La artista multidisciplinaria seducida por Nietzsche, Rilke y García Lorca

Pintura, escultura, fotografía y video instalación son medios a través de los que Marie-Jo Lafontaine explora las variantes formas de la existencia humana. Sin referencia contextuales, esta artista belga alienta la mirada del espectador a percibir la belleza, el miedo, el dolor o el poder de un modo diferente. Entre lo individual y lo colectivo, su imaginario experimenta las interconexiones entre el hombre, la tecnología y la naturaleza. Inspirada por la filosofía de Nietzsche y Heidegger, y la poesía de Rilke y García Lorca, Lafontaine plasma en su obra las afecciones, las sensaciones y la intriga del mundo que revela el lado más sublime de la vida.

Torturar la belleza, las heridas, las accidentes, las enfermedades, todo aquello donde se desvanecen los fantasmas de la realidad, conforman la gran constelación expresiva de una obra polifónica, estética, fenomenal y simbólica. Para Lafontaine lo extraordinario es una cuestión de percepción, sensibilidad y, sobre todo, instinto.

Exploración excéntrica del espacio, montaje monumental, uso dramático de la música. La ambigüedad es la característica que detona su obra. Puras sugestiones nada explicito. El rostro, el cuerpo, los paisajes urbanos y la naturaleza muerta son problematizados, cuestionados, con un toque intimo y político. Temas como la niñez, la soledad, la muerte, la sociedad y la globalización son un recurrente en su obra. En este relato de la sociedad moderna, la artista ha creado dispositivos, nuevos registros entre la foto y el texto, entre la imagen y el sonido, entre el video y la escultura.

De esta variedad de prácticas, géneros e investigaciones plásticas surgen imágenes que exponen la fragilidad del mundo; esculturas alrededor de las cuales el espectador puede explorar y experimentar, redefiniendo el concepto de la percepción audiovisual; series fotográficas de nubes y tormentas Skies (1996), flores y naturaleza muerta Lost Paradise (2001); serie de retratos de jóvenes en fondos monocromáticos como Liquid Crystals (1998), Baloon Babys (2001), Banana Kisse y Frozen Margaritas (2003) donde vemos a jóvenes que se transforman en adultos. En estas imágenes vemos la paradoja de la vida, entre la mirada que plasma confianza y autoestima y, al mismo tiempo, esconde los rastros de inseguridad y la búsqueda de una identidad individual.

Foto a color o en blanco y negro, monocromas y trípticos conforman estratos entre imágenes. Imaginarios que hacen del espacio una dimensión colmada por metáforas que exploran el sentido trágico y los cambios drásticos de la sociedad.

En los ochenta comenzó a trabajar con video esculturas. Uno de sus primeros trabajos fue Round Around the Ring (1981), pero con la pieza A las cinco de la tarde (1984) alcanza un punto más álgido en su obra. A las cinco de la tarde es una video instalación que surge a partir del poema de García Lorca La cogida y la muerte. En esta pieza Lafontaine recreó el espacio de una plaza de toros con varios televisores colocados en círculo, cercando al espectador alrededor de pantallas que proyectan imágenes de bailarinas de flamenco y un torero enfrentando a un toro. El mismo video es transmitido en cada pantalla, pero las pantallas están divididas en cinco grupos y cada grupo transmite el video con un cierto delay. A las cinco de la tarde se puede describir como un espacio que provoca y provee una experiencia visual y sonora. La expresividad de la pieza recae en la situación creada por el sonido, el movimiento de la imagen, y el arreglo específico de los monitores. No hay sonido directo, sino una mezcla de música flamenca instrumental y música vocal clásica.

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Similar a la mayoría de sus primeros trabajos, A las cinco de la tarde expone la violencia, la ilusión y la muerte. En esta pieza las imágenes de la corrida de toros emergen con las tomas de las bailarinas de flamenco como una interconexión entre el deseo, la seducción y el poder.

Les Larmes d'Acier (1986), pieza compuesta por 27 monitores instalados en una estructura que asemeja una caja negra, muestra una serie de imágenes de hombres de prominente fisonomía ejercitándose. Las imágenes, sincronizadas en todos los monitores, dan la idea de que más que hombres fueran clones; los lentos paneos de los rostros documentan la conquista del espíritu humano, llevado al límite la lucha con su propio cuerpo; los aparatos de gimnasio enfatizan cierto carácter de martirio, convirtiendo la relación máquina-hombre en una fusión; las imágenes ritmadas por la música de Bellini, Casta Diva interpretada por María Callas, impregna la pieza de una carga de presencia y urgencia. Con la elección cuidadosa y detallada de estos motivos, Lafontaine explora las contradicciones de la cultura occidental como un retrato del poder, la belleza y el horror.

En el conflicto de la seducción del cuerpo, en el twist del movimiento, surge la ocupación del espacio que mezcla tragedia y sofocación. En Victoria (1988) y Dance The World (2010) dos cuerpos emergen en la imposibilidad de fundirse en uno solo. Los videos muestran hombres y mujeres ejecutando una danza dramática, en la cual el juego entre avanzar y retraerse entremezcla la danza y el combate, el amor y la guerra.

A lo largo de su obra, Lafontaine nos introduce en una reflexión de los medios y los dispositivos, del tiempo y el espacio en los cuales las imágenes son el vehículo que abre y explota infinidad de posibilidades de los movimientos de la vida.

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