10 diseñadores gráficos cambiando la forma en que miramos la cultura club

Conoce a los artistas detrás de algunos de los visuales más icónicos en la música dance.
6.11.16

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Este artículo se publicó originalmente en THUMP EUA.

Pese al progreso en la experimentación sónica, a veces la música se siente como una lona en blanco. Los implacables kick-drums o los atmosféricos sintetizadores intrínsecamente abstractos hacen más difícil captar lo que los productores y DJs quieren expresar—al menos en comparación con géneros como el hip-hop o el pop, que frecuentemente imparten un significado con sus letras.

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Es por ello que los diseñadores gráficos y los artistas juegan un rol especialmente crítico en el mundo de la música electrónica, ayudando a transmitir la sensibilidad musical o la atmósfera de un próximo rave, de forma más visceral que un comunicado de prensa o el simple anuncio del artista. A lo largo de los años, imagenes bien concebidas como las carátulas de Emil Schult para Kraftwerk y el logo de Ninja Tune de una figura lanzando un acetato de 12", se han convertido en puntos de referencia definitivos, dejando ver que la forma en que la música luce puede ser tan extraña como la forma en que suena.

Para saber más sobre este proceso, le preguntamos a 10 de los más prolíficos y emocionantes diseñadores gráficos y artistas alrededor del mundo sobre lo que piensan sobre el estado actual de los visuales en la música dance y qué están haciendo diferente para sobresalir de los demás. Algunas de las personas con las que hablamos—incluyendo a los co-fundadores de los colectivos multidisciplinarios comprometidos con la sociedad, NON y NAAFI—son los arquitectos detrás de la estética de sus grupos. Otros, como Studio Moross y Studio Remote, trabajan con artistas más colaborativamente, y son parte de equipos de diseñadores capaces de un amplio rango de estilos, creando tipografías a mano, videos musicales interactivos o elaborados shows visuales. Mira el trabajo y las palabras de los artistas que están dando forma a la forma en que la música dance se mira y se siente.

1. Chino Amobi, NON

Ubicación: Richmond, Virginia

Estilo: La marca de Amobi, con el uso de caracteres con estilo ruso para NON, ocasionalmente recuerdan la propaganda militar, mientras sus pinceladas de Photoshop revelan un lado a veces más suave y con más glamour.

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Proyectos destacados: Co-fundador y director de arte de NON WORLDWIDE (logo, arte de discos, mercancía, revista en línea NON Quarterly, etc.); arte para los álbumes de Angel-Ho, Rabit y Moro.

*Enfoque:* "NON Worldwide se localiza en el centro muerto de la innovación dentro del campo de la música y el diseño gráfico para la música. La razón de ser de NON es exorcizar el lenguaje de la dominación. La función de nuestra gestalt es tanto estética como espiritual para unir a nuestros ciudadanos y promulgar La Gloria de los Estados de NON en todo el mundo. NON Se Levantará en lo Alto".

2. Alberto Bustamante (AKA Mexican Jihad), NAAFI

Ubicación: Ciudad de México, México

Estilo: El trabajo de Bustamante es un buen ejemplo de diseño total: frecuentemente fotografía objetos reales que el mismo creó.

Proyectos destacados: Co-fundador, director creativo y diseñador de NAAFI (portadas de discos, flyers, etc), playeras y posters para la noche queer, Traición, en la Ciudad de México.

¿Cómo describirías el estado actual del diseño gráfico en la música electrónica? ¿Te consideras parte de ese mundo o tratas de estar separado de ello de algún modo?

Bustamante: Hay muchos flyers de puros caracteres ahora, pero los eventos de marca se van a lo seguro. Deberían entrar a un estilo de MTV de los 90s y comisionar a artistas locos y a ilustradores; olvídense del diseño en casa.

El aspecto de NAAFI es muy local, o referencial. No producimos ninguna de nuestras imágenes usando computadoras. Prefiero hacer objetos o situaciones y fotografiarlas. A veces, la imagen habla más sobre el proceso que el resultado final. Y muchas colaboraciones.

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¿Cómo piensas que el diseño gráfico puede mejorar la música dancequé puede llevar a la mesa?

Tienes que ser muy protectivo con la música. A veces el agregar un visual puede dañarla, o encasillarla en algún aspecto. Puede darle un elemento de identidad; puedes hacer que la gente sienta que pertenecen a ella. Me gusta el elemento social del diseño y, por supuesto, el instrumento político que viene con ello.

3. Jane Eastlight, 555-5555

Ubicación: Londres, Reino Unido

Estilo: Imagenes de Eastlight—con abundantes referencias de los días dorados de la tipografía rave reflexiva—son llevadas al siguiente nivel gracias a la ansiedad de su estudio para experimentar a lo largo de los medios analógicos y digitales.

