Hablamos con el fundador del Mutek, Alain Mongeau

El Festival Mutek de Montreal se fundó en el año 2000 y desde entonces se ha convertido en uno de los eventos de música electrónica más importantes del mundo. Mientras que las presentaciones principales de EDM (electronic dance music) continúan siendo maquinitas de dinero en los principales festivales de verano, MUTEK satisface a los fans que buscan nombres más especiales, presentaciones únicas (y usualmente más íntimas) de actos ya establecidos y emergentes, canadienses e internacionales, desde lo más experimental hasta el house y el techno.

Hablamos con el fundador y director de MUTEK, Alain Mongeau.

¿Qué fue lo que te motivó a empezar MUTEK en el 2000?

Estaba metido en el Festival Internacional de Nuevo Cine en Montreal antes de comenzar con MUTEK. Allí estaba a cargo de desarrollar nuevos medios en relación a la creación de imagen. Empecé en 1997. Luego el festival se movió al centro de artes Ex-Centris en Montreal y tuve la responsabilidad de desarrollar nuevos medios en el contexto de este nuevo espacio. Decidí planear un evento que se enfocara en estos, pero con la idea de generar un enlace entre la música y el sonido.

Personalmente, también estaba realmente involucrado en la escena de la música electrónica de los 90, podría decir que este género salvó mi vida. Estaba siguiendo lo que estaba pasando en Europa y sentí que necesitábamos algo en Norte América y especialmente en Montreal, que nos permitiera empezar a interactuar con lo que estuviera pasando allá. Nuestra idea era establecer un punto de conexión donde pudiéramos empezar a integrar lo que estaba pasando aquí con lo que estaba pasando allá.

¿Cuántas personas se necesitan para montar el festival?

Todavía somos un grupo muy pequeño y un festival pequeño. Alguien salió con la equiqueta "boutique festival", que más o menos ilustra lo que somos, porque con la explosión del EDM hace algunos años en los principales festivales, si nos comparamos, todavía estamos en una escala mucho más baja. El equipo clave está compuesto por alrededor de tres personas durante todo el año. Cuando nos vamos a estado de producción y durante el mismo festival, tenemos una fuerza de trabajo de alrededor de 200 personas en el campo, la mitad de las cuales son voluntarios.

La curaduria es muy cuidadosa. Cuéntame un poco sobre cómo escoges a los artistas.

De la misma manera en que hay festivales de cine, de teatro, de danza y de literatura, pensamos que en ese entonces la música electrónica podría definitivamente beneficiarse de algo como esto. También nos enfocamos en los artistas y las presentaciones en vivo. Si miras el programa de este año, no hubo casi ningún DJ presente, no porque tengamos algo en contra de ellos, sino porque sentimos que la habilidad técnica debe ponerse en perspectiva y así queremos tener a los músicos haciendo sus propias cosas. Usualmente traemos productores que no suelen hacer presentaciones en vivo y es por esto que los traemos como DJ's. Es mucho más sobre los mismos artistas, artistas rompiendo el molde y cada año tratando de dar un panorama del gran espectro de lo que está pasando, desde las cosas más experimentales hasta la música orientada al baile. Es un proceso intenso de hacer listas, hablar con personas y mirar qué hay afuera. Cada elección que hacemos tiene un significado, así que no hay que llenar ningún formato.

Para el contenido canadiense, el proceso es un poco diferente porque tenemos un llamado para propuestas, así que recibimos casi 200 cada año. Es una manera de descubrir nuevos artistas y nuevos proyectos. El 25% del contenido canadiense lo proveemos nosotros y el otro 75% con las propuestas que recibimos.

Hay muchos artistas electrónicos de Montreal y Quebec que han trascendido en la crítica internacional. ¿Cómo ha fomentado y honrado el festival el talento local?

Con quince años de trayectoria, no sé si se pueda hablar de generaciones de artistas, pero definitivamente hemos tenido diferentes olas. La primera, que el festival ayudó a descubrir, o que fue descubierta a través del festival, fueron artistas como Akufen, Deadbeat y Mike Shannon. Hubo una ola completa de artistas que estuvieron en Montreal por un rato, precisamente. Para poder dar el siguiente paso en sus carreras, muchos se mudaron a Berlín, algo que nos desilusionó, porque nos abandonaron personas que se convirtieron en amigos y que representaban el espíritu del festival. Esto nos obligó a recurrir a la comunidad de una manera diferente y más grande y nos hizo cuestionar nuestra relevancia y encontrar maneras de reconocer nuevas olas de artistas emergentes. La diferencia más grande que veo ahora es todo este proceso de las propuestas, lo que llevamos haciendo por los últimos seis años, diría que en los últimos tres hemos sido testigos de un aumento en la calidad y estoy cada vez más y más sorprendido con el nivel general de propuestas que recibimos cada año.

¿Cuándo decidiste expandir el festival a Barcelona y Ciudad de México?

El primer año nos buscaron siete ciudades europeas, diciendo "¡Oh, sería muy bueno si pudieran hacer MUTEK en Europa!", lo que fue una sorpresa porque nosotros estábamos influenciados por lo que sentíamos estaba pasando allí. Sentimos que estábamos haciendo algo bien y rápidamente una de nuestras visiones estaba por conectar Montreal a Europa y también a Sur América. El primer evento que hicimos fue en Berlín, fui invitado por un festival de ahí para hacer una noche y después hicimos el festival en Santiago de Chile. Así que terminamos trabajando con diferentes individuos aquí y allá. Acabamos de celebrar el décimo aniversario del festival en México, que está al mismo nivel a lo que hacemos aquí. También acabamos de celebrar el quinto aniversario del festival en Barcelona. El sueño de tener un punto de llegada en tres continentes está sucediendo, aunque no eran exactamente las ciudades que teníamos en mente.

Aparte de la música, MUTEK también presenta instalaciones de arte y proyecciones. ¿Por qué era el aspecto visual tan importante para ti?

Una de las maneras de distinguirnos de los demás era esa. Hay dos componentes a la presencia de los visuales. Parte del programa es presentar actos que sean audiovisuales, en donde haya exploraciones específicas o definitivas que relacionan sonido e imagen. Así que la serie AV Visions siempre ha sido más o menos exclusivamente dedicada a eso. El otro elemento visualmente fuerte del festival está en la mayoría de las sedes que usamos, en donde activamente involucramos videos cinematográficos elaborados. Así que transformamos los espacios que estamos usando para crear un contexto, un ambiente realmente envolvente en donde el artista pueda actuar.