28 óleos violeta para celebrar la espiritualidad y la muerte

El pasado mes de agosto, Estación Indianilla le dio la bienvenida al artista mexicano Ricardo Mazal y su más reciente producción artística: Violeta.

La semana pasada, tuve el gusto de que este memorable artista me platicara sobre los 28 óleos que conforman la exposición, logrando que cada uno se transformara en una ventana, una ventana a lo inmanente y vital que el ser establece, de manera implícita, consigo mismo y el mundo.

A través de su uso del color y composición, Mazal, nos revela el gesto, la belleza, la muerte y la memoria.

Acompañamiento sonoro propuesto:

¿En que consta tu proceso creativo?

Toda mi obra siempre es pensada como una instalación. Yo no trabajo con una idea individual, sino la pintura se vuelve una parte. En el caso de violeta es pura pintura, pero siempre busco diferentes medios que abarquen la totalidad de la idea.

¿Cómo dialogas con el soporte tradicional y la tecnología?
Yo creo que ahorita el 50% de mi trabajo se ejecuta y se concibe en la computadora. Hay toda una conceptualización de la obra para llegar a crear una instalación y que el público tenga una experiencia (catarsis).

¿Qué parte de tus procesos es en digital y cuál en tradicional?

Antes de pintarla ya la tengo conceptualizada, rendereo todo. Ya sé cómo van a dialogar las obras entre sí, la relación que tienen entre ellas,etc. De esta manera puedo pensarla como experiencia para el espectador.

Con el único elemento tradicional que trabajo es el óleo. No uso pinceles, desarrollo mis propias herramientas. Nunca pude usar la espátula, ni la brocha, sino que para cada una de mis series necesito reinventar las herramientas que utilizo para que respondan a lo que estoy buscando y no al revés. Ahora que acuérdate que también uso muchos elementos multimedia en mis exposiciones..

Al concebir una exposición, ¿Cuál es el momento que más disfrutas?

Me encanta cuando viene la gente a ver mis obras y me dicen: "me moviste el tapete". Si ellos me dicen que se cuestionaron toda su vida, para mi es lo que vale.

¿Recuerdas en particular el comentario de alguien?

Hubo una señora que me escuchó en la radio y vino con su esposo, el hecho de que haya venido me dio una gran satisfacción, significa que algo dije bien en el radio que captó su atención. El caso es que dos horas y media después todavía los veía concentrados en las obras, entonces me acerque y me dijeron que no se podían ir, que seguían atrapados en la obra.

¿Por qué Violeta?

En los cuadros de la serie Noche Transfigurada (fig. i), cambié de color una línea (hoy se ve violeta). El azul hacia que vibrara mucho la obra, y no me acuerdo con que idea es que hice este cambio, nunca había usado ese color, hasta que lo puse ahí y me encanto como se veía la combinación.

Mi siguiente acercamiento fue la pintura pequeña de la entrada (fig. ii), ahí se originó la serie Violeta.

Cuéntame más sobre esa primera pintura Violeta:

¡Como si fuera con los ojos cerrados me salió esta pintura!, ¡No sé ni cómo me salió!, pero era una pintura muy sencilla de color field. Compositivamente lo único que tenía era que estaba partida por la mitad, al igual que las de la serie noche transfigurada. Y algo tenia muy bonito, no sabía si la iba a exponer pero decidí dejarla ser.

Al día siguiente vi que tenía un color muy particular, una textura como de tela, seda, muy táctil y con una luz muy sutil que emana del cuadro.

Al final la expuse en Zona Maco y lo que más me movió es cómo la gente observaba la pintura.Fue la pintura más exitosa, el público se paraba enfrente durante 10 - 15 minutos y yo decía: ¿Qué tiene esta pintura?, hay veces que uno hace cosas que no entiende, con el tiempo te das cuenta de lo que pasó.

Después de tal catarsis ¿Qué pasó?

Regresó a Santa Fe (Nuevo México) y estaba a punto de empezar a trabajar en mi próxima exposición, mi galería es Sundaram Tagore, una gran galería en Chelsea; y me hablan de la galería y me dicen: "Ricardo no tenemos nada de tu obra mas reciente en formato para una feria."

Decidí hacer otra pintura violeta, esa ya no me salió tan fácil. Se la mando a Sundaram y me hablan de Paris y me dicen que fue una sensación, la gente se paraba y ahí fue cuando dije ¿Qué está pasando con el violeta?

Al final… ¿Qué había en el violeta?

El violeta, es el color más espiritual que existe. Es tema que de alguna u otra manera siempre habita en en mi obra, yo creo que no es algo que yo estoy buscando conscientemente.

¿Espiritualidad?

Si, empieza desde los temas que abordo, como La Reina Roja, El Cementerio de Odenwald, o Bhután. Por ejemplo: el proyecto Bhután se basó en la idea de los budistas que escriben sus rezos en las banderas para que el viento se los lleve y le lleguen a todos los seres humanos. Se me hizo tan poético eso, tan bonito, que decidí trabajar sobre ello.

En el caso de Violeta, exploró la espiritualidad del color. ¿Por qué se escogió el violeta en la iglesia católica?, tú sabes que la iglesia católica ¡Que bárbara!, tiene el mejor logotipo de la historia de la humanidad, arquitectónicamente ¿Por qué hacen las catedrales con ese manejo de la luz?