Proyectos notables: Cofundadora del colectivo creativo 555-5555 (junto al patrón de la banda); diseño de patrones para el sello Kaleidoscope, portadas de discos, videos musicales y objetos para Daphni; la edición limitada de doble carpeta para el vinilo en vivo de Caribou; arte para el soundtrack que Giorgio Moroder hizo para el videojuego Tron.

*Enfoque:* "Las cosas son muy emocionantes en estos momentos y siguen en incremento todo el tiempo. Estamos viendo cosas muy raras saliendo de estos híbridos entre lo impreso y la pantalla, arte y diseño, estático y animado, sonoro y visual… la forma en que un sólo grupo de ideas pueden deslizarse a través de todos estos medios de imagen es una locura. Estamos muy inspirados por ello aquí en el estudio. También creo que hay tantos mundos sobreponiéndose, ¿por qué elegir? Las cosas se vuelven impredecibles y sorprendentes cuando hay fricción entre todos estos elementos.

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Todos los momentos más inspiradores en la música parecen estar realmente conectados con esta energía que corre de ida y vuelta entre el sonido y los gráficos. Videos, los espacios en clubes, también la ropa, de algo como The Hacienda y Factory Records hasta Metalheadz. Todas las cosas en 555-5555 van a las raíces de cómo observan las cosas. Como si estuviéramos haciendo esta clase de micro-ecologías de sonido, imágenes, texturas. Una vez que hemos hecho una, podemos dejarla ahí y ver qué hace".

4. Guy Field, Studio Moross

Ubicación: Londres, Reino Unido

Estilo: El estudio se hizo de un nombre gracias al jugoso estilo de letras a mano de la fundadora Kare Moross. Ahora como un equipo, son capaces de crear elegantes diseños para portadas de discos, visuales personalizados para giras, todo con un toque de diversión y dominio de los colores vibrantes.

Proyectos destacados: Arte para discos, visuales en vivo y videos musicales para artistas como Disclosure, Redlight, Tala, Jonas Rathsman, Simian Mobile Disco, T.E.E.D., Odesza, Buraka Som Sistema, L-Vis 1990, Craig David, Eats Everything, B.Traits y MK.

*Enfoque:* "El diseño gráfico es más accesible que nunca y la tecnología también—cosas como los visuales en la música son algo en lo que la gente se puede involucrar ahora más que nunca, y eso es algo bueno. Supongo que soy parte de ese mundo musical inherente ya que trabajo en un estudio de diseño que se enfoca en la música, pero tratamos de no sobre pensar en ello, no amarrarnos al hecho de ser muy similares o ser muy diferentes, sólo hacer lo que hacemos y ponerlo ahí. Proyecto por proyecto, track por track.

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El diseño es masivamente importante ya que ayuda a que se vendan los boletos y a llevar a la gente al club. Es algo que no se nota, pero los flyers, los posters, el mercadeo, las estampas, logos, los banners de Facebook, etcétera—no puede solo salir, necesita presentarse correctamente; el lado visual de las cosas agrega un montón de profundidad a un club o evento. Más allá de eso, hay discos, mercancía, todas esas cosas, que sólo se pueden agregar a la experiencia completa, ser parte de algo más grande".

5. Sam Rolfes

Ubicación: Chicago, Illinois; Nueva York

Estilo: Rolfes parece mandarnos un mensaje del futuro. Su pasado en el mundo de las artes finas es evidente por la calidad pictórica de sus imágenes fijas y sus videos muestran orgullosamente su desenvolvimiento único, experimentación abstracta que dobla la mente.

Proyectos notables: Proyectos de imagen fija y videos para artistas como Amnesia Scanner, Danny L Harle, y Caroline Polachek; portadas de discos y animaciones para Kingdom; visuales en vivo para Lafawndah, Squarepusher y parte del performance de Rihanna en los VMA 2016; portadas de EPs para Dawn Richard, Nick León, Kai Whiston, DJ Orange Julius y Nobel; esculturas visuales en 3D en vivo para Evian Christ, Mumdance, Lightning Bolt y Teengirl Fantasy.

Enfoque: "Estando aquí, siento que se está cubriendo más campo en la tipografía y en el diseño gráfico de collage ahora que de cualquier otro imaginario basado en objetos, con excepción de lo genérico de gusto a la vista que supuestamente ha estado persiguiendo el buen gusto en el nuevo mundo de los medios por los últimos años (si no es que más).

