnie Self, Hasil Adkins, Nick drake, Scott Walker, Eartha Kitt, The Fall, The Shaggs. Ahora ahora no estoy muy enganchado con algo en especial. Las cosas pasan, pero la base fue The Cramps, Sex pistols, Johny Thunders , New York Dolls, X, Leonard Cohen, The Shangri Las, The Monks, Gene Vincent, Skip James, Johnny Cash, Los Corrosivos… Libros, muchos. El último que leí me gusto mucho. Uno de Julian Mclaren-Ross, De amor y de hambre. Un regalo de Dany (cantante de Mujercitas Terror).

¿Por qué decidiste lanzar canciones aparte de Mujercitas Terror?
Porque me gustaban y las siento tan reales como la banda. No pienso en un formato más que la guitarra y eso me da mucha tranquilidad también. Envidia es parte de una evolución personal, como un diario que voy haciendo siempre de forma natural mientras hago canciones para Mujercitas. Las canciones quedan ahí grabadas en su totalidad. Luego las agarro y cuando las vuelvo a tocar recreo el momento en que fueron hechas. Casi siempre me acuerdo y es algo importante como parte de mi vida. Y también reflejan cosas del pasado pensamientos o desilusiones que quedan clavadas y me las saco de esa forma. Las entierro y me río de ellas. Nada hace tan mal así.

¿Cómo describirías la búsqueda sonora y lírica que tienes?
Trato de que las cosas salgan solas sin pensar mucho y de manera espontánea. Intento retratar personajes desde mi visión y que la música sea un vidrio a esas imágenes. Es un estilo que oscila entre todos por los que siempre tuve aceptación, como el blues, pero no siempre de manera purista. Es describir un momento, como en el cine. Eso es lo que intento desde la guitarra acústica. A veces es bueno escuchar cosas extrañas y es lo que en su momento me salvó. Porque a veces las historias de amor pueden ser más amplias y comprender la perversión en la inocencia humana como forma de entender el crimen. Eso y otras cosas que hay en las baladas antiguas me hipnotizan.

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