El Top 25 de las canciones de presentación de la WWE

John Cena es la mayor estrella que la WWE ha tenido desde The Rock y uno de los mejores de todos los tiempos. Pero la música de Cena no ganó tanto reconocimiento hasta que la mencionaron en un universo social, cuando “Unexpected Cena” se volvió un éxito viral en el verano de 2015. Ahora, el rap que canta el mismo Cena es cultura general para cualquiera que haya crecido con YouTube, y otra historia de éxito para las estrellas de la lucha libre que cantaron sus propias entradas.La WWE (World Wrestling Entertainment) siempre ha sido conocida por sus escenas dramáticas con sillas y peleas sangrientas, pero el programa teatral “deportivo de entretenimiento” también nos ha regalado algunos de los tracks más reconocidos de la televisión moderna. Desde que Monday Night RAW comenzó a transmitirse en enero de 1993, la WWE ha utilizado cientos de canciones para presentar a sus luchadores; algunos retomaron canciones de hard rock de bandas conocidas, pero el espectáculo solía elegir himnos originales específicamente creados para sus personajes. Jim Johnston fue el principal compositor durante más de tres décadas y en varias ocasiones logró posicionar sus canciones en las listas Billboard. En noviembre de 2002, el soundtrack de WWE Anthology encabezó la lista durante 17 semanas seguidas.

Las canciones de presentación juegan un papel vital para la construcción del personaje, ya sea la música de The Undertaker que imprime una sensación solemne que el espectáculo quiere transmitir; o la canción de Hulk Hogan, donde la música explica porqué pelea el luchador (Estados Unidos).

Monday Night RAW celebrará su 25 aniversario en el episodio de esta semana y Noisey revisó las mejores 25 canciones que surgieron de la compañía de lucha más popular de la televisión.

Mick Foley era extraño e intrigante. El luchador extremo peleó como tres personajes diferentes en los 90: Dude Love, Cactus Jack y Mankind. Si es que sus personalidades múltiples mostraron algún detalle de la personalidad de Foley, el personaje “Mankind” claramente reveló su lado oscuro y misterioso. El tema musical de Mankind fue aún más extraño. Si bien otros peleadores salían con riffs pesados de guitarra y pirotecnia alrededor de ellos, Mankind se abría paso hasta el ring acompañado por las notas gentiles de un piano. Era perturbador, inquietante y perfecto.

En algún momento, Mark Henry fue (legítimamente) el hombre más fuerte del mundo. La presencia monstruosa de Henry también tiene su parte cómica, formando parte de las historias más escandalosas de la WWE de todos los tiempos, desde salir con personas de la tercera edad hasta convertirse en padre de una mano humana misteriosa. Es por eso que la entrada musical chingona de Three 6 Mafia es tan perfecta. Lanza alusiones amenazantes pero también es tan alegre que puede hacerte reír.

El tema de Kevin Owens captura los cambios de las canciones de presentación de la WWE a través de los años (para bien) al abandonar la molesta voz de Chad Kroeger 2.0 que arruinó tantas entradas de hard rock a mediados de los 2000. En cambio, el tema de Owens sólo permite que la música le hable a su personaje. Es simple y entrega un mensaje claro y fuerte de intensidad sin depender de esa voz desagradable con peor letra. La canción también resalta el atractivo implícito que muchas canciones originales de la WWE tienen, ya que la música de Owen —junto con muchos otros temas de la WWE— puede escucharse en estadios durante eventos deportivos a lo largo y ancho de Estados Unidos.

Las canciones de la WWE creadas en los 2000 y a principios de la siguiente década fueron bastante malas en general, pero la entrada de Edge logró pasar la prueba del tiempo, más que nada porque Edge también la pasó. Viéndose obligado a retirarse por lesiones, Edge abandonó su carrera en la cúspide. Su música, que entremezcla las voces post-grunge con riffs de guitarra estridentes, ahora resuenan con un toque de amargura y tristeza, esta idea acompaña muy bien el verso irónico, “I’ll never long for what might have been” [Nunca extrañaré lo que pudo ser].