Definitivamente soy más parte de la esfera de visuales de música electrónica que el arte de caja blanca del mundo en estos momentos, parcialmente porque hay más puntos de harmonía entre mi trabajo y la visión del mundo de la que tiene un curador de galería. Trato de separarme de ello al nivel de enfocar mi camino creativo de forma tan fluida como sea posible, fluyendo en lo que sea que las escenas e industrias ofrecen a la resistencia menos artística y a un mayor margen de maniobra para hacer un trabajo desafiante y no tener que llegar a un acuerdo con la escena de la atención.

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Especialmente en el ámbito de la música dance, la abstracta naturaleza inherente de la misma y la forma en la que opera parcialmente dentro de tu mente con algo de libertad creativa significa el elemento visual que está emparejado con ella puede ser increíblemente importante para comunicar un contexto narrativo o emocional al oyente. Más de un simple dispositivo promocional, como generalmente se le aborda, el aumento visual de una pieza musical permite tanto un matiz añadido al mensaje sónico y proporciona grietas a la pista o el álbum para que el oyente se sumerja. Sin los puntos de anclaje de lo visual, es mucho más fácil deslizarse sobre la superficie de una canción sin realmente ser capaz de explorar las profundidades de sus implicaciones emocionales o conceptuales".

6. Luca Lozano

Ubicación: Berlín, Alemania

Estilo: Lozano es el rey del diseño crudo voluntario. Su estilo de píxeles, sus reventados personajes de caricatura, y sus letras de graffiti de la vieja escuela parecen inocentes, pero es porque así lo quiere él.

Proyectos notables: Cofundador y director de arte de Klasse Recordings, Grafiti Tapes, y Zodiac 44 (portadas de discos, arte de álbumes, objetos, posters, flyers y logos); arte de discos y flyers para varias fiestas y sellos internacionales.

Enfoque: "Hay una escena saludable—al menos para la clase de arte en la que estoy interesado—donde se apoya la ética DIY, y estoy feliz de que las cosas se estén volviendo más fáciles y más disponibles para cualquiera que quiera contribuir. Soy parte de un mundo, eso es claro, pero trato de no prestar tanta atención de lo que está sucediendo. La ignorancia es felicidad y es más fácil probar y crear una identidad única cuando no estás tan capturado por lo que pasa a tu alrededor.

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Creo que el diseño de portadas y stickers es usualmente la primera cosa que marca un lanzamiento como interesante, especial en las tiendas de discos. También está la "mentalidad de coleccionista" cuando se trata de comprar discos—el arte resalta y los pequeños detalles pueden hacerlo más divertido. En mi opinión, el arte puede ayudar a que la música se familiarice con la audiencia y también, en algunos casos, elevarla a un estatus icónico, a veces sólo por repetición".

7. Adam Rodgers, Studio Remote

Ubicación: Glasgow, Escocia; Somerset y Londres, Reino Unido

Estilo: Studio Remote tiene la habilidad de entrar en la esencia de un músico, ayudándolo a formar su identidad en la mente de la audiencia a través de outlets que incluyen videos futuristas y experimentos sensoriales en 360. Usando lo último en tecnología, está en la cima del juego.

Proyectos notables: Cofundador y director de arte de Numbers; sus clientes y colaboradores incluyen a Brian Eno, Brilliant Corners, Craig Armstron, Darkstar, FKA twigs, Hudson Mohawke, Jessie Ware, Offshore, Redinho, Rustie, SBTRKT, SOPHIE.

Enfoque: "Los cerebros de la gente se están reconectando creativamente justo ahora para adaptarse a las tecnologías emergentes y al constante cambio climático de las redes sociales (y a las limitaciones promocionales), permitiendo la creación de nuevas formas de visuales que acompañan a la música. En Numbers hemos estado trabajando recientemente con un amplio rango de artistas visuales que hacen trabajo sorprendente y único con procesos muy distintos.

Yo prefiero referencias externas en lugar de mirar lo que otros están haciendo en el mundo del diseño gráfico. Siempre he sentido un poco aislado lo que es "actual", que es de donde viene parcialmente el nombre del estudio—Remote Location. Sin embargo, disfruto el trabajo de muchos diseñadores gráficos contemporáneos que están creando su propio camino visual, lo cual es algo que definitivamente respeto.

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El buen diseño gráfico debería encajar en la música como un guante, para que los visuales y el audio se vuelvan inseparables en la mente del consumidor. Estoy interesado en mirar más allá de lo tradicional, de las relaciones entre el diseño gráfico y la música dance, para explorar métodos alternativos de entrega visual. Estos pueden atraer nuevas audiencias de formas inesperadas y ayudar a exponerles nuevos sonidos e ideas. Los videos interactivos de música, las instalaciones de sonido reactivo, identidades generativas, y documentales en tiempo real del proceso creativo, son algunos de los diferentes enfoques que hemos explorado a lo largo del último año en colaboración con varios artistas musicales".

