Imágenes históricas interpretadas a través de los lentes de estos fotógrafos

Este artículo apareció en el número "Especial de Fotografía 2017" de la revista VICE. Puedes leerla completa AQUÍ.

Para nuestro número anual de foto nos pusimos en contacto con nueve fotógrafos y les preguntamos por algunos de los artistas que los habían inspirado a dedicarse al medio. Entonces también los buscamos a ellos con la consigna de publicar su obra en esta edición. Creemos que el trabajo que recibimos crea una conversación única sobre la línea de influencia entre los artistas jóvenes y los más experimentados. También se mantiene fiel a nuestro compromiso de mostrar nuevo talento y honrar a los maestros en el campo.

Mientras estudiaba en Parsons en 2011, Jonathan Gardenhire comenzó a investigar la historia y visualidad de la comunidad afroamericana, preocupado de que ninguno de los dos temas estuviera adecuadamente representado o tratado con precisión en su currículo. Mientras se sumer- gía en su trabajo, comenzó a fotografiar las pilas de libros y montones de fotos y objetos que había acumulado. Quedó fascinado con la manera en que las fotografías y los arte- factos transmitían historia y significado que eran elásticos y podían ser recontextualizados mientras preservaban el momento original en el que fueron creados. Este trabajo enfatiza la expansión de la negritud.

Mientras realizaba estas obras de naturaleza muerta, Gardenhire —oriundo del centro de Nueva York— también empezó a hacer retratos de muchachos y hombres negros, lo que dio pie a la creación de más imágenes que las que había buscado inicialmente, y desde entonces ha visto estas fotos como un proyecto que considera, esencialmente, el trabajo de su vida. Cuando le preguntaron en qué consistiría la etapa final del proyecto, respondió: “No hay etapa final… Considero que mi proyecto es la profundidad total de mi práctica. Es una conversación continua conmigo mismo y con los diversos individuos, colectivos e ideas retratados en mi obra”.

Leslie Hewitt describe su arte como el punto donde convergen la fotografía y la escultura. Su trabajo sigue el estilo de la Generación de las Imágenes (1974-84), el grupo de artistas que, según escribió Gary Indiana, estaba “conectado por un interés en examinar el poder y la identidad en una época saturada de medios y políticamente incierta”. La mayor parte de la obra de esta generación se basaba en la fotografía; muchos usaban objetos que ellos mismos encontraban, como Barbara Kruger, famosa por tomar fotos en blanco y negro que contenían leyendas declarativas y atrevidas superpuestas.

Al igual que los artistas de la Generación de las Imágenes, Hewitt hace uso de la apropiación: crea imágenes de materiales que ella misma encontró, como una foto vintage o una nota personal, que luego incorpora a algún tipo de medio de comunicación, como recortes de periódicos o revistas, y luego las coloca en el suelo y las fotografía desde arriba. Esta cuidadosa estratificación está emparentada con la escultura. Si bien los artistas de la Generación de las Imágenes se centraban en imágenes comerciales altamente públicas y publicitadas, Hewitt se centra más en la intersección —a menudo velada— de las representaciones políticas y personales. Al mismo tiempo, intenta crear una nueva práctica artística basada en el lente, una que preste atención a los entornos espaciales. Los matices de sus esculturas fotográficas —que a veces incluyen imágenes de protesta— desafían al espectador a ver más allá de las simples construcciones fotográficas y, al hacerlo, proporcionan una manera de ver más allá de las simples construcciones de la identidad.

Foto por Leslie Hewitt. Riffs on Real Time (1 of 10), c. 2006 - 2009. Imagen cortesía de la artista