Volviendo a Violeta: decido hacer una serie con este color y empiezo a trabajar con la visión cromática del violeta. Que a diferencia de otros colores, como el verde que siempre va a ser verde, este tiene múltiples nombres: morado, púrpura, etc.

Por esa multiplicidad escogí Violeta, y decidí cubrir toda su gama.

A diferencia de otros de tus proyectos que son multidisciplinarios, en Violeta solo abarcas pintura y música ¿Como escogiste la pieza musical para esta exposición?

En el caso de Sinfonía No. / Los Ángeles 4, de Arvo Part. (Referencia sonora al principio de la entrevista)

Estaba trabajando y la escuché en el radio, paré de trabajar, me quedé 10 minutos escuchando, cerré los ojos y dije: esto es violeta. Siempre escojo una pieza particular que acompañe la serie. La música siempre ha sido un componente, pero no de inspiración, no escucho esta música cuando estoy pintando, sino cuando necesito irme a un punto de referencia.

Después de hablar de terrenos tan abstractos como la espiritualidad ¿Podrías aterrizar violeta?

¡Claro!

Después de llevar dos meses trabajando me sacaron sangre y al ver el tubito digo:
¡Es el color que estoy usando!, ¡La sangre es violeta!, entonces entendí que lo que estaba pintado, era la vida.

En distintas culturas, desde la Maya hasta las orientales, la sangre es vida. Y quizá lo que estaba pintado era ese flujo. Siempre ha habido movimiento en mi obra, un movimiento no lineal, más bien lo mediría como el tiempo de la luz. Quizá otra manera de verlo, es verlo como las venas, es el flujo de la sangre y el flujo de la vida.

El flujo de la vida tiene un fin…

Si, está en esos cuadros blancos (fig. iii). Estos cuadros tienen una línea divisoria a la mitad, no es que sean dípticos…

Ahí esta tu abismo

Si, después entendí, que ese trazo también puede ser un monitor del corazón,que existe también esta parte en las pinturas que tienen un latido. Que el cuadro blanco era el balance, la luz y así aparecieron estos cuadros.

Pensando en cuando ya no hay latido del corazón…en la suspensión, es que no puedes pintar la vida si no hablas de la muerte y no puedes pintar la muerte si no hablas de la vida, son de la mano.

¿Qué les podrías decir a la nueva ola de artistas sobre el poder del bastidor y los soportes tradicionales?
Sean fieles a sí mismos, no se dejen llevar por la moda. La pintura está tan viva como tú o yo, esos mitos de que si se acabo la pintura o no, es como si dejamos de comer.

Te doy un ejemplo: mi juventud fue en los 70. Cuando empezaron los sintetizadores,
decían que se iba a acabar los instrumentos tradicionales –y no.

Si te puedes expresar mediante la pintura no tengas miedo, pero siempre cuestionate ¿Como puedes crear un lenguaje propio,que no sea de manera tradicional a pesar de tener una técnica tradicional?

La contemporaneidad de la pintura hoy en día se basa en como la abordas.

¿A lo largo de tu trayectoria tienes algún artista que haya influido en tu proceso creativo?
Gerhard Richeter, es alguien que nos abrió la posibilidad de pintar abstracto, figurativo, fotográfico, de mil maneras diferentes, es como aborda él su pintura lo que lo hace contemporáneo.

Y es lo que creo que a mi me hace un artista de mi tiempo, la inclusión de diversos medios para generar una catarsis en el espectador, sin alejarme de la pintura. No hay que tenerle miedo, tampoco a la palabra belleza, por que puede ser profunda, triste, alegre, tiene todos los matices.

¿Cual crees que fue la clave para tu éxito en el extranjero? ¿Qué les podrías decir a la nueva ola de artistas?, ¿Como los podrías motivar?

De nuevo… hay dos cosas que yo siempre busque: esa sinceridad, esa honestidad en mi trabajo y la búsqueda de un lenguaje más universal. Tengo la suerte de ser un artista abstracto pero cuando te vas al detalle puedes sacarle cosas muy específicas, pero esta es una obra que se puede ver en NY, México, Singapur y le van a entender, diferente por su experiencia con el color, es distinta, pero llega al mismo fin.

Si, son lugares comunes
Cuando llegas a la esencia, a un lugar universal.

A la empatía, de lo que todos estamos compuestas más allá de la cultura y la lógica.
¡Exacto!, honestidad y fidelidad a sí mismo, ¡Eso es lo que les diría!.

Sobre el artista _
Ricardo Mazal nació en la Ciudad de México en 1950. Vivió en Barcelona de 1985 a 1991. En 1992 se mudó a Nueva York y desde 2002 divide su tiempo entre Nueva York, Santa Fe Nuevo México y la Ciudad de México.

En la última década, ha tenido exposiciones individuales en museos de México y Estados Unidos, entre las que se encuentran el Museo Nacional de Antropología en la Ciudad de México, el Scottsdale Museum of Contemporary Art y el Center for Contemporary Arts en Santa Fe, Nuevo México. En el año 2000 se organizó su primera retrospectiva en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), el Museo Nacional de Antropología (2004 – 2005), el Museo de Arte Moderno (2006), el Museo de Arte de Querétaro y Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez de Zacatecas (2010) y el Centro Cultural Estación Indianilla (2012).
Actualmente expone extensamente su obra en México, Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia.

La exposición estará disponible hasta noviembre en Estación Indianilla.

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