8. Dima Shiryaev

Ubicación: San Petesburgo, Rusia

Estilo: Los posters de Shiryaev muestran su claro amor por la tipografía, ya sea una sans serif limpia y bien colocado a una fuente dilatada que le permite a las letras llenar un espacio entero; también tiene una inclinación por los collage y el juego de formas.

Proyectos destacados: Posters y flyers para eventos del sello y colectivo Roots United en San Petesburgo, así como para las noches club de Moscú, Capital Bass y Hyperboloid, además de otros clubes en Rusia y Europa.

Enfoque: "Actualmente se está produciendo mucha música diferente y uno debe mirar por nuevas e innovadoras formas de representarla visualmente. Hay enfoques interesantes, inusuales e incluso extraños (en el buen sentido). Es curioso observar la evolución de estas técnicas y, al mismo tiempo, ser parte de ellas. Me gustaría diseñar no sólo para la música dance, sino también para otros estilos (shoegaze, ambient, drone), pero, desafortunadamente, no hay demanda ahí para el diseño.

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La formación gráfica da volumen a la música. Es una dimensión adicional cualitativa. Creo que el diseño debería estimularte a explorar por mucho tiempo, mirando todos los detalles".

9. Alex Solman

Ubicación: Hamburgo, Alemania

Estilo: El trabajo de Solman por lo general involucra pequeñas líneas negras para crear los rostros de los mejores músicos electrónicos del mundo, a veces agregando campos de colores brillantes para hacerlos resaltar.

Proyectos notables: Ilustraciones para los mixes de FACT, flyers para Golden Pudel en Hamburgo y Kompakt Records; arte en álbumes para Demdike Stare.

Enfoque: "No creo que la ilustración y el diseño gráfico hecho para la música dance y electrónica sean diferentes al trabajo hecho para cualquier otro género musical. Las portadas diseñadas para álbumes de techno parecen lanzamientos de bandas góticas, y los tipos del black metal tienen coloridas portadas con unicornios y delfines volando sobre arco iris junto a ellos. Eso está muy bien, porque da mucha libertad.

En mi punto de vista, no hay límites en el diseño—si es que alguna vez los hubo. Arte/diseño y límites son cosas que no van bien juntas. Es lo mismo en la moda y en la propia música, claro. Siempre hay estilos que están de moda, pero en las dos últimas décadas todo se ha vuelto una mezcla de ingredientes que han estado ahí por mucho tiempo. Quizá esto sea porque se está volviendo más difícil (o imposible) crear algo nuevo o único. Así que no hay razón para separarse de este "mundo".

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Existía esta idea en los principios del techno de que la música debía hablar por si sola, y nadie debería estar interesado en la persona que la tocaba. No creo que eso haya funcionado muy bien, aunque la idea no era mala. Lo mismo para las portadas de los discos. Me gustan las portadas genéricas, pero me gusta más un disco que tiene una portada que le encaja bien. El aspecto visual ayuda a la gente a recordar y guardarlo en su mente. Pero las portadas no le dan más sabor a la música, aunque un mal arte sí puede arruinarla. Hay algunos discos en mi colección que amo la música, pero el arte es horrible. Eso no me detendrá de amar el disco. Y quizá alguien ame ese "horrible" arte. Todo depende del gusto de la gente".

10. Bráulio Amado

Ubicación: Brooklyn, Nueva York

Estilo: Colores ácidos y brillantes, y distorsiones de fotocopiadora que se unen en una innovadora tipografía a veces hecha a mano en la iconografía idiosincrática de Amado.

Proyectos notables: Posters y el logo de Good Room en Brooklyn, posters para Musicbox Lisboa, LUX y Lounge en Lisboa, portadas para Discotexas y Fool's Gold..

Enfoque: "No creo ser realmente parte del mundo de la música electrónica. Quiero decir, salgo a clubes bastante y escucho algo de esa música, pero creo que estoy más en el punk/noise. Comencé a hacer posters para música electrónica porque una amiga mía estaba agendando todas estas fiestas en Good Room y me pidió que la ayudara. Me divertí mucho trabajando en algo diferente a lo que estaba haciendo, así que sigo en ello.

Hay mucha gente haciendo cosas muy diferentes justo ahora y en Internet hay un montón de información visual que realmente no creo que haya algo específico sucediendo. Lo que sí creo es que la variedad es buena e importante. Trato de ser como un DJ cuando estoy diseñando un poster. Mezclo diferentes estilo, pruebo nuevo material, escojo algunas referencias extrañas y las hago nuevas y frescas. Para mi, ir de club significa encontrar nueva música, conocer gente nueva, divertirme—creo que el diseño gráfico necesita reflejar lo mismo".

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