Este track que parece salido de America’s Funniest Home Videos va perfecto con la actitud feliz que tiene el favorito Sami Zayn. El peleador canadiense casi siempre va sonriendo —no importa si es genuino o delirante cuando es rudo— y su música se traduce en una emoción que rodea la presencia indie en la WWE. Además, ¿quién no necesita un poco de ska en su vida de vez en cuando?

El susurro indescifrable con que inicia la entrada de The Brood reflejaba lo que el público sabía del trío misterioso de vampiros noventeros. La sed de drama —y sangre— del grupo era parte de los esfuerzos de la WWF para construir más personajes inhumanos y monstruosos junto a The Undertaker y Kane durante la Attitude Era. Y la música pintó la imagen exacta que la compañía quería que los fanáticos vieran: una advertencia inexacta, pero alarmante de que algo estaba por suceder.

A veces, las canciones muy bien construidas pueden hacer que las masas crean, sin razón específica, que un peleador es una estrella certificada. En el caso de Bobby Roode, la música de entrada lo llevó a la luna. En menos de cinco meses, Roode pasó de debutar en la WWE a ganar un título con el campeonato de la compañía NXT, en gran parte debido a la canción popular que el público rápidamente se aprendió y coreaba mientras él caminaba al cuadrilátero. Es rock para la guerra, pero es pegajosa.

El personaje tipo G.I. Joe de Hulk Hogan lo convirtió en un héroe de culto y un nombre familiar a finales de los 80 y principios de los 90. El tema de Hogan, donde declara que es un “verdadero americano” que defenderá a sus fans amantes de la libertad, es la esencia de todo. Cuando Hogan salió y prometió “pelear por sus derechos”, sabías que podías confiar en que pelearía hasta el final.

A veces las cosas más tontas se mezclan con la lucha profesional. Entra Fandango, un bailarín que repite su nombre de manera erótica y pelea contra cualquiera que no tenga su mismo espíritu bailarín… ya sabes, lo típico. Su canción hipnótica se convirtió en un éxito de la noche a la mañana el fin de semana de Wrestlemania en 2013, las multitudes entonaban la melodía y bailaban al ritmo latino. Las ventas incrementaron más de 4,000 por ciento según la WWE. Y demostró que en la lucha profesional, a veces las cosas menos serias son las mejores.

Tiene sentido que quizá el tema más completo que la WWE haya hecho fuera para uno de los personajes más queridos de la lucha. Dusty Rhodes era la versión familiar de “Stone Cold” Steve Austin una generación antes de que The Rattlesnake desatara el caos en la WWF de Vince McMahon. La canción de Rhodes, que celebraba el “Sueño Americano” y anunciaba a este “hombre común” que no parecía el típico luchador, fue un puto éxito y se convirtió en el soundtrack del héroe más extraño de la lucha libre profesional.

La inquietante y sureña “Broken Out in Love” del músico inglés Mark Crozer fue comprada por la WWE y desde entonces la usaron como tema de entrada para su personaje de culto tipo Manson Bray Wyatt y sus “seguidores”. Es un extraño caso en el que, en vez de encargar que se escriba una canción, la WWE encontró el track que terminó siendo perfecto para el personaje que querían.

Durante los 90 y los 2000, la WWE (vergonzosamente) trató a la lucha de mujeres como un evento de segunda clase. Los fraudes brillosos e hipersexualizados de Britney Spears a menudo eran las canciones que seleccionaban para las luchadoras. Pero desde el 2015 y la “Revolución Femenina” de la WWE esto fue cambiando poco a poco en los últimos tres años, la división renovada de música más competitiva y apropiada llegó para quedarse. Asuka, el imparable ariete japonés, tiene una de las mejores canciones de la plantilla de la WWE actual, titulada “The Future.”

Finn Balor es uno de los personajes más complejos en la lucha profesional actual. Pero su tema musical es simple por su perfección en todas las características que una canción de la WWE puede tener. La canción de Balor puede sonar sin parar cuando lo necesite por su riff circular, tiene una onda muy James Bond que CFO$ —los principales escritores de la WWE— aprendieron en años recientes (por ejemplo: Shinsuke Nakamura, que aparece más adelante en esta lista). Pero lo que es más importante, su apertura de batería fría permite una flexibilidad que el equipo de producción de la WWE ha utilizado para acompañar al personaje cambiante de Balor para entradas específicas.

“Break Down the Wall” de Chris Jericho es una de las entradas más reconocidas de la lucha libre. La larga permanencia de Jericho en la WWF/WWE ha convertido el track en un éxito de la lucha a través de las generaciones —como el tema de The Rock—, ha pasado por montones de versiones y ediciones en dos décadas. Jim Johnston, el compositor residente desde hace años de la WWE, tuvo una fase excelente de rap-rock durante la Attitude Era a finales de los 90, consolidando éxitos con Jericho, Degeneration X y Vince McMahon.

Las amenazas constantes de Vince McMahon para despedir a sus luchadores lo convirtió en el peor villano de la lucha y el adversario perfecto del trabajador Steve Austin con hazañas sin mamadas. Todo sobre McMahon pintaba la imagen de una élite corporativa intocable: sus trajes, su paso marcado, las limusinas, los recuerdos constantes de que es el jefe e incluso su canción. Unos de los homeruns de rap-rock de Johnston durante la Attitude Era de la WWF, el track se burla de los fans llamándolos marionetas y reiterando que “no hay oportunidad” de que Vince McMahon pudiera ser derrocado del poder. 25 años después, esto sigue siendo cierto.

La Attitude Era de la WWF a finales de los 90 se trataba de desafiar a la autoridad y jugar con tus propias reglas. Nada capturó mejor esta ideología que Degeneration X. Y las constantes alusiones a chupársela a DX tenían el suplemento perfecto con su tema musical estilo Rage Against the Machine, con la voz del músico neoyorkino Chris Warren. Con letras rebeldes como “You think you can tell us what to do? You think you can tell us what to wear?!” [¿Crees que puedes decirnos qué hacer? ¿¡Crees que puedes decirnos qué usar!?], la entrada de DX era básicamente una canción perfecta para la iglesia de los groseros.

A menudo, los personajes más temibles de la WWE son los que nunca dicen o revelan nada sobre sí mismos. En el caso de Aleister Black, el monstruo mudo quizá puede interpretarse como una especie de vampiro… o algo, pero su entrada habla por sí misma. El track en verdad tiene una actitud del “final de los tiempos” que habla mucho en contraste con el silencio sepulcral y la mirada mortal de Black. Code Orange and Incendiary, la banda hardcore neoyorquina que grabó la canción, tocó la intro de Black en vivo en el centro de Barclay en agosto de 2017, en lo que quizá fue uno de los mejores espectáculos de Wrestlemania.

CM Punk terminará como uno de los subestimados más grandes de la historia de la lucha profesional. En un inicio despreciado por la WWE por no ser el tipo correcto para ganar el Campeonato de la WWE, el Punk tatuado y delgado utilizó sus habilidades cándidas con el micrófono para asestar un golpe a la compañía, revelando secretos de los vestidores en peleas públicas que mezclaban la realidad con la ficción. Punk ganó el Campeonato de la WWE y dejó la compañía durante un par de semanas antes de regresar con “Cult of Personality” de Living Colour como su nuevo tema de entrada. Liderando a un creciente sector de fans que estaban cansados de ver a güeyes musculosos como protagonistas, Punk se convirtió en el antihéroe autoproclamado del que hablaba su canción y ayudó a llevar a la lucha profesional a una era moderna.

La entrada musical de Sasha Banks podría haber sido un éxito de verano a principio de los 2010. La mayoría de canciones de lucha profesional que ganan el apoyo de las masas es por su relación al deporte y la enorme cantidad de fans, pero el tema de Banks es uno de los pocos que podría haber llegado a la radio por mérito propio. Snoop Dogg (el primo de la vida real de Banks) lo demostró cuando tocó la canción en vivo en Wrestlemania 32 cuando Banks salió al ring. Otras veces, Banks es acompañado al ring por un séquito de guardaespaldas mientras suena el pop jam. Todo es parte de la ilusión de que no es una “jefa legítima”, sino una celebridad legítima a los ojos del público de la WWE.

En una discografía de letras malas y riffs de rock, no es difícil reconocer el tema de Triple H (tocado por Motörhead) y es una de las mejores que hay. Pero la voz de Lemmy le ofrece a una estrella, de por sí creíble, un impulso hasta el salón de la fama. Con la voz de leyenda al frente, el tema de Triple H se traduce como una cosa: que era una estrella sin comparación. Tan pronto como suena su canción, Triple H (también conocido como “The Game”) pasa de ser un personaje que puede retener un campeonato al “jefe final”.

Shinsuke Nakamura, peleador de “estilo rudo”, vino desde la tierra de los golpes duros, la tierra del “contacto brutal de verdad” en Japón antes de unirse a la WWE en 2016. Pero su música de entrada, si bien es poderosa tiene un sentido de gracia y elegancia. Con los violines acompañando el ritmo de tambores EDM, a menudo el público entona los riffs principales de la canción al unísono, incluso a mitad de alguna pelea de Nakamura. En la era moderna de la lucha profesional, donde el entusiasmo de las multitudes dicta qué peleadores deben recibir más atención, las canciones como ésta son un éxito para todos los involucrados. Y la de Nakamura es un clásico instantáneo.

John Cena es la mayor estrella que la WWE ha tenido desde The Rock y uno de los mejores de todos los tiempos. Pero la música de Cena no ganó tanto reconocimiento hasta que la mencionaron en un universo social, cuando “Unexpected Cena” se volvió un éxito viral en el verano de 2015. Ahora, el rap que canta el mismo Cena es cultura general para cualquiera que haya crecido con YouTube, y otra historia de éxito para las estrellas de la lucha libre que cantaron sus propias entradas.

En un espectáculo deportivo telenovelesco, las emociones pueden alterarse cuando una historia larga alcanza su clímax. Pero cuando la música de The Undertaker se escucha en la temporada final de sedes como Wrestlemania, la entrada brumosa y electrificante del Undertaker es casi anestesiante mientras él emerge lentamente al ritmo de los órganos eclesiásticos y las luces relampagueantes. A menudo se dice que una entrada puede hacer o romper a un luchador, y el tema escalofriante de The Undertaker es gran parte la razón de por qué su introducción es la más emocionante e icónica de todos los tiempos.

Después de que Dwayne “The Rock” Johnson dejó la WWE a principios de los 2000 para intentar convertirse en una estrella de cine, sus apariciones en la lucha profesional se volvieron erráticas pero apreciadas. Nada encarnó su estrellato como la versión hollywoodense de su épica canción, que apareció en 2003. Sabías que estabas presenciando algo especial cuando ese órgano comenzaba. Los temas de la WWE a menudo se moldean a partir de otros tracks exitosos (por ejemplo: la canción de la estrella Carmella de Smackdown Live es un giro de “Fancy” de Iggy Azalea). En este caso, el minuto para construir la intro de la canción se parece a “Sirius” de The Alan Parson’s Project que previamente la WWF había usado como tema musical del peleador legendario Ricky “The Dragon” Steamboat y fue utilizada en los 90 por los Chicago Bulls como intro para los partidos. Después de todo, The Rock es a la WWE como Michael Jordan al basquetbol.

El intro de “Stone Cold” Steve Austin cambió el sonido de un vidrio rompiéndose para toda una generación a finales de los 90. Ese sonido “OH MIERDA, ESTO VA A ESTAR CHINGÓN” significaba que estabas por ver cómo el mismísimo Rattlesnake iba a patear culos. Austin, el protagonista de la era más célebre de la lucha profesional, era un loco maldito y ojete que rutinariamente aplicaba llaves para acabar con los planes diabólicos de Vince McMahon y siempre estaba ahí para salvar el día. Como una batiseñal moderna, la entrada de Austin no sólo significaba que estabas a punto de ver una bronca en serio, sino que todo iba a salir bien.

Sean Neumann está en Twitter , en caso de que quieras retarlo a pelear en la jaula por alguno de sus